Las guerras de los judíos (1)

En el año 64 el emperador Nerón empezó a cantar en público en la ciudad de Neápolis, buscando con ello aumentar su popularidad. Tal vez pensaba que “el cantar tenía sentido”, y así cantó también en el Quinquenal Neronia en el año 65. El Senado, sus amigos y el pueblo (supuestamente) animaron a Nerón a cantar en público.

Nerón -a quien Peter Ustinov interpreto maravillosamente en el cine de Hollywood- participó en los Juegos Olímpicos del año 67 y en ese viaje también participó como actor y cantante y además, proclamó a los griegos exentos de pagar tributo. Como competidor olímpico, condujo un carro de diez caballos y casi muere al sufrir una caída, pero recibió la corona de ganador. Nerón había recuperado el control militar del Imperio, pero en junio del 68 (miles de años después en 1968 ganaria “el gocho” en este país)  el Senado votó que Galba fuera proclamado como emperador^]​ y declaró a Nerón, “enemigo público”.

Según Suetonio, Nerón huyó de Roma por la Vía Salaria y se preparó para suicidarse^]​ con ayuda de su secretario Epafrodito, quien lo apuñaló cuando un soldado romano se aproximaba. Según Dion Casio, las últimas palabras de Nerón fueron:¡Qué artista pierde el mundo! Por cierto, hay otro Epafrodito que no es el mismo secretario de Nerón y, fue un gentil convertido al cristianismo cuando Pablo de Tarso escribió a los filipenses para agradecerles su generosidad, lo llamó apropiadamente el “enviado y siervo personal de ustedes para mi necesidad”. (Filipenses 2:25.)y antes pagano, pasó a ser un fiel servidor de Cristo. Sin más digresiones, regreso a la muerte de Nerón (último emperador de la Dinastía Julio-Claudia) cuando el Imperio Romano  se sumió en una serie de guerras civiles en lo que se llamó El año de los cuatro emperadores.

Vamos ahora a lo que veníamos para informarles que en el año  69 d. C. se produjo la primera guerra civil en el Imperio romano  y en aquellos tiempos ya muy lejanos, gobernaron sucesivamente cuatro emperadores: Galba , Otón , Vitelio y Vespasiano .  Galba no tenía hijos y era anciano,  Otón asesinó a Galba el 15 de enero con la ayuda de la Guardia Pretoriana y se convirtió en emperador. Vitelio, que había sido aclamado por las legiones del Rin el 1 de enero de 69, ganó la Primera Batalla de Bedriacum el 14 de abril, pero Otón se quitó la vida al día siguiente, y Vitelio fue nombrado emperador por el Senado el 19 de abril. Cuando Vespasiano, llegado de Siria , recibió la lealtad de las legiones del Danubio  y  derrotaría a las legiones de Vitelio el 24 de octubre y  Vitelio fue asesinado por una turba el 20 de diciembre y se aseguró la posición de Vespasiano en Roma.  

Simplificando las cosas, tras la muerte del emperador Nerón el 9 de junio de 68, Vespasiano fue proclamado emperador por sus tropas el 21 de diciembre del año  69). En este punto, a Vespasiano le tocaría la responsabilidad de acabar con los judíos, (fue como el precursor del “estilo nazi”). Esta tarea la realizó tras sitiar y conquistar Jerusalén (el año 70). Lo cierto era que existía una revuelta del pueblo semita, por lo que Vespasiano y su hijo Tito destruyeron Jerusalén y capturaron a 97.000 de sus habitantes quienes acabaron sus días construyendo el Coliseo de Roma.

La barbarie que las legiones romanas demostraron en el año 70 contra los judíos sublevados en Jerusalén, asombró tanto al historiador Flavio Josefo , que este decidió dejar constancia de ella en sus escritos. «No tuvieron matanza más cruel los judíos entre todas cuantas padecieron como esta: porque en una noche abrieron las entrañas de 2.000 hombres». También añadió que los combatientes “dieron saco al templo” de la ciudad y “hurtaron muchas cosas” antes de prenderle fuego. Pero la tragedia quedó ensombrecida por la brutalidad que vendría después. Y es que, Tito Flavio Sabino Vespasiano uno de los dos hijos de Vespasiano-emperador, capturó a los supervivientes, trasladó a muchos hasta la capital y les obligó a levantar el Coliseo.

En total, se calcula que unos 12.000 esclavos participaron en la edificación del monumento más famoso de la ciudad y la barbarie no quedó en ese punto ya que, poco después de que se finalizara su construcción, muchos de los reos fueron arrojados a las fauces de las bestias de los juegos. Los historiadores judíos han definido este episodio como una humillación sin precedentes para un pueblo que, ya en el año 63 a.C. fue obligado a tributar a Roma como uno de sus estados vasallos. Juan Pedro Cavero Coll respaldó la teoría de que los emperadores abusaron de los semitas y tilda a estos últimos de “súbditos molestos del Imperio” en su obra «Breve historia de los judíos»

La llegada al poder de Vespasiano no le hizo olvidar la revuelta que le esperaba en Judea. Aunque, en este caso, prefirió darle espacio a su hijo Tito (https://surl.li/igsdcu) a acabar de una vez por todas con los rebeldes. El flamante militar hizo llamar a los hombres de la XII Fulminata en un intento de que borraran el agravio hecho contra su águila. En este caso, sin embargo, no hubo pasos previos y el general plantó a sus tropas en las mismas puertas de Jerusalén. «Estaba terminando abril cuando Tito llegó a Jerusalén con la V Macedónica , la XII Fulminata y la XV Apollinaris , que de inmediato emprendieron la construcción de un vasto campamento al oeste de la ciudad. Al día siguiente, la legión X Fretensis llegó desde Jericó y comenzó a establecer su campamento en el Monte de los Olivos», añade Cavero Coll..

El sitio se extendió hasta mayo, cuando el general se armó de valor y comenzó el ataque como tal. Durante el mismo, las catapultas y los escorpiones de la X legión se destacaron por su brutalidad. Sus armas de asedio dispararon sin descanso descargas de dardos y piedras de hasta 45 kilogramos de peso. Todo ello, contra una ciudad en la que residían, aproximadamente, un millón de judíos. Tres meses e incontables combates después, los legionarios lograron al fin acceder al corazón de Jerusalén e iniciaron una destrucción que todavía se recuerda a día de hoy. El cronista Flavio Josefo (un antiguo general judío que se había cambiado de bando) dejó constancia de esta barbarie en su obra « La guerra de los judíos »:

Al acceder a la ciudad, Tito se vanaglorió de que un poder divino había permitido a Roma vencer aquella resistencia. «Hemos luchado con la ayuda de Dios y es Dios el que ha expulsado a los judíos de estas fortalezas», afirmó. Poco después, el templo de Jerusalén comenzó a arder. Los historiadores coinciden en que fue provocado por las legiones romanas. Sin embargo, Josefo sostuvo después que, aunque había sido un soldado el que había extendido las llamas, el general había ordenado expresamente que no se atacara este edificio.

En todo caso, el saqueo se generalizó entre los legionarios romanos y cuando Tito regresó un año después a la ciudad para saber en qué punto se encontraban las labores de reconstrucción (pues había sido derruida hasta los cimientos) se encontró con una curiosa estampa: vio como los hombres de la X Fretensis (que habían recibido la orden de quedarse en la urbe para asegurar que no se sucedía una nueva revuelta) excavaban entre las ruinas con sus propias manos para desenterrar las riquezas escondidas bajo los escombros de las viviendas.

NOTA: esta historia continua y finalizará mañana                  …

Maracaibo, para la pesteloca, el jueves 26 de febrero del año 2026

El expresionismo alemán en el cine

Con la Primera Guerra Mundial comenzó el derrumbe de la civilización occidental del siglo XIX; una civilización capitalista, liberal y burguesa, con adelantos alcanzados en ciencia, conocimiento y educación, avanzadas de progreso material y moral. El expresionismo es una corriente artística que apareció en los últimos años del siglo XIX y los primeros del siglo XX.

 

La apertura violenta del nuevo siglo, devino en el comienzo de la crisis que originó el expresionismo y este aparece como un movimiento de vanguardia. Su nacimiento se da al finalizar la Primera Guerra Mundial y quedar Alemania en un estado de incertidumbre política y moral, agravado por una fuerte recesión económica. En aquel contexto de negatividad, surge el expresionismo que llegó a dominar las artes plásticas, la música y la literatura y estuvo también presente en la mayoría de las producciones cinematográficas alemanas de esa época.

 

Cine expresionista alemán. Este será el nombre otorgado a algunas producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Un estilo de hacer cine, que tenía su correspondencia con la corriente expresionista, llamada así por contraste con la corriente pictórica impresionista del siglo XIX. La nueva pintura, recurría a colores hirientes, a ritmos lineales densos y fuertes y termino echando raíces fundamentalmente en Alemania. Al cine, el expresionismo llegará, de forma tardía, pero se da como consecuencia de las medidas de organización adoptadas por las autoridades alemanas. El pueblo alemán entendió que existían filmes antigermanos en los países extranjeros, y reconocieron la insuficiencia de producción local, por lo que comenzaron a producir gran cantidad de películas de inferior calidad, en relación a otros países. 

 

Conscientes de esta peligrosa situación, el gobierno fundó en 1916, la Deulig (Deutsehe Liehtspiel Gesellsehaft), una compañía cinematográfica dedicada a la publicidad del país, en el extranjero y en la propia Alemania. En 1917, le siguió Bufa (Bild- und Filmamt); organismo gubernamental que abastecía a las tropas, en los frentes de batalla, con salas de proyección, con los documentales que registraban las actividades militares. Así sucedió que el número de compañías, de 28 en 1913 llegó a 245 en 1919, años en los que se consolidó una potente industria. El cometido oficial de la Bufa era hacer propaganda en favor de Alemania, de acuerdo con las directrices gubernamentales. 

 

Tras la entrada de Estados Unidos en la guerra, las películas norteamericanas se expandieron por todo el mundo, inculcando con fuerza el odio a Alemania. Los dirigentes alemanes llegaron a la conclusión que sólo una enorme organización podría contraatacar esa campaña, y el gerenal Ludendorff tomó la iniciativa recomendando la unión de las principales compañías cinematográficas para canalizar fuerzas en pro del interés nacional. Una resolución del Alto Mando Alemán de noviembre de 1917, en contacto con financieros, industriales y armadores, la Messter Film, la Union de Davidson y compañías controladas por la Nordisk se fundieron en una nueva empresa: Ufa (Universum Film A. G.), cuyo cometido oficial era hacer propaganda en favor de Alemania, de acuerdo con las directrices gubernamentales. 

 

Cineastas alemanes como Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene y Friedrich Murnau, formaron parte del movimiento expresionista que guardaba gran relación en estética y temática con la obra gráfica y pictórica propuesta por sus fundadores antes y después de la guerra. El cine de posguerra pareció insistir en acentuar su carácter enigmático, macabro, siniestro y mórbido. La anormalidad escenográfica de este cine, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, con una función meramente dramática y psicológica, es parte clásica del expresionismo del cine germano.

Uno de los films precursores fue El gabinete del doctor Caligari, película inspirada en una serie de crímenes que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania. Narraba los estremecedores crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. Robert Wiene, añadirá dos nuevas escenas al guion, al principio y al final, y lo convertirá en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla, al terrible doctor Caligari. Mostrado en este blog(lapesteloca) en abril del 2024 (https://surl.li/cvgxoe ).

 

El gabinete del doctor Caligari será, junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Wiene quien dirigirá varias obras más en años sucesivos, jamás conseguirá alcanzar el éxito ni la calidad artística de Caligari. Con la llegada de los nazis al poder, decidiría exiliarse y falleció en París en 1938. 

 

Murnau empezó su carrera en Alemania en 1919 con El muchacho en azul, y rodó 3 filmes con el mismo director de fotografía (Karl Hoffmann, llamado el Mago),​ adicionalmente rodaría otros 4 filmes. Con El castillo Vogelöd, de 1921, filmado en dieciséis días, Murnau evidenció su talento para crear una atmósfera angustiosa. Esta habilidad, más refinada, le condujo en 1922, a su película más famosa, Nosferatu. Eine Symphonie des Grauens, una adaptación peculiar de la célebre novela Drácula de Bram Stoker. La viuda de Stoker demandaría a Murnau por sus derechos de autor y al perder el pleito, Murnau fue condenado a destruir todas las copias. Afortunadamente algunas se conservaron, lo que permitió que en la actualidad Nosferatu esté perfectamente disponible para el público. Nosferatu, eine Symphonie des Grauens representaba la desmoralizadora derrotada de Alemania tras la Primera Guera Mundial, haciendo parecer al vampiro ( MaxSchreck) como una rata que sabía dónde conducir la plaga. 

La Kammerspielfilm abandonará definitivamente los temas fantásticos y los decorados expresionistas, para buscar una aproximación al drama cotidiano, y adquirirá aquí un carácter claustrofóbico. Murnau, de quien ya hablamos a propósito de Nosferatu, y el austriaco Fritz Lang, son maestros de la escuela expresionista. La película más antigua de Lang es Die Spinnen de 1919, pero alcanzará el éxito con  Der müde Tod (1921) (La muerte cansada o Las tres luces), donde narra la lucha entre el amor y la muerte. Los nibelungos, resultará una  exaltación aria, con los hunos presentados como raza inferior, que será premonitoria de los tiempos que en pocos años llegarán, y con Metrópolis, 1927, Lang logrará imágenes que pasarán a la historia del cine al mostrar el opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, la inundación, y el pánico en la ciudad, donde Metrópolis representará el apogeo del expresionismo de orden arquitectónico, como Caligari lo fue en el pictórico. 

Maracaibo, miércoles 25 de febrero del año 2026

Monsieur Verdoux y Candilejas

La dramática situación, que llevó a que Charles Chaplin se refugiara en Europa, le motivó a realizar la película Candilejas en 1952. Con marcados tintes autobiográficos, mucho simbolismo, un guion perfectamente redactado y una magistral banda sonora original, "Candilejas" destaca por la mezcla entre comedia y drama que existe a lo largo de este film que fue, la última película que produjo Chaplin en Estados Unidos.

 

Se ha señalado que por su sensibilidad y originalidad, esa fue su mejor película, la cual hasta el día de hoy, es uno de sus filmes menos conocidos, ya que sufriría las consecuencias de la censura impuesta en los Estados Unidos por su anterior trabajo, Monsieur Verdoux…. Una película de comedia negra de 1947 dirigida y protagonizada por Charles Chaplin, que interpreta a un bígamo asesino de mujeres inspirado en el real y verdadero Henri Landru. 

La película protagonizada y dirigida por Chaplin. Monsieur Verdoux  había nacido como una película de comedia negra el año 1947 donde un bígamo asesino de mujeres como fuera en realidad  Henri Désiré Landru un asesino en serie.. Había sido el primer largometraje en el que el personaje de Chaplin no era su famoso personaje Charlot, lo que evidentemente cuando se estrenó, fue muy mal recibido en los Estados Unidos. Se dijo que la película y sus oscuros temas eran inadecuados para el clima político y cultural estadounidense de la época.

 

Además, la propia popularidad de Chaplin y su imagen pública habían sido ya antes de su estreno irrevocablemente dañadas por múltiples escándalos y controversias políticas, y Chaplin mientras promocionaba el estreno de la película fue sometido a un tratamiento hostil por parte de la prensa. No tardaron en producirse algunos boicots, y sin embargo, la película fue nominada para el Óscar al mejor guion original de 1947. ​ 

 

Candilejas destaca por poseer a lo largo del film una mezcla entre comedia y drama.  Ya de por sí, el título, rescata los orígenes artísticos de Chaplin en el teatro, a finales del siglo XIX. La relación entre Calvero y Thereza es una clara referencia al amor entre Chaplin y Oona O'Neill, que escandalizó a la sociedad por sus casi cuatro décadas. El filme, situado en Londres, en 1914, refleja igualmente la añoranza de Chaplin por su ciudad natal, justo antes de abandonarla en la Primera Guerra Mundial.

 

Esta película podría considerarse una despedida de dos grandes genios del cine mudo, Charles Chaplin y Buster Keaton, dioses del pasado que cederían resignados el relevo a las nuevas generaciones. El tinte autobiográfico, se puede ver reflejado magistralmente en la escena donde Thereza es contratada como prima ballerina y Calvero queda solo en un escenario en el que se apagan una a una las luces, después de haber sido aceptado como de payaso de comparsa con un nombre falso. 

 

La trama de la película se sitúa en Londres durante la Primera Guerra Mundial. Un veterano cómico, llamado Calvero (Charles Chaplin), alcohólico en plena decadencia ya, acoge en su casa a una joven atormentada a la que salva cuando esta, intoxicada con gas se va a suicidar. Tras el accidente, la muchacha sufre un trastorno psicológico que la hace creer que está paralítica. El cómico intentará que la joven Thereza vuelva a caminar y recupere su afición por la danza. Juntos consiguen que unos pocos años después, ella triunfe en el ballet. Thereza profesa un gran amor por Calvero, pero él la rechazará consciente de que una mujer tan joven no puede estar con alguien como él. Calvero siente que su tiempo ya ha pasado, como queda patente al ser rechazado por el público en su regreso a los escenarios. Esta situación se agravará con la llegada del Capitán Neville, el joven pretendiente de Thereza interpretada por  Claire Bloom (1931).

 

La actriz inglesa, Claire Bloom debutó en el cine con Candilejas, y actuaría en numerosos films, algunos muy conocidos como Richard III(1955), Alexander the Great (1956), Los hermanos Karamazov (1957), The Spy Who Came in from the Cold (1965), The Lady and the Highwayman (1988), y muchos más, hasta The King's Speech (2010). 

La banda sonora de la película Candilejas, fue compuesta por el propio Chaplin y arreglada por Ray Rasch y Larry Russell, y también ha sido considerada entre las mejores partituras de la historia del cine. En 1973, veintiún años después, Chaplin recibió su único Oscar competitivo a los 83 años de edad por esta magistral melodía. Roberto Carlos y luego Julio Iglesias la popularizaron la música de Candilejas en español.

 

La letra de la canción traducida al español dice: “Tú llegaste a mí, cuando me voy, eres luz de abril, yo tarde gris. Eres juventud, amor, calor, fulgor de sol, trajiste a mí, tu juventud, cuando me voy. Entre Candilejas, te adoré entre Candilejas, yo te amé. La felicidad que diste a mí vivir, se fue, no volverá, nunca jamás, lo sé muy bien”.

 

Nota: Este artículo se escribió en Mississauga, Ontario, y estuvo en este Blog el 27 de marzo del año 2019

Maracaibo, martes 24 de febrero del año 2026

Las letras eternas…

 

No es literatura, en esta ocasión me referiré a la letra de algunas canciones, todas creadas por la misma persona, Agustín Lara, uno de los compositores mexicanos más prolíficos, quien le dio forma a la historia de la música mexicana del siglo XX. Con alrededor de 700 canciones a su nombre, el cantante marcó toda una era.

En 1930 inició Agustín Lara su exitosa carrera en la radio, desde donde conquistó los corazones de todo un país –y más allá– con sus entrañables piezas. Además, participó en el cine, acompañando incluso n 1932 el primer largometraje sonoro del país en la película Santa. Agustín Lara se encargó de musicalizar el filme en 1932 y representó el primer largometraje con sonido completamente sincronizado producido en México de la mano del director musical Miguel Lerdo de Tejada.

Fue conocido como, “El flaco de oro” y su legado ha sido preservado por muchas generaciones, quienes recuerdan el romanticismo de sus letras y la sensibilidad de sus melodías. Sus intérpretes han sido desde Pedro Infante y Javier Solís hasta Miguel Bosé y Natalia Lafourcade. Este breve paseo por “las letras eternas” mencionaremos  canciones que fueron claves en la carrera de Agustín Lara.

“María Bonita”: María Félix y Agustín Lara estuvieron casados de 1945 a 1947. La icónica actriz había admirado al músico desde su adolescencia. Lara le compuso múltiples canciones, siendo una de las más populares es, “María Bonita” una pieza compuesta en su luna de miel en Acapulco, con una letra inolvidable que comienza diciendo… Acuérdate de Acapulco de aquellas noches María bonita, María del alma…Acuérdate que en la playa con tus manitas las estrellitas las enjuagabas…

“Granada”: Agustín Lara en 1932 decidiría escribir una oda a una ciudad del sur de España, la que Lara no conocía personalmente y que visitaría por primera vez en 1954, 22 años después de la composición. “Granada”, se convertiría en una de sus piezas más populares. Ha sido grabada en inglés, italiano, francés, hebreo, ruso y maorí. Se dice que fue escrita para Pedro Vargas, pero ha sido  grabada por muchísimos cantantes desde Juan Arvizu (1932), Javier Solis(1963), Frank Sinatra(1966), Plácido Domingo (1991), Andrea Bocelli(2008) y muchos más… El tenor venezolano Alfredo Sadel la interpreto en la TV NBC en New York, en 1954.

“Solamente una vez” es en bolero, una de las canciones de Agustín Lara con más versiones e intérpretes de la historia de México. Su autor se la dedicó al cantante José Mojica al saber que dejaría la música para dedicarse a la iglesia. Asi lo contó fray José en 1969 a Pedro Vargas en Lima. “Solamente una vez”, fue la última canción que cantó JoséMojica, antes de retirarse y convertirse en fraile. La canción la estrenó la cantante mexicana Ana María González en Argentina en 1941, y la canción generó la película "Melodías de América" (1942). El tema incluso apareció en la cinta Los tres caballeros de Disney en 1944,

 “Veracruz”. Aunque no se sabe con certeza el lugar y la fecha de nacimiento de Agustín Lara, él señalaba ser originario de Tlacotalpan, Veracruz, donde pasó una buena parte de su infancia. En su canción Veracruz, Lara celebra el lugar donde creció, expresando su deseo por volver. “Yo nací­ con la luna de plata, nací­ con alma de pirata, he nacido rumbero y jarocho, trovador de veras, y me fui lejos de Veracruz…  Veracruz, rinconcito donde hacen su nido las olas del mar,  Veracruz, rinconcito de patria que sabe sufrir y cantar.  Veracruz, son tus noches diluvio de estrellas, palmera y mujer,  Veracruz, vibra en mi ser, algún dí­a hasta tus playas lejanas tendré que volver”.

“Piensa en mí”: Uno de los boleros más importantes en la carrera de Agustín Lara fue “Piensa en mí”, compuesto en 1935 junto a su hermana María Teresa. Agustín Lara escribió "Piensa en mí" en 1935, un tema cuya letra suscita diversas emociones evocadoras de recuerdos que dejan entrever los sentimientos de un corazón roto o dan ganas de romper en llanto; amores fallidos, soledad eterna, un alma torturada…y más. La esencia lírica de la melodía ha dejado una huella imborrable a través de los años, como una canción de desamor, o bien, a manera de despedida fúnebre. "Piensa en mí" ha pasado por otras voces que la han reinventado, que la han dotado de nuevos significados; la cantante española Luz Casal reinterpretó "Piensa en mi" bajo una tesitura vocal con la que evoca la soledad y el sufrimiento que queda cuando el amor se fue. La versión guarda similitudes con la melodía original y su interpretación formó parte dela banda sonora de la película Tacones lejanos (1991) de Pedro Almodóvar.

En este listado de no podía quedar fuera la talentosa Natalia Lafourcade quien hizo lo propio junto a Vicentico en el álbum Mujer divina, homenaje a Agustín Lara, del año 2012. En dicho material Lafourcade colaboró Miguel Bosé, Kevin Johansen, Adrián Dargelos, Gilberto Gil, Jorge Dexler, entre otros. No obstante, en la versión de "Piensa en mí" Natalia Lafourcade nos lleva en un viaje por texturas vocales y remembrazas líricas que nos recuerda la magnificencia artística de Agustin Lara como compositor.

Maracaibo, lunes 23 de febrero de 2026

 

Los leprosos de Franco

Aunque La lepra no cesa de existir en el mundo, es necesario recordar que esta “enfermedad bíblica” es un mal que, como la mayoría, se esparce mejor entre la miseria, el hambre, y la ausencia de condiciones higiénicas, pero, realmente la lepra es una enfermedad curable y poco contagiosa, pese a que muchos piensen lo contrario. La clave es el diagnóstico temprano. Sobre este tema hemos hablado varias veces en este blog (lapesteloca) y una de mis novelas que están en Amazon se titula  “El año de la lepra”

Los Historiadores han documentado atrocidades cometidas por las autoridades franquistas en la leprosería de Mikomeseng, en la Guinea Española. El historiador británico David Brydan se encontraba buscando información en el Archivo General de la Administración en Alcalá de Henares cuando se topó con una misteriosa carpeta que contenía un polvoriento documento donde se describía la Leprosería de Mikomeseng,

En 1946 las autoridades franquistas metieron a los 4.000 enfermos de lepra de la Guinea Española, dentro de un insólito recinto vigilado por guardias armados. La investigación le llevo a revisar el documental del NO-DO de la época donde se revelan imágenes del lugar. Los leprosos aparecen tocando el tambor con sus manos sin dedos. La narración característica de los noticiarios franquistas proclama: “Estos son los enfermos, ¡y a fe que no parecen demasiado abatidos!”.

Las cámaras muestran a miles de pacientes haciendo cola para recibir sus medicinas, mientras el narrador celebraba diciendo: “Hoy la lepra se cura. ¡Y alegraos también de que España pueda presentar ante el comicio de las naciones la obra que está llevando a cabo en su africana colonia de Guinea!”,

Sin embargo, la carpeta hallada por David Brydan desenterraría otra versión de los hechos. “Es una investigación judicial realizada tras una rebelión en la leprosería”, explica el historiador, del King's College de Londres. El 18 de febrero de 1946, los leprosos se alzaron. “La actitud de los enfermos, sin exceptuar ni edad ni sexo, era violentísima”, aseguraba el administrador territorial de Mikomeseng y en el informe se acusaba directamente a cinco hombres y a una mujer —J. Nguema, M. Sanga, M. Ndongo, L. Edu, P. Mba y J. Mangue— de ser “los promotores en el interior del recinto de la leprosería del levantamiento general de los demás enfermos”.

“Mikomeseng era casi un campo de concentración, un sitio donde había represión y donde los niños eran arrancados de sus madres, donde la dictadura franquista utilizaba la leprosería para hacer propaganda del régimen”, explica Brydan, que en septiembre publicaría  un libro (Franco's Internationalists, Oxford University Press) sobre este en un intento de las autoridades españolas  para legitimarse internacionalmente a través de su supuesta obra social.

Ante los inspectores, el director de la leprosería, Víctor Martínez Domínguez, minimizaba la revuelta en sus dominios. “El sentirse rechazado por la sociedad imprime en el carácter del leproso un sello especial de irritabilidad que es clásico en todas las leproserías del mundo”, argumentaba. Pero la investigación incluye testimonios espeluznantes.

 El practicante José Luis Martínez Díaz, un madrileño de 29 años, describía la rebelión…“Con los rebeldes detenidos se cometían “actos de verdadera barbarie en los que, amenazados pistola en mano, eran apaleados hasta quedar casi sin respiración”, donde un acto de simple y leve protesta que, con toda razón, hicieron unos desgraciados enfermos abandonados y destinados a morir a los que solo se les ha dado hasta ahora hambre, trabajo y “melongo”,  una palmera local y sus varas servían para dar unos latigazos que en la colonia tenían un nombre: “Melongazos”. Martínez Díaz denunciaba que El practicante español declaraba haber enterrado a varios leprosos “muertos de hambre y abandono a consecuencia de no poder andar por falta de sus extremidades”.

La gallega Benita Sampedro, especialista en estudios coloniales de la Universidad de Hofstra en Nueva York, ha visitado Mikomeseng en varias ocasiones. “He conocido a señoras que estuvieron allí de niñas y lo recuerdan como un lugar de terror”, explica. “La leprosería de Mikomeseng era una especie de cárcel amurallada. Las autoridades iban por los pueblos y se llevaban a los enfermos a la fuerza. La medicación en la década de 1940 era totalmente ineficiente y muy cruel, y a las personas con lepra les quitaban a sus hijos”,

El NO-DO franquista que se proyectaba en los cines españoles pregonaba que los enfermos de Mikomeseng gozaban de “entera libertad”, pero era mentira, según lamenta Sampedro. En un ensayo publicado en 2016, la profesora  Benita Sampedro, describía la leprosería como “un miniestado semiindependiente, autocontrolado y totalitario, con su propia moneda de metal” para evitar contagios.

Sus investigaciones construyen un relato de enfermos de lepra, con úlceras, muñones y los rostros deformados, tratando de escapar a la luz de la Luna de las gruesas murallas patrulladas por la guardia colonial franquista. “Había mucha resistencia femenina. Las mujeres embarazadas intentaban fugarse porque sabían que les quitarían a sus hijos”, dice Sampedro.

El informe de 1946 rescatado por David Brydan incluye multitud de testimonios del horror en Mikomeseng, pero los ignora. “No se ha comprobado ninguno [de los hechos denunciados]”, concluían las autoridades. La última vez que Sampedro estuvo en la antigua fortaleza colonial, en 2013, la leprosería seguía en funcionamiento, con 18 enfermos a cargo de una monja concepcionista de Vigo.

Lo cierto es que para la dictadura franquista, Mikomeseng fue mucho más que una leprosería escondida en el corazón del África ecuatorial. “Se utilizó como una herramienta de legitimación del régimen”, subraya Carlos Tabernero, historiador de la ciencia en la Universidad Autónoma de Barcelona. “El NO-DO mostraba en Mikomeseng era una ciudad independiente y autárquica, controlada por el ejército y la iglesia, como la propia España. No era casualidad. Todo era felicidad pura", apunta el profesor.

El historiador Francisco Javier Martínez, de la Universidad de Évora (Portugal), también ha investigado los documentales médicos franquistas filmados en la colonia española: Los enfermos de Mikomeseng (1946) y Misión sanitaria en Guinea (1953), ambos dirigidos por el cineasta Manuel Hernández Sanjuán. “El equipo cinematográfico contaba con un presupuesto astronómico. Era una iniciativa 100% oficial. Y por eso los documentales reflejaban fielmente la ideología franquista".

De la lepra sabemos “poco y mal”. Es la opinión de José Ramón Gómez, un médico que conoce mucho y bien esta enfermedad olvidada y estigmatizada de la que apenas queda un ligero recuerdo en los países ricos. Un dato de la Organización Mundial de la Salud (OMS) indica que 214.000 personas se infectaron en 2014. En 2026, el Día Mundial de la Lepra se celebró el domingo 25 de enero, pero… ¡La lepra aún existe! Alrededor de 200.000 personas son diagnosticadas con lepra cada año y muchos millones viven con discapacidades relacionadas con la lepra, especialmente en Asia, África y Sudamérica.

Maracaibo, el domingo 22 de febrero de 2026