Esquilo

Regreso a hablar de los griegos al recordar las grandes dionisias de Atenas que se consideran las precursoras del teatro griego. Consistían en fiestas anuales que duraban varios días, en honor a Dioniso, dios del vino y la exuberancia. En estas celebraciones masivas, la gente cantaba, bailaba y tomaba vino. El teatro griego siempre se caracterizó por sus obras vinculadas a las ceremonias religiosas de culto al dios Dioniso.

Esquilo (525-456 a. C.). Es considerado el creador de la tragedia griega y reconocido por su innovación tras incorporar un segundo actor (las obras eran interpretadas solo por un personaje). Sus guiones se basaban en temas de la mitología, con personajes de dioses, semidioses o seres sobrehumanos que se expresaban con un lenguaje grandilocuente y metafórico. Esquilo nació en Eleusis (Ática), el lugar donde en la antigua Grecia se celebraban “los misterios eleusinos”, que son unos “ritos de iniciación” ofrecidos anualmente al culto a las diosas Deméter y Perséfone; estos se celebraban en Eleusis (cerca de Atenas).

Esquilo pertenecía a una familia de terratenientes nobles y ricos y le tocó luchar contra los persas en la batalla de Maratón (490 a. C.), así como intervenir en la de Salamina (480 a. C.) y, probablemente, en la de Platea (479 a. C.). De allí que algunas de sus obras, como Los persas (472 a. C.) y Los siete contra Tebas (467 a. C.), resultan de sus experiencias guerreras.

En su juventud le tocó vivir durante la tiranía de los Pisistrátidas en Atenas pero ya adulto, también fue testigo del desarrollo de la democracia ateniense. En Las suplicantes (463 a. C.), puede detectarse la primera referencia que se hace acerca del "poder del pueblo", y la representación de la creación del Areópago, tribunal encargado de juzgar a los homicidas. En Las Euménides (458 a. C.), se apoya la reforma de Efialtes (462 a. C.), transferencia de los poderes políticos del Areópago al Consejo de los Quinientos.

En los concursos dramáticos se representaban tres tragedias además de un drama satírico, con el que se relajaba la tensión del público. Esquilo condensaba sus obras en trilogías sobre algún tema en particular, cada parte conservando su sentido podía ser representada por separado. A los tres dramas de los cuatro sobre episodios del mismo mito, le seguía un drama satírico que contenía una historia relacionada con los mismos.

Esquilo escribió 82 piezas (algunas fuentes las calculan en 90), consiguió su primera victoria en composición dramática en el 484 a. C., siendo sus rivales Pratinas, Frínico y Quérilo. La importancia de la obra de Esquilo es tal que en años posteriores a su muerte, se permitiría que sus obras fueran representadas y presentadas en certámenes (el agón) junto a las de los dramaturgos vivos, lo que era un honor excepcional. De toda su obra, solo se conservan siete piezas, seis de ellas premiadas, y que en su epitafio no fue recordado como poeta ni como dramaturgo, sino por su valor en la batalla de Maratón.

Los persas (472 a. C.), Los siete contra Tebas y Las suplicantes son dramas de dos actores disminuyendo la intervención de los coros, y haciendo posibles el diálogo y la acción dramática. Los diálogos entre personajes y coro con un ritmo de acción más bien lento es uno de los rasgos principales de arcaísmo en el teatro de Esquilo.

Esquilo disponia para su teatro escénico del skené, que era una zona de forma rectangular, alargada y estrecha con el lado mayor de cara al público, situada detrás de la orchestra y elevada tres metros por encima de la misma mediante una plataforma de tablas sostenida por una columnata. Comprendia el proscenio, la scaenae frons, los parascenios, el hiposcenio y el postcaenium y del ekkyklema, que era la “tramoya”, una maquinaria de efectos escénicos, el antecedente de los decorados móviles, que consistía en una pequeña plataforma baja con ruedas, a veces giratoria y desplazable. El "ekkyklema" sale por la puerta central y muestra escenas que ocurren dentro de la "skené", con cuadros representando una acción que había sucedido en el interior y, que por lo tanto, no había sido presenciada por el público.

Es interesante notar que el "ekkyklema" no estaba permitido mostrar escenas de asesinatos en el escenario. La plataforma era utilizada para mostrar como un flash de las consecuencias de una acción que había ya pasado. Se usaba en las tragedias para sacar del escenario los cadáveres. El "ekkyklema" "saca a la luz a aquellas figuras sombrías -el asesinato de la madre, de los hermanos, de los hijos", y revela "la sangre, el horror y la desesperación de un mundo desgarrado".

El interés central de los dramas de Esquilo se halla, principalmente, en la situación y en su desarrollo, más que en los personajes. Se considera que el personaje que ha sido más trabajado por el autor es Clitemnestra, particularmente en la tragedia Agamenón, donde la necesidad estimula su capacidad para fingir. Esto, junto a su versatilidad, la convierten en uno de los personajes más destacados de todas las tragedias griegas.

Los coros esquileos casi siempre gozan de una personalidad fuerte y peculiar; sus palabras, junto a la música y la danza, contribuyen a llamar la atención sobre los profundos temas del teatro de Esquilo, determinando el tono de todo el drama. Los coros esquileos tienen, a menudo, una importancia sustancial en la acción. Las Danaides y las Erinias son, de hecho, las principales protagonistas de sus dramas.

El estilo lírico de Esquilo es claro pero con una fuerte tendencia a lo arcaico y con rasgos hómericos. Sobresalen, al presentar modelos de lenguaje y de imágenes, metáforas, símiles, campos semánticos determinados, elaborándolos hasta los detalles más mínimos y manteniéndolos a lo largo de todo el drama o de la trilogía.

El decoro trágico, donde el protagonista tiene que expresarse como lo que es, se muestra en el caso de Agamenón, quien debe hablar como un héroe trágico. También su teatro es audaz, y está dotado de gran imaginación a la hora de aprovechar los aspectos visuales de sus dramas. Como ejemplo esta el contraste entre el vestido de la reina persa al entrar en su carroza y la vuelta de Jerjes vestido solo de harapos; la caótica entrada del coro en Los siete contra Tebas; las Danaides de aspecto africano, vestidas exóticamente y su enfrentamiento con los soldados egipcios; la alfombra púrpura que llevará a Agamenón a la muerte; Las Erinias en escena; la procesión con que concluye la Orestíada, etcétera, demuestran su dominio de la técnica teatral y de la escenografía.

El sufrimiento humano es el tema principal en el teatro esquileo, un sufrimiento que lleva al personaje al conocimiento y que no está reñido con una fuerte creencia en la justicia final de los dioses. Es fundamental, en este respecto, la fuerza del genos, de la herencia de la culpa y de los lazos de sangre, que provoca que las faltas de los antepasados sean heredadas por los protagonistas míticos actuales. Se ve en el enfrentamiento entre Atreo y Tiestes, que empaña las existencias de Agamenón, Egisto y, más tarde, Orestes. En ocasiones, se trata de víctimas indirectas de las que muchas que son inocentes.

El elemento clave en el teatro esquileo es la sustitución, en la escena final, de la violencia por la persuasión, como se puede ver en La Orestíada. Casi siempre, los dioses son severos e implacables, y los mortales se encuentran prisioneros, sin esperanza, pese a que puedan elegir cómo afrontar su propio destino. En las últimas producciones de Esquilo, sobresale un concepto diferente de la divinidad, como ocurre en La Orestíada, en la que las divinidades conocidas como las Coéforas se convierten en Euménides, en responsables y afectuosas protectoras de los mortales que lo merecen.

Maracaibo, jueves 23 de noviembre del año 2023

Para hablar maracuchamente de los griegos…

Comenzando el mes de abril del año 2021, en medio de la pandemia del COVID 19, se me ocurrió contar la historia del dios de la Medicina, un relato que habría de mostrar algunos detalles un tanto confusos, ciertamente, alrededor de la Mitología griega y sus variadas versiones. Aquella historia especialmente referida al dios de la Medicina quien según los griegos se llamaba Asclepio, y para los romanos es el mismo Esculapio, la comenté en este blog (lapesteloca) y hoy sin pandemia y para celebrar mi cumpleaños número 84, las repetiré, y lo hago maracuchamente hablando.

Asclepio, o Asklepio -el romano Aesculapios- es el dios de la Medicina. Según una versión, su nombre era Epios, por su calma y benevolencia, pero se dice que después de haber curado a Aescles -el tirano de Epidauro que padecía de “oftalmía”-, su nombre pasó a ser compuesto y se llamó Asclepio. Los oftalmólogos, quizás sabrán cómo era aquella “oftalmía” curada por el joven médico, y al no estar descrita, pues no lo sabemos...

En la historia, al hablar de Asclepio es necesario mencionar a Quirón el centauro, quien fuera su maestro de medicina y cirugía. Todos saben que, en la Mitología griega, los centauros son criaturas salvajes, mitad caballo y mitad hombre a quienes desde los tiempos de Fidias -el escultor (https://tinyurl.com/2dm7vhrs) más popular de El Partenón- se les representa como hombres desde la cintura para arriba y el cuerpo de un caballo- y tenían fama de ser feroces y salvajes, pero Quirón era diferente. Quirón era un centauro sabio y prudente, muy entendido en el arte de curar y de cazar. Quirón fue maestro, no solo de Asclepio sino también de Aquiles. Pueden estar seguros de que no era arquitecto como Fidias ni tenía nada que ver con la directiva de un equipo beisbolero que se disputaba con Gavilanes y Pastora el campeonato maracaibero de baseball profesional, años ha de eso, aunque no tantos como los de la propia historia de Asclepio, pero lo digo tan solo, por si forsi...

Se dice que Quirón era hijo de Cronos y de la Oceánida Filiria. Esta criatura por el nombre pudiese entrar en el ranking de las maracuchas y no faltará quien diga que no era Filiria sino Filaria y si este fuera el caso, sería infecciosa por que la Filaria Loa Loa provoca edemas de Calabar y las microfilarias pululan en la sangre periférica; o pueden relacionarla igualmente con la filariasis linfática, que lleva a la elefantiasis y la Filaria en este caso es la que denominan Wuchereria bancrofti, la de la elefantiasis y además, es bueno recordar que la trasmiten los mosquitos… Por si las moscas. Bueno, ya está bien. Es por culpa de Filiria, un nombre exótico… Sigo. ¿Sí?

Homero, quien no es Simpson sino el señor invidente que escribió La Ilíada y La Odisea, llamó a Quirón “el más justo de los centauros”, el ya mentado maestro no solo del joven Aquiles pues también lo fue de Castor y de Polux, de Teseo, de Nestor, de Meleagro y de Diómedes, ¡que mondenga!, y por supuesto, de Asclepio. Homero en la Ilíada cita a Podalirio y a Macaón como hijos de Asclepio. ¿Verdad que suena como que hay ya demasiados maracuchos en este cuento? Es importante entender que “los asclépiades” eran los médicos, sacerdotes descendientes de Asclepio y que no todos los médicos griegos eran asclepíades, había quienes eran simplemente médicos de la clase de los demiurgos o servidores del pueblo. Conviene recordar que la medicina griega que trascendió a la cultura occidental fue la medicina hipocrática y no la asclépiade... Todavía uno busca con afán (de polo a polo) a esos “médicos servidores del pueblo”...

En lo que se refiere a la historia personal de Asclepio, de acuerdo con la Mitología era hijo del dios Apolo y de Coronis, hija del rey de Flegias. La historia relata como Apolo, el dios griego, sorprendió a la bella Coronis, hija de Fleijas que era rey de Tesalia, bañándose en el lago Bobeis -este es el nombre del lago, y aunque les suene, no era el “vos véis”- Apolo la vio pues, y le sucedió algo así como lo que contaba Simón Díaz con Mercedes a la que bañándose le llegó su caimán, y claro está, también con Simón mismo, morboseador voyeur él, en fin… Bueno, pues resulta que Apolo se enamoró de ella, de Coronis, y la doncella, como era de esperarse le correspondió y así en ausencia de caimán, su pae, o sea, su mero papá, un poco después del baño, le informaría que estaba destinándola a casarse con Isdup. Aunque tenía ese nombre medio extraño, su padre insistía en que era ese y no otro, quien tenía que ser su marido.

Utilizando un cuervo que le servía como espía, y conste no era el de Edgar Allan que pasaba su tiempo aleteando para posarse en la cornisa de una puerta, o sobre la cabeza de Palas -otra diosa- el pájaro espía de Apolo era en realidad un cuervito decente y por eso, el mero dios Apolo lo envió de averiguador, tipo detective, pero cuando se enteró del arreglo prenupcial por el zamurito que le chismeó sobre los proyectos del padre de Coronis, Apolo entró en cólera y lleno de ira, y ¡había que ver lo que era un dios enfurecido!, transformó al avechucho en un pajarraco de color blanco, ¡cual paloma de la paz!, y medio chueco todo avergonzado se quedó, mientras de inmediato Apolo, se fue al sitio, esmollejadamente se apersonó como dicen ahora, y ¡ríquiti!, le dio muerte a Isdup; afortunadamente no dicen cómo, pero, con seguridad olímpica, fue una terrible “matica de café”…

Coronis y sus compañeras de juegos -pobrecitas- fueron muertas a flechazos por Artemisa, la hermana de Apolo, quien no sé por qué, de pura asomada se metió en este rollo (estuvo entrenándose para actuar en el filme de Disney “Mulán” y era certerísima). Una vez que la pobre Coronis hubo expirado, y se preparaban familiares y amigos, para cremarla por los métodos de aquel entonces, hete aquí que Apolo se apareció y cuando vio a su amada Coronis en una pila funeraria ya chisporroteante, no se le ocurrió salvarla, sino que se le fue encima y le hizo una laparatomía exploradora (cual personaje de “ER-sala de emergencia”) y liberarando del vientre materno al hijo que aún no había nacido, ¡Me importa un rábano!, les dijo Apolo, y se llevó al fetico aquel, volando y volando, y así llegó hasta el monte Pelión para dejárselo al centauro Quirón que vivía en una cueva… ¡Ve que mamón! O que molleja de historia la de Asclepito y después dicen que si la televisión o el cine son los que conducen a la violencia…

En las montañas de Tesalia, allí fue donde estuvo “encuevao” Asclepio y allí iba a aprender todo sobre el poder maravilloso de las hierbas y de los conjuros, todo aquello cuanto desde niño le enseñó su maestro Quirón, y con el tiempo, aprendió más que si tuviera un PhD y terminaría envanecido el chamo, de tanto estudiar y de aprender sobre los misterios de la naturaleza que cada vez más y más conocía. (Así, joven, alto y esbelto, se ve en la foto de su estatua de mármol). Asclepio, creyéndose que había sido capaz de sobrepasar a la naturaleza y que podría despertar a los muertos, dijo para sí. ¡Sé más que el gas! Pero resulta que Zeus que lo andaba visteando desde hacía ya un tiempo, en realidad le caía gordo y lo estaba cazando, así que se enfureció ante tamaña osadía, creerse resucitador... Está pasándose se maraca se dijo Zeus y simplemente lo fulminaría con un rayo… Final tipo película francesa de los 60…

Apolo tiene también su historia, no te creáis... Había nacido en la isla de Delos y siendo muy joven, dicen que fue quien venció a la serpiente Pitón (Ver: la foto en piedra que le sacaron cuando estaba en eso). La leyenda cuenta que: ojo que no es la misma que aquella que cantaban, la de “cuenta la leyenda que en un árbol”, encaramado no. Relata la propia historia que el lugar donde Coronis se retiraría para tener a su hijo fue en Epidauro y que realmente daría a luz en Mirthos. Así que por aquí, en esta otra sana versión, nada se dice sobre el rescate en la pira por el dios Apolo luciéndose como un “Mighty-Mouse” volador-. Hay otra versión donde dicen de Coronis, que cuando nació su hijo Asclepio, ella misma fue quien lo dejó abandonado en el monte Titón y que, a las dos pasadas, tal vez Coronis era pana de Quirón, pero vaya usted a saber…

Según la Mitología griega, Asclepio entre las maravillosas curas que logró, le devolvió la vida a Glauco, un joven que andaba persiguiendo a un ratón, y se cayó él, en una gran tinaja de miel y pereció ahogado. Es casi como lo del ratón Pérez que se cayó en la olla, pero sin la hormiguita que lo sentía y lo lloraba. Era otro ratón, -no era pea, ni adminiculo para computadora, solo un roedor- seguramente. Asclepio también resucitó a Hipólito, ¡Otro maracucho!, y este era hijo de Teseo.

Cumpliendo instrucciones de Zeus, Apolo les enseñó a los hombres la dulzura de la poesía y se dice que Zeus envidioso lo llamó al Olimpo y ya estando allí le dijo: “Hey Apolo, ve que todos los días, pero cada uno sin falta, fijate Apolo, vos vais a tener que salir en tu carro luminoso, -era una especie de convertible descapotado mollejúo-, que es machete y además, te lo vamos a poner tirado por unos blancos corceles, los que llaman caballos de fuerza, ¡ajá!, y desde ahí, cuando arranquéis, vais a iniciar tu brillante carrera diaria, de polo a polo y sin echarte un palo. ¿Veis Apolo? 

Así fue como sucedieron las cosas, ¡de bola que si!, bueno, eso dicen, más o menos y te las estoy contando aunque no se si me vais a creer, hoy un día de Santa Cecilia, patrona de los músicos que coincide con mi cumpleaños y con la fecha cuando se echaron al pico al presidente Kennedy…¡Ve que mondenga!

Maracaibo, miercoles 22 de noviembre del año 2023

El Barroco y Góngora

España había alcanzado su mayor unidad y extensión territorial cuando sometidos a Carlos V, estaban Flandes, Alemania, Hungría, Portugal, Nápoles y Sicilia, y el Nuevo Mundo con las ricas tierras de América. Estos detalles de geoplitica sucederán en medio de los llamados Siglos de Oro de la literatura española.

El siglo XVII fue muy peculiar en España, ya que gobernarían los Austrias menores, y en muchos aspectos hubo una especie de “medievalización” de la vida española. Felipe III (1598-1621) heredaría un gran imperio en bancarrota, con una gran enemistad con Inglaterra y los Países Bajos. En 1600, el duque de Lerma era el hombre más poderoso del reinado de Felipe III. Este duque, de nombre Francisco de Sandoval y Rojas, se había enriquecido manejando el tráfico de influencias, corrupción y venta de cargos públicos (“politico” pues!), y decidirá trasladar la Corte española a Valladolid; y pasa a ser seis años más tarde cuando regresará a Madrid.

Felipe III firmó la paz con Inglaterra en 1604 y una tregua con los Países Bajos entre 1609 y 1621, además, expulsará de la Península a los moriscos en 1609, y esto, de gente que generalmente trabajaba en el campo, empobrecerá la agricultura y comercialmente al país. España gobernada por Felipe II, Felipe III y Felipe IV este último hasta 1665 y entonces es cuando aparecería el Barroco español. Ya en las postrimerías del Barroco les tocará a Felipe III y Felipe IV perder una por una todas las tierras europeas con los graves problemas, religiosos, y políticos, que conllevaba aquel descalabro.

Carlos II (1665-1700) aparece como el último de los Austrias menores, y hereda el trono a los cuatro años, por lo que lo regenta su madre Mariana de Austria, con una junta de notables. Carlos II fue un rey débil y enfermizo, apodado el Hechizado. Continuas guerras con Francia conducen a la decadencia de España ante el poderío de aquella nación y Carlos II sin descendencia, nombra como heredero a Felipe de Anjou, futuro Felipe V, nieto del francés Luis XIV, lo que dio origen a la Guerra de Sucesión española.

El Barroco en medio de estos tiempos complicados, se caracteriza por un pesimismo intelectual; se vive en medio de la disolución de los ideales renacentistas y de la soberanía de España en el mundo, con el desengaño que esto implicaba y que llevaría a poetas y escritores a ser pesimistas con una toma de conciencia sobre la condición humana creando novelas picarescas demostrativas de aquella época de desigualdades sociales.

La literatura española del Barroco se enmarca desde las obras iniciales de Góngora y Lope de Vega, en la década de 1580, hasta el siglo XVIII cuando llega a su cénit con Baltasar Gracián y Francisco de Quevedo, y los dramaturgos Lope de Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca y Juan Ruiz de Alarcón. Sin embargo, el siglo más característico del barroco literario español es el XVII, con la producción poética de Quevedo, Lope de Vega y de Luis de Góngora y Argote.

Luis de Góngora y Argote (1561-1627) fue el poeta y dramaturgo del Siglo de Oro, reconocido como máximo exponente de una corriente literaria que más tarde se denominaría gongorismo o culteranismo y veremos como géneros mezclados conviven en Góngora; desde la poesía lírica de estilo sublime hasta romances y letrillas satírico burlescas, que se hacen populares entre el público.

El teatro barroco español configura una escena popular que ha perdurado como producción clásica para el teatro futuro. Los dramas filosóficos de Calderón de la Barca, de los que es ejemplo sobresaliente La vida es sueño, suponen un cénit en la producción dramática española y, como toda la literatura barroca, se inscribe en una época de esplendor que recibe el nombre genérico de Siglo de oro.

Luis de Góngora y Argote nació en la casa de su tío Francisco Góngora, racionero de la catedral, hijo del juez de bienes confiscados por el Santo Oficio de Córdoba, don Francisco de Argote, y la dama de la nobleza Leonor de Góngora. Luis va a ser el primogénito de esta unión matrimonial padre y madre de otros tres hijos. Don Francisco quedó pobre obteniendo sólo una modesta concesión de alimentos que contrastaba vivamente con una asombrosa riqueza espiritual.

El padre de Góngora se había licenciado en Salamanca, pretensión que albergaba para su primogénito, y era un gran erudito, poseedor de una importante biblioteca que él valoraba en más de quinientos ducados. Luis estudió en la Universidad de Salamanca, tomó órdenes menores en 1575 y fue canónigo beneficiado de la catedral cordobesa, donde fue amonestado por acudir a diversiones profanas y componer versos satíricos. Desde 1589, viajó en diversas comisiones de su cabildo por diferentes regiones de España.

En su juventud, Góngora compuso numerosos romances, de inspiración literaria, como el de Angélica y Medoro, de cautivos, de tema pícaro o de tono más personal y lírico. También numerosas letrillas líricas, satíricas o religiosas y romances burlescos. Ándeme yo caliente / y ríase la gente. / Traten otros del gobierno / del mundo y sus monarquías, / mientras gobiernan mis días / mantequillas y pan tierno, / y, las mañanas de invierno, / naranjada y aguardiente, / y ríase la gente.

En 1603 Góngora se enemistó con Quevedo, a quien acusó de imitar su poesía satírica bajo pseudónimo. Quevedo escribió contra el mal gusto de las sátiras que el ingenio cordobés exhibía entonces contra la suciedad del río Esgueva que atravesaba la ciudad muy superpoblada. En 1609 regresó a Córdoba y empezó a intensificar la fuerza estética y el barroquismo de sus versos. Géneros mezclados conviven en Góngora; desde la poesía lírica de estilo sublime hasta romances y letrillas satírico burlescas, que se hacen populares entre el público mientras Quevedo cultiva los poemas metafísicos y morales más trascendentes, al tiempo que escribe sobre asuntos de carácter bajo y va este ejemplo: Gracias y desgracias del ojo del culo.

A lo largo de su vida, Góngora escribiría perfectos sonetos sobre todo tipo de temas (amorosos, satíricos, morales, filosóficos, religiosos, de circunstancias, polémicos, laudatorios, funerarios), auténticos objetos verbales autónomos por su intrínseca calidad estética y donde el poeta cordobés explora distintas posibilidades expresivas del estilo que está forjando o llega a presagiar obras venideras, como las Soledades. “Descaminado, enfermo, peregrino, / en tenebrosa noche, con pie incierto, / la confusión pisando del desierto, / voces en vano dio, pasos sin tino. / Repetido latir, si no vecino, / distinto oyó de can siempre despierto, / y en pastoral albergue mal cubierto / piedad halló, si no halló camino”.

Entre 1610 y 1611 Góngora escribió la Oda a la toma de Larache y en 1613 el Polifemo, poema en octavas que parafrasea un pasaje de Las metamorfosis de Ovidio. Ese año divulgó en la Corte su poema las Soledades, que desató una gran polémica y le creó una legión de seguidores, llamados poetas culteranos así como enemigos entre conceptistas como Francisco de Quevedo y los clasicistas como Lope de Vega. Soledades, el poema realizado en 1613 en silva de versos endecasílabos y heptasílabos se inició como un proyecto que sería dividida en cuatro partes: “Soledad de las riberas”, “Soledad del yermo”, “Soledad de los campos” y “Soledad de las selvas”.

Luis de Góngora acumuló importancia debido a la utilización de muchos géneros literarios, porque sus obras suponen un cambio en la literatura española y por los distintos estilos y tendencias que utiliza. Se encuentran modernas ediciones como la realizada en 1921 por el francés Raymond Foulché Delbosc “Obras poéticas de Góngora” luego las ediciones de 1943 por Juan Millé Giménez y su hermana Isabel. Crítica de sus poemas Soledades estudiados por Dámaso Alonso, La lengua poética de Góngora y otras ediciones de sus obras mas importantes.

Luis de Góngora fallecería en 1627 y sus restos fueron trasladados en 1858, dentro de la misma capilla en el muro de la derecha en la que contiene algunas palabras en latín, escritas por Luis María Ramírez de las Casas para el año 1864. Los restos del extraordinario poeta y dramaturgo español se encuentran en el cementerio de la Mezquita-Catedral en la Capilla de San Bartolomé de Córdoba, fundada en el siglo XII que luego paso a ser propiedad de la familia Fernández de Córdoba. Todos los años se celebra en esa capilla el día feriado más cercano al 23 de mayo, una misa en su nombre, acto religioso que reúne a mucha gente, un acto cultural que ha sido organizado por la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba. En el año 1993 sus restos fueron colocados en una nueva urna de mármol como muestra de honor y respeto para su lugar de reposo.

Maracaibo, martes 21 de noviembre del año 2023

Estrellas de mar

Casi todos los animales, incluidos los humanos, son bilateralmente simétricos: es decir, pueden dividirse en dos mitades reflejadas a lo largo de un único eje que se extiende desde la cabeza hasta la cola. En 1995, el Premio Nobel de Fisiología o Medicina fue otorgado a tres científicos que habían utilizado moscas de la fruta para demostrar que la estructura corporal bilateral, de cabeza a cola, observada en la mayoría de los animales surge de la acción de una serie de interruptores moleculares, codificados por genes, expresado en regiones definidas de la cabeza y el tronco.

Desde entonces, los investigadores han confirmado que esta misma programación genética es compartida por la gran mayoría de especies animales, incluidos vertebrados como los humanos y los peces, y en muchos invertebrados como insectos y gusanos.

Un nuevo estudio publicado en 'Nature' desmiente la idea que había llevado a algunos científicos a pensar que animales como las estrellas de mar quizá no tenían cabeza... Pues resulta que estos asteroideos no solo tienen cabeza, sino que evolucionaron para convertirse solo en cabezas, según indican sus genes.

Al mirar a un perro, o a un gusano, se puede reconocer su cabeza y su cola. Pero en el caso de una estrella de mar, donde sus cinco brazos son idénticos... ¿Como miramos este diseño corporal poco usual? Un nuevo estudio publicado en 'Nature' desmiente la idea que había llevado a algunos científicos a creer que estos animales quizá eran acéfalos... Resulta que estas estrellas que son “asteroideos” no solo tienen cabeza, sino que según indican sus genes evolucionaron para convertirse solo en cabezas...

Aunque pueda parecer una pregunta tonta los biólogos han cuestionando si alguna de las extremidades de estos animales tiene una función diferente a la otra y... En realidad, las estrellas de mar forman uno de los grupos de animales marinos más conocidos del fondo marino. Por lo general tienen un disco central y cinco brazos, aunque algunas especies pueden tener muchos brazos más. La clase Asteroidea, o estrellas de mar son una clase del filo Echinodermata (equinodermos) de simetría pentarradial, con cuerpo aplanado formado por un disco pentagonal con cinco brazos o más.

Laurent Formery, autor principal del nuevo estudio, quien trabajó junto con el biólogo marino y del desarrollo Christopher Lowe de la Universidad de Stanford y Daniel Rokhsar de la UC Berkeley, es un experto en la evolución molecular de las especies animales y dice: “Es como si a la estrella de mar le faltara por completo un tronco, y se describe mejor como simplemente una cabeza arrastrándose por el fondo marino...No es en absoluto lo que los científicos han supuesto sobre estos animales”.

El plan corporal de las estrellas de mar ha confundido durante mucho tiempo la comprensión de los científicos sobre la evolución animal. En lugar de mostrar simetría bilateral, las estrellas de mar adultas (y los equinodermos relacionados, como los erizos de mar y los pepinos de mar) tienen un eje de simetría quíntuple sin una cabeza o una cola claras. Y nadie ha podido determinar cómo la programación genética impulsa esta inusual simetría quíntuple.

Algunos científicos han propuesto que en las estrellas de mar, el eje de la cabeza a la cola podría extenderse desde la espalda blindada del animal hasta su vientre, que está cubierto por los llamados pies tubulares. Otros han sugerido que cada uno de los cinco brazos de la estrella de mar corresponde a una copia de un eje convencional de cabeza a cola. Sin embargo, confirmar estos extremos ha sido complicado, pues los métodos para detectar la expresión génica habían sido desarrollados para un pequeño número de organismos modelo, como ratones y moscas.

Los investigadores descubrieron asi que ninguna de las hipótesis destacadas sobre la estructura del plan corporal de las estrellas de mar era correcta y en cambio, vieron que la expresión genética correspondiente al cerebro anterior en humanos y otros animales bilateralmente simétricos estaba ubicada a lo largo de la línea media de los brazos de las estrellas de mar, con la expresión genética correspondiente a la del cerebro medio humano hacia los bordes exteriores de los brazos.

Mientras que los genes que marcan diferentes subregiones de la cabeza en humanos y otros bilaterales se expresaron en la estrella de mar, sólo uno de los genes típicamente asociados con el tronco en los animales se expresó, en los bordes mismos de los brazos de las estrellas de mar.«Estos resultados sugieren que los equinodermos, y las estrellas de mar en particular, tienen el ejemplo más dramático de desacoplamiento de las regiones de la cabeza y el tronco que conocemos hoy», afirma Formery, agregando que algunos ancestros de estrellas de mar de aspecto extraño conservados en el registro fósil parece haber tenido un tronco. «Simplemente abre un montón de nuevas preguntas que ahora podemos comenzar a explorar».

Las preguntas que el equipo espera abordar a continuación tienen que ver con si el patrón genético observado en las estrellas de mar también aparece en los erizos y pepinos de mar. Por su parte, Formery también quiere investigar qué puede enseñarnos la estrella de mar sobre la evolución del sistema nervioso, algo que, según él, nadie comprende del todo en los equinodermos. “Ciertamente es más difícil trabajar en organismos que se estudian con menos frecuencia”, dijo Rokhsar. “Pero si aprovechamos la oportunidad para explorar animales inusuales que operan de maneras inusuales, eso significa que estamos ampliando nuestra perspectiva de la biología, lo que eventualmente nos ayudará a resolver problemas tanto ecológicos como biomédicos”.

Como ya hemos mencionado previamente, el nombre “estrella de mar” se refiere esencialmente a los miembros de la clase Asteroidea. Sin embargo, en su uso común el nombre es a veces incorrectamente aplicado a los ofiuroideos. La clase Asteroidea se compone de cerca de 1900 especies existentes que se distribuyen en todos los océanos del mundo, incluyendo el Atlántico, Pacífico, Índico, Ártico y Antártico. Estrellas de mar se producen en un amplio rango de profundidad, desde la zona intermareal hasta la abisal a profundidades mayores de 6000 m (metros).

Maracaibo, lunes 20 de noviembre del año 2023

El IAP de la UCV

En el mes de diciembre del año 2019 escribí en este mi blog (lapesteloca) un artículo rememorando anécdotas personales sobre algunas de mis colegas, profesionales anatomopatólogas a quienes tuve la suerte de conocer mientras eran residentes del Curso de Postgrado de Anatomía Patológica en el Instituto Anatomopatológico (IAP) de la Facultad de Medicina en la Universidad Central de Venezuela (UCV). Hoy, en 2023, es cada vez más triste la situación socio política y económica del país; el deterioro de la asistencia pública sigue en una sostenida crisis y la mayoría de los ciudadanos tratan de sobrevivir con sueldos de hambre en medio del hambre y las enfermedades... Puede parecer un contrasentido recordar vivencias de colegas quienes ya son desde hace más de 25 años especialistas en Anatomía Patológica, pero quiero rendir les tributo por su tesonera labor como especialistas pues seguro estoy de que no desmayan en sus esfuerzos por ser cada vez mejores patólogas.

Nuestra especialidad médica se ha reducido en número por la migración de muchos brillantes colegas hacia otras latitudes en busca de mejores oportunidades y en muchos países de Hispanoamérica brillan con luz propia nuestros patólogos, mientras que aquí la Asociación que debería agruparnos tras mas de una década de inactividad, nos obliga a imaginar medidas para proteger del intrusismo a sus agremiados y proteger a los pacientes con cáncer que padecen las consecuencias de que quienes hacen diagnósticos sin ser los médicos especialistas preparados por las universidades para el ejercicio de esta compleja especialidad médica.

Afortunadamente se ha creado una Junta electoral dispuesta a precisar un censo real de miembros de la SVAP e ir a la búsqueda de una nueva Junta Directiva. En este relato hoy usaré nombres propios sin apellidos y comienzo por Yanina, quien siempre fue una explosión de risa y simpatía. Nacida en Aragua de Barcelona “la Atenas de Oriente”, siempre tuvo una chispa especial para percibir antes que nadie, las ideas, surgían y ya ella venía de regreso con alguna felíz ocurrencia. Asi es Yanina casada con Héctor de su mismo pueblo, quienes siguen siendo los reyes del llano y su recuerdo me transporta a orillas del río Arauca con arpa cuatro y maracas...

Después de ser representante estudiantil ante varios Consejos de la Facultad de Medicina llegaría Antonieta al postgrado de Anatomía Patológica y durante los tres años sería miembro del Consejo Técnico del Instituto brillando en la defensa de sus compañeros de curso. En la seguridad que estaba en lo correcto la opinión de Antonieta siempre tuvo mi decidido respaldo. Antonieta, inseparable amiga de su compañera y colega Margarita, fueron un ejemplo de amistad solidaria a toda prueba. Admiré el gran corazón de Antonieta quien ademas brillaría en su ejercicio profesional durante varios años al frente de un Servicio de Patología en un famoso hospital oncológico capitalino.

Así como existió aquel “dúo dinámico”, también AnaElia e Ivonne fueron inseparables y después de graduarse siguieron trabajando juntas. Excelentes profesionales, Ivonne y AnaElia, se asociarían al salir del postgrado, como lo harían también las doctoras Gracia (“sinceramente”) y su compañera Ivonne, quienes juntas instalarían también eficientes laboratorios de Patología en la capital…

Sigo pensando en duos con Benjamín, mi dermatólogo, pues había sido novio de Ángela desde niño y Ángela, una de nuestras más eficientes residentes, carita de muñeca y siempre muy aplicada, se iría a trabajar en un Oncológico, donde en una lucha mediada por interferón doblegaria al virus C de la hepatitis. Benjamín presidente de la Sociedad de Dermatología era un excelente músico quien nos acompañó en vida muchas veces con el cuatro y cantando en el IAP. Ángela brilla ahora en Chile donde como Gracia, y Adriana son talentosas patólogas criollas ejerciendo en la nación austral.

Carmen Cecilia siempre quiso tener obtener la máxima calificación en los muchos exámenes a los que sometíamos en el postgrado elevando el rating de calificaciones de su grupo en competencia con JuanCarlos, un chamo excelente quien también nos dejara hace ya varios años, a quien le sobrevive su hija, ahora también una joven patóloga. Carmen Cecilia es ahora nuestra neuropatóloga venezolana, discipula del queridísimo e incomparablae Jesus Enrique (Henry) Gonzalez. Sobre Teresa puedo asegurar que luché para que se quedara en el IAP al finalizar su postgrado, pero era tan dulcemente inteligente y eficiente que le temían otros de los “profesores”, por eso se marcharía a la Escuela Vargas desde donde sigue brillando!

Las historias de mis inolvidables doctoras, son muchas y ante el microscopio pude evaluar la sagacidad de sus mentes, la precisión de su memoria visual en el intrincado mundo microscópico y las vi tejer diagnósticos precisos, sorprendentemente acertados. Recuerdo la dedicación y el interés de Sindy con quien ganamos un premio Luis Razetti del Colegio de Médicos, la risa explosiva de Marilú, la religiosa constancia y seriedad de Crisaida, sin ser “regañona” como Luisita “naturalmente contestataria”a quien quise amansar y la acuciosidad de Irma que la llevaría a dedicarse a la citopatología, Irma era parte de una pléyade de doctoras venidas desde Valencia y sus inmediaciones quienes descollarían en el ejercicio de la especialidad.

Las valencianas dejaron indeleble huella en el IAP y aunque sé que se me escaparán muchos nombres, las ejemplifico con Milagro “la negra” y su compañera Manola, que durante muchos años fueron las reinas de la patología del Estado Carabobo. De Valencia y en la Chile actual,Verónica a quien con “los caramelos de cianuro” le pediamos que despertara al nacer el día, y La Nela, quien antes de tatuarse era La Catira Regional; tantas otras patólogas, ahora muy destacadas como Elsie y Janira, todas de la ciudad del lago de límpido azul, crearon un emporio de la patología femenina.

Laura, fue la primera mujer presidenta de la SVAP, y ella siempre será la patóloga de Maracay aunque panameña de nacimiento, Laura con su delgada y siempre elegante figuraha ha logrado cuanto se ha propuesto. Al iniciarse como presidente de la SVAP hizo publicar mi varias veces antes rechazado libro“Reflexiones de un anatomopatólogo” que bautizaría con el apoyo de la Universidad de Carabobo. Laura, salvó también a la SVAP con el respaldo de su presencia y su contribución instalando varias veces Jornadas de emergencia en sus predios aragüeños.

He mencionado dúos de doctoras quienes durante sus estudios de postgrado hicieron historia, y existieron también tríos. Hizo historia el de MariaElena, Mirian y MaríaTeresa (LaNena), jóvenes doctoras de esta tierra venezolana con sus variados ancestros; de MariaElena en tierras de Caripe, de LaNena las orillas del lago de Coquivacoa, y Mirian en del mero corazón del país, en San Sebastián de Los Reyes. Mirian Josefína, formó parte de quienes fueron como los 3 mosqueteros de Dumás, todas para una y una para todas. En lo personal Mirian fue muy especial para mi, pues atravesó el embarazo de su primer hijo varón en paralelo con la llegada de nuestro Pablo Antonio, el primogénito de Saudy. Al trio a menudo se le asociaba Kelly quien con una gracia irresistible, quien nos decía a sus maestros, los “insen”, abreviando con ello su calificación de “insensatos”.

Cuando la pandemia del SIDA, hubo tantas historias que mejor me refiero tan solo al interés por preservar la memoria escrita de aquellas difíciles y tan temidas autopsias. MariaEsther y Sindy, y Crisaida e Ivonne con otras muchas residentes hicieron el esfuerzo de reseñar en publicaciones sus observaciones. Virginia haría una crisis de hipertiroidismo durante su postgrado y Judith linda portuguesiña venida de la Escuela Vargas, con unos desmayos aparatosos asustaba a todos en el postgrado, no tanto como el emocional “vómito en escopetazo” de Paulina, y por las enfermedades de los hijos de las médico-residentes padecimos muchas veces pues siempre fueron una fuente de preocupaciones que viviríamos por muchos años...

Soraya era dulce como la miel de los cañaverales de la misma tierra de Cheo y de Yaneida, y muy amiga de ella siempre fue Cathy, la pequeña gran trabajadora pioneera de la inmunohistoquímica diagnóstica en el país y es imposible no recordarlas, pues serán tan inolvidables como “los chimentos” que el gran maestro JoséAngel les ofrecía a Vicky y a Mirian, “justo al lado” de su doctora en Cardio,

Había una doctora, ¡inolvidable! queridísima Lesbia, bella y muy competitiva, tan brava que sus compañeros la apodaban “crotálica”, fue una excelente estudiante y ahora brilla ejerciendo en el Ecuador, como Crisaida y Tibisay. Aunque nunca supimos ni el cómo ni el porqué Norma desapareció al terminar su postgrado, quien la conoció jamás pudo olvidar la belleza y la paz que irradiaba su presencia, y puedo asegurar que conocí a una doctora con pinta de niñita, quien era capaz de recitar decenas de poemas, Dilcia era, como Josefina, Samaris y Lila la famosa cardiopatóloga, todas bellas “guaras” representantes de la ciudad de los crepúsculos.

Me he extendido demasiado, y hasta aquí llegaré hoy, porque es preciso afirmar que si no hubiese sido por ellas y por muchas otras a quienes me es imposible nombrar por meras razones de espacio, el IAP de la UCV no hubiese sido el semillero de tantísimas excelentes especialistas que se formaron en el ejercicio de ésta difícil especialidad médica. Me felicito por haber tenido la suerte de conocerlas y haber pododo compartir unos años de sus vidas. Vayan estas palabras escritas, para darle las gracias a todas y cada una de mis queridas discípulas.

Maracaibo, domingo 19 de noviembre del año 2023

Escritor/Lector

Pudiéramos hoy conversar sobre La Chinita porque es 18 de noviembre y estamos en Maracaibo, pero voy a hablare sobre “el oficio literario”, partiendo de que exista un verdadero “oficio” en cada escribidor. Algo que es tan real como el “oficio” del lector. Esto es una verdadera dualidad, que nace de una compleja relación de complicidad, ese binomio escritor-lector, al cual Sergio Ramírez en su libro “MentirasVerdaderas”(Alfaguara 2000), señalaba como de “el engañador y el engañado”, que podría verse igualmente como el del “seductor y el seducido”.

El tema parte de un principio: ya no hay historias que contar con novedosos propósitos, ahora y desde hace unos cuantos años, el escritor no necesita de tramas inusuales, no tiene que mortificarse buscando novedades para entusiasmar a sus lectores, pues todos los relatos conllevan amor y odio, celos y venganza, ambición desmedida, la locura del poder y siempre al final, estará la muerte, mientras  pasan una y otra generación en medio de la inconmovible condición humana, que es fuente viva y generadora todos los relatos…    

Eduardo Liendo en el Departamento de Español y Portugués de la Universidad de Colorado en Boulder, Estados Unidos, en agosto de 1996, pronunciaría una charla titulada “Reflexiones en torno al oficio de escritor y la creación novelística” y esbozaría algunas de sus ideas ya antes publicadas en el libro Poética de la Novela de la editorial Memorias de Altagracia. Partiendo de sus sólidos principios, Liendo afirmaba que: “la primera cualidad indispensable para el escritor parece ser, o debe haber sido en una época de su vida, la de lector” y señalaba a continuación que “la escritura literaria, como el canto, se aprende al principio por imitación",

El escritor debe aprender a utilizar todos los recursos a su alcance para provocar en la mente del lector la sólida convicción de percibirse integrado a lo que está conociendo y va digiriendo a través de la lectura de un cuerpo narrativo que ha sido articulado por el escritor, hábil conocedor de los vericuetos de su trama y cuyas piezas, como las de un rompecabezas se las habrá ido ofreciendo cuidadosamente al lector quien maravillado va abriendo un cubo dentro de otro como quien va destapando matrioshkas rusas de sorprendentes tonalidades multicolores.

Hemos repetido la frase de que “Para poder escribir bien hay que leer bien” y cito nuevamente párrafos de mi novela Escribir en La Habana:“Leer siempre es difícil, es complejo, leer un libro es más complicado que leer un periódico... “Un libro puede leerse dos o más veces, la literatura es para releerla... “Lo que cada quien encuentre en los libros, depende más del lector que del autor, sobretodo del lector que sea capaz de releer”.

Todo cuento, tiene un comienzo, un meollo y un final y es mucho más breve que la novela. He comentado en otras ocasiones, que escribir un cuento brillantemente, es una verdadera proeza, y que la novela, es diferente, aunque ciertamente es uno de los géneros más sensibles y más complejos de la literatura. “Multiforme y proteica” decía Pio Baroja que era la novela (https://tinyurl.com/3dhypaha), señalando que “la novela lo abarca todo”. La novela es como la vida reinventada y puede parecerse a componer música, pues debe poseer una estructura precisa con cierto tono y un ritmo particular. El instrumento de cada obra, no es otro que el lenguaje.

En “Escribir en La Habana”, uno de los personajes, interesado en la literatura reflexionaría así: “Pienso que en el lenguaje que usa el escritor reside el éxito de su obra. No es solo el fondo del cuento, el secreto está en el tratamiento de excelencia que le dé a las letras, porque el tema, bueno ya probablemente todo está dicho”. Más adelante el mismo personaje, ella, dirá ...“Para escribir yo no quisiera plagiar la realidad, esa está en la prensa... Yo no escribiré para relatar mis vivencias, una debe escribir para inventar la vida”.  

Uno de los aspectos singulares de la escritura literaria como oficio, implica leer y releer lo escrito hasta lograr el tono y el ritmo adecuados a la acción. No creo que la creación literaria pueda ser vista como un proceso sencillo y ya en oportunidades previas, he citado a Gustave Flaubert quien en 1853 se refirió en varias cartas a escribir como un oficio. Él hablaba sobre la creación de su gran novela “Madame Bovary”, cuando en ella, según Flaubert,  para escribir tan solo treinta páginas de un episodio, se demoró más de tres meses para lograr, según sus propias palabras “tratar de trasladar los valores de una sinfonía a la literatura”.

En junio del 2019, hablamos en lapesteloca sobre Fernando Pessoa (Lisboa 1888-1935), el escritor más representativo de la poesía portuguesa del siglo XX, y también sobre Franz Kafka (Praga 1883-1924) el escritor checo en lengua alemana que renovaría la novelística europea en las primeras décadas del siglo XX. Para hablar de estos dos personajes de la literatura universal, me referí a un artículo de la escritora española de Galicia, Esther Domínguez Soto (1953) “Cuando nosotros somos la crisis. Kafka y Pessoa”, se titulaba el artículo publicado en “Letralia” en mayo del 2019 donde se establecía una interesante comparación entre ambos escritores.

“El checo Franz Kafka (1883-1924) y el portugués Fernando Pessoa (1888-1935), dos personas que vivieron vidas paralelas, inmersos en sus crisis personales y se definieron con adjetivos muy parecidos:solitario, fracasado, hipocondríaco o insociable y taciturno”. Ambos trashumantes en sus propias ciudades. Pessoa vivió en casas de familiares y en varios pisos alquilados, y Kafka residió en el hogar familiar, en las viviendas de sus hermanas, en pisos de alquiler y en una casita en el Callejón de los Alquimistas de Praga. Estos dos personajes de la literatura analizados en lapesteloca al analizar sus vidas, me ha regresado al tema de que al escribir, se es testigo de su tiempo, de su época, y aunque se refiera a otros tiempos, serán usualmente vivencias personales y las emociones subconscientes de los escritores las que llenen las cuartillas de cada uno y valgan para la creación literaria.

Por muy distópicos que sean (https://tinyurl.com/mr2j4y23) algunos libros en ocasiones de estirpe realmente postapocalíptica, sobre ellos, a mediados de este año 2023 elabore un listado de los 11 mejores “libros distópicos”, y sobre estas la creaciones literarias, siempre regresamos a los tópicos que mencionaba Sergio Ramírez en sus “Mentiras Verdaderas” todos los relatos conllevan de una u otra manera, el amor y el odio, los celos y la venganza, la ambición, la locura del poder y la muerte para establecer esa silente conexión entre el lector y el autor que escribió el cuento o la novela. 

Concluyo recordando nuevamente que hoy es el dia mas importante para la colectividad zuliana; dia de la Virgen de Chiquinquira, patrona del Zulia.

Maracaibo, sábado 18 de noviembre del año 2023

Yul Brynner

Yul Brynner es el actor “cabeza pelada” se dio a conocer haciendo de, el rey King Mongkut en Broadway y en la película (https://tinyurl.com/mnmnk92d )  “El Rey y yo” -The King and I-, pero gran parte de su historia personal se la inventó el mismo. Cinefilo al fin, nunca he olvidado su reiterativo etcetera, etcetera, etcetera...

Nació como Yuliy Borisovich Briner en Julio del año 1920, in Vladivostok, Rusia. Era hijo de Boris Yuliyevich, un ingeniero de minas con antepasados Suizo-germanos y rusos y su madre fue Marousia Dimitrievna, quien había estudiado para ser actriz y cantante. El ingeniero Boris en 1923 viajo a Moscú y conoció a Katya Kornukova en una función de teatro, se enamoró de ella y decidió quedarse en la capital dejando atrás en Vladivostok a su mujer con su hijo Yuliy y Vera la hermana mayor quien con los años se haría bien cantante y llegaría a presentarse en la Opera de Nueva York.

Cuando Yiliy tenía 12 años, con su madre y su hermana Vera se mudaron a Paris donde vivieron con una familia Romani. Yiliy aprendería francés y a tocar la guitarra; cantando en ruso trabajaría en algunos centros nocturnos parisinos. Su inquietud lo llevaría a ingresar en un circo iniciándose con trapecista y trabajaría durante cinco años hasta cesar su actividad tras sufrir accidentes y lesiones en su espalda.

Su madre se enfermó de leucemia y el joven Yiliy se hizo cargo de ella y se mudaron a China durante un par de años; su hermana Vera persiguiendo su carrera de cantante emigraría a los Estados Unidos y cuando en 1940 la salud de su madre mejoraba, ambos partieron también hacia Nueva York vía Japón y San Francisco. Brynner ingresando en los Estados Unidos hablaba ruso, chino y francés pero poco sabia del inglés que muy pronto absorbería, tanto como que ya en 1941 viviendo en Nueva York formaba parte del drama de Shakespeare Twelfth Night en Broadway.

Al comenzar la segunda guerra mundial, su conocimiento de los idiomas le asigno un cargo en la US Office of War Information y aprovecho para seguir mejorando su francés y con el actor ruso Micheal Chekhov aprendería las técnicas de Stanislavski en actuación "Method Acting" para aquellos días popularizado por artistas como Clint Eastwood, Jack Palace y Marilyn Monroe, pero en aquellos días de guerra no era facil trabajar como actor y posaria con poca ropa para fotógrafos de Harper's Bazaar y Vogue, fotos que en 1955, fueron usadas por el famoso sexólogo Dr. Alfred Kinsey.

En 1944 se casó con Virginia Gilmore, actriz de cine y de Broadway   el matrimonio duraría hasta 1960 cuando se separaron, pero en 1946 tuvieron su único hijo, Yul 'Rock' Brynner, cuyo nombre "Rock" se debía al legendario boxeador Rocky Graziano. Rock  Brynner es ahora historiador y publico un libro: "Yul: The Man Who Would Be King".

Brynner trabajaba para CBS como director en una serie: Studio One, entre 1948 y 1958, que tuvo 17 directores (incluyendo a Brynner) con 467 episodios. Brynner dirigiría otros TV shows como Starlight Theatre, Actor's Studio, Danger, and Sure As Fate.

El primer trabajo en cine para Yul Brynner se dio en 1949 en Port of New York, en un filme dirigido por Laszlo Benedek, una especie de pseudo-documental que lo condujo a interesarse de nuevo por la actuación. Entonces le ofrecerían el guion de una obra de Broadway de los compositores-músicos Rodgers y Hammerstein, el año 1951, para el papel del Rey Mongkut en The King and I. La suerte de esta circunstancia definiría su carrera profesional. 

Yul Brynner representaría ese papel 4.625 veces, en Broadway, y en reapariciones durante 1977, 1979, y el año 1985. Ganaría los Premios Tony a la mejor caracterización actoral en las producciones musicales de Broadway y Hollywood impresionado por su capacidad actoral le ofreció con la Twentieth Century Fox adaptar su papel en la pelicula The King and I . En 1956, Brynner se ganaría el premio de la Academia como mejor actor.

Brynner paso a ser una de las 10 personas afortunadas por ser ganadoras de ambos premios Tony y Oscar por el mismo papel - In 1972 he reprensetaria de nuevo su papel en Anna and The King, una versión de televisión para CBS con 13 episodios.

Poco despues de que Brynner tuviera tanto exito con El Rey y yo, Cecil B. de Mille  lo quiso ver como el Faraon Ramses II en su filme epico Los Diez Mandamientos  de 1956 y Brynner coprotagonizo con el Moises Charlton Heston lo que le valio como un gran impulso en su carrera actoral.

Después de su matrmonio con Virginia Gilmore y de su hijo “Yul Rock”, comenzó a hacer historia y una de sus conquistas fue la famosa Marlene Dietrich, 16 años mayor que Brynner quien tendria 5 hijos; tendría una hija (Lark Brynner) con Frankie Tilden; luego se caso con la modelo chilena Doris Kleiner-y tendrían a Victoria Brynner en 1962.

En 1960, Yul Brynner y Steve McQueen interpretaron The Magnificent Seven, un filme de vaqueros que recordaba la historia japonesa de 1954 Los 7 samurais. A pesar de estos exitos Brynner comenzo a tener problemas finacieros ya que en 1943 se habia nacionalizado norteamericano y el impuesto sobre la renta le obligaba a pagar una suma considerable y este emigro a Suiza renunciando a su ciudadania norteamericana.

En 1971 se casaría por tercera vez con la socialista francesa Jacqueline Simone Thion de la Chaume, en 1971 y en 1974 y 1975 ellos adoptarían a dos niñas vietnamitas Mia Brynner and Melody Brynner. En 1983 a la edad de 62 años, Yul Brynner se caso nuevamente con   Kathy Lee, una bailarina de Malasia de 26 años a quien conocía desde los tiempos de la filmación de El Rey y yo. A Yul Brynner se le hizo en 1963 el diagnostico de cáncer en las cuerdas vocales que al final resultaría sr une cáncer del pulmón y el actor fallecería a la de edad 65 años.

Maracaibo, viernes 17 de noviembre del año 2023