De la biología evolutiva

Por un estudio recién aparecido en Nature, hoy sabemos que la vida compleja se desarrolló mil millones de años antes de lo que se creía. Este nuevo estudio genético señala que las primeras células complejas surgieron en un mundo en el que aún no existía el suficiente oxígeno, de manera que Nature acaba de poner en entredicho algunos de los dogmas más arraigados de la biología evolutiva.

Hasta hace bien poco, la ciencia estaba convencida de que la aparición de los organismos complejos, que con el tiempo dieron lugar a los animales y, finalmente, a nosotros, sucedió hace relativamente poco tiempo, hace la bicoca de unos 630 millones de años, en un repentino “estallido de creatividad biológica”. Pero este nuevo estudio, liderado por la Universidad de Bristol, nos obliga a reconsiderar una buena parte de esa historia.

Al parecer, el camino hacia la complejidad no fue una especie de carrera apurada (esmollejaitos diríamos por acá), la carrera era como si la naturaleza pareciera estar apurada, pero era más bien, un maratón lento, tortuoso y, sobre todo, muy reteque-antiguo. La 'maquinaria' de la vida compleja, en realidad comenzó a desarrollarse casi mil millones de años antes de lo que creíamos, y lo hizo además en unas condiciones que hasta ahora considerábamos imposibles: y es que era aquel, un mundo asfixiante y carente de oxígeno.

Sabemos que en nuestro planeta existen dos clases distintas de vida. Por un lado, están los procariotas: organismos unicelulares sencillos, como las bacterias y las arqueas, que se distinguen por una característica crucial: no tienen divisiones internas. Su material genético, en efecto, está disperso por todo su interior, sin estructuras diferenciadas. Sería como un estudio de una sola habitación: pequeño, eficiente, pero muy simple. Los procariotas fueron los primeros en llegar, y han estado aquí desde el principio. Se calcula que aparecieron hace más de 4.000 millones de años.

Por otro lado, están, estamos, los eucariotas. Este grupo, que apareció en la Tierra hace entre 1.500 y 2.000 millones de años, incluye a las algas, los hongos, las plantas y, por supuesto, a todos los animales, nosotros entre ellos. Las células eucariotas son inmensamente más sofisticadas y si dijimos que comparativamente las procariotas eran “un estudio”, las células eucariotas son mansiones: con habitaciones especializadas (organelas), un centro de mando blindado donde se guarda el ADN (el núcleo) y unas centrales energéticas propias (las mitocondrias). Sin ellas, la vida compleja ( de animales y plantas) nunca habría podido desarrollarse.

Todo este está claro. Sí, pero… ¿Cómo y cuándo una simple bacteria dio el 'salto' para convertirse en una célula eucariota mucho más complicada? La teoría clásica nos decía que esto ocurrió hace 'poco' tiempo (en términos geológicos) y que previamente fue necesario que la atmósfera se llenara de oxígeno para suministrar la energía necesaria para ese cambio. Pero los investigadores de Bristol, junto con sus colaboradores de la Universidad de Bath y los del Instituto de Okinawa (OIST), han descubierto que esa idea estaba equivocada. ¿Como? Para averiguarlo, recurrieron a una técnica conocida como 'relojes moleculares', analizando cientos de familias de genes para rastrear su historia hacia atrás en el tiempo, como quien sigue las migas de pan en un bosque para encontrar el origen del camino. Así, al estilo “Pulgarcito”, el del cuento infantil, al combinar estos datos genéticos con el registro fósil, el equipo creó un árbol de la vida con una resolución temporal sin precedentes.

La principal conclusión del estudio es una auténtica revolución: la transición hacia la vida compleja comenzó hace 2.900 millones de años. Es decir, más de mil millones de años antes de lo que se suponía. Pero lo más sorprendente no es solo ese resultado, sino el orden de los factores. Hasta ahora se daba por hecho que la célula primitiva primero adquirió la mitocondria (la central energética que usa oxígeno) y que, gracias a ese golpe biológico de energía, pudo desarrollar después su complejidad (el núcleo, el esqueleto celular, y etc, etc...). Eta es la llamada “hipótesis de la mitocondria primero”.

Pero los datos del equipo de Bristol dibujan un escenario totalmente nuevo que los investigadores han bautizado como CALM (Complex Archaeon, Late Mitochondrion, o Arquea Compleja, Mitocondria Tardía). Según este modelo, nuestros ancestros microscópicos ya habían empezado a construir estructuras complejas, esqueletos internos y sistemas de transporte de membranas mucho antes de que llegaran las mitocondrias. Es decir, que la vida no esperó a tener la 'central eléctrica' instalada para empezar a ampliar la casa. La complejidad estructural precedió a la complejidad energética

Estos hallazgos tienen grandes implicaciones que sacuden los cimientos mismos de la geoquímica. Porque si estos primeros pasos hacia la complejidad ocurrieron hace casi 3.000 millones de años, significa que tuvieron lugar en unos océanos anóxicos, totalmente desprovistos de oxígeno. «El ancestro de los eucariotas -explica Philip Donoghue, paleobiólogo de la Universidad de Bristol y coautor del estudio- comenzó a desarrollar características complejas aproximadamente mil millones de años antes de que el oxígeno fuera abundante».  O sea, que las mitocondrias, que son las que nos permiten respirar oxígeno hoy, llegaron mucho más tarde, y curiosamente coincidieron con el momento en que los niveles de este gas empezaron a subir en la atmósfera.

Esto cambiará también la forma en que buscamos vida en otros planetas. Porque si resulta que la complejidad puede surgir en mundos sin oxígeno, el abanico de lugares donde podríamos encontrar 'vida avanzada' se amplía considerablemente. Hasta la publicación de este estudio, la cronología aceptada era bastante conservadora. Se asumía que las bacterias dominaron en solitario durante 3.000 millones de años y que solo hace unos 635 millones de años, tras un aumento global del oxígeno, la vida compleja despegó definitivamente.

Sin embargo, a pesar de la novedad que supone el estudio de Nature, ya teníamos algunas pistas previas de que algo no encajaba. Y es que, como ya lo publicó ABC, existen antecedentes intrigantes, como los descubiertos en Julio de 2024 en la cuenca de Franceville, en Gabón. Allí, un equipo dirigido por Ernest Chi Fru, de la Universidad de Cardiff, encontró fósiles de organismos supuestamente complejos de hace 2.100 millones de años. Aquel hallazgo, considerado como “un 'experimento fallido' de la naturaleza”, sugería que la vida intentó dar el 'salto' a la complejidad mucho antes, aprovechando un pico temporal de oxígeno provocado por volcanes submarinos y cianobacterias, pero que 'dio marcha atrás' y se extinguió cuando las condiciones empeoraron.

El nuevo estudio genético no contradice necesariamente la existencia de experimentos fallidos como el de Gabón, nos dice, en efecto, que la maquinaria genética para la complejidad no surgió de la nada, ni en Gabón hace 2.100 millones de años ni tampoco hace 600, porque los “ladrillos' genéticos” para construir células complejas se estaban cocinando lentamente desde desde hace 2.900 millones de año. Lo que Chi Fru llamó en su día un 'primer intento que no logró prosperar', podría ser en realidad una de las primeras manifestaciones físicas visibles de ese largo proceso genético invisible que acaba de desvelar la Universidad de Bristol. La vida, sencillamente, estaba ensayando.

Pero si la maquinaria comenzó a funcionar hace 2.900 millones de años, ¿por qué tardamos tanto en ver animales grandes y plantas? Gergely Szöllősi, otro de los autores del estudio, lo resume con el concepto de 'complejificación acumulativa'. En otras palabras, no se puede construir un rascacielos en un día. La evolución de la vida es compleja, de hecho, no fue un evento puntual, sino un proceso agónicamente lento. Primero hubo que 'inventar' las herramientas internas (el núcleo, el esqueleto celular, etc) en un mundo sin aire. Luego, hubo que esperar a la fusión con una bacteria que diera origen a la mitocondria. Y finalmente, hubo que esperar aún más, a que el planeta mismo cambiara, llenándose de oxígeno, para que esa maquinaria pudiera funcionar a pleno rendimiento y crear la biodiversidad que hoy disfrutamos.

La vieja idea de que la Tierra fue un lugar aburrido, habitado solo por bacterias 'tontas' durante la mayor parte de su historia, parece estar condenada. En las profundidades de aquellos océanos oscuros y sin oxígeno, hace casi 3.000 millones de años, la naturaleza ya estaba trabajando silenciosamente en el diseño de la célula que, eones después, daría lugar a las criaturas que intentan comprenderla.

 

Maracaibo, domingo 19 de abril, del año 2026

Cárcava, la revista…

Hace cuatro años, presente la recién aparecida revista literaria del oriente del país, con el nombre de Cárcava y para aquel entonces, no sabría cuál sería su evolución en el tiempo, pero ahora en 2026 sigue adelante con gran éxito. Por ello, sencillamente voy a reproducir el articulo original,

 

En el año 2022, dije que: ante las cada vez mayores dificultades para publicar literatura en todo el sentido de la palabra, en el oriente del país ha surgido en 2021 una revista con el nombre de “Cárcava” que desde el Estado Bolívar, le ofrece a Venezuela una brillante oportunidad de combinar “Arte, literatura y pensamiento” en letras.

 

Cárcava es una revista digital de cultura de aparición bimestral, y ha anunciado su propósito de difundir lo mejor de la literatura, el arte y el pensamiento de Venezuela. Nació en Ciudad Guayana, en abril de 2021, en pleno apogeo de la pandemia Covid-19, como una iniciativa de Diego Rojas Ajmad, Carlos Yusti, y Francisco Arévalo ante la falta de espacios para la discusión y la reflexión sobre nuestro presente y porvenir.

Tal como relata la presentación de su primera edición: “Las cárcavas son los socavones que inadvertidamente aparecen en el suelo debido a la acción de las aguas de lluvia. Son las grietas que van desconstruyendo la tierra y que nos advierten de la fragilidad de lo que antes creíamos sólido y permanente. La cárcava es el signo de la incertidumbre”…“Pero no toda cárcava conduce a la tragedia. Algunas hendiduras son puentes invisibles que invitan a continuar la actividad creadora y de reflexión, dentro o al otro extremo de sus bordes, siempre atentos al surgimiento de un nuevo socavón”.

 

Ante el silencio, la desintegración social, la anomia y el pesimismo, ha surgido Cárcava como un espacio para no dejar de hacer y decir; que apuesta por la libertad para comunicar desde la belleza del pensamiento, utilizados el lenguaje como instrumentos para idear otra realidad, aunque el socavón siga su curso. Cada edición de la revista se compone de diferentes secciones: Ensayo, Poesía, Narrativa, El desván de los libros olvidados, Guayana a través de las letras, El oficio, Entrevista, Los raros y Lecturas (reseñas). Está en twiter como @ucabguayana

  

Diferentes medios de comunicación literarios han felicitado la iniciativa de este revista y la han señalado como un “increíble este espacio para promover la cultura de la ciudad”-(cecosoucabg). “La revista es magnífica y cuenta con un equipo de profesionales destacados que aportan cultura a nuestra ciudad! -(buscandolibros).  Excelente recomendación, y Ya la vamos a buscar para conocerla más de cerca-(clubdelectura_personitas); ¡Excelente y oportuna iniciativa, de la mano de destacadas plumas! (ucabguayana).

 

Desde este blog lapesteloca me es grato divulgar la información para los lectores y le auguro a “Cárcava”un futuro feliz y productivo por habernos ofrecido tan importante iniciativa literaria. https://bit.ly/33EguJ4 Una revista digital bimestral, de cultura para difundir lo mejor de la literatura, el arte y el pensamiento de Venezuela. revistacarcava@gmail.com  de Diego Rojas Ajmad y Carlos Giusti

                                                                                                               

Fue publicado en Maracaibo, el viernes 21 de enero del año 2022 y el domingo 18 de agosto de 2022, en Cárcava aparecerían aceptados un par de relatos míos (“La mujer del Metro” y “Crinejas y dos lazos rojos”). Hoy reproduzco ese grato recuerdo y espero sirve de estímulo a los lectores del blog, para revisar esta revista literaria con sede en Ciudad Bolívar.

 

Maracaibo, sábado 18 de abril del año 2026

De la poesía

Cogiendo flores en la campiña, mas vaporosa que el aura leve, aquella dulce y risueña niña, vio una mañana dos nubecitas color de nieve que se tiñeron color de grana. “Quiero ser nube”- dijo la niña más vaporosa que el aura leve, y con las flores de la campiña, cintas y galas y con sus velos color de nieve la dulce niña formó sus alas.   Cuando en el huerto de la campiña y al viento leve de la mañana la pobre madre buscó a su niña…  ¡Ay...! En su anhelo, vio que entre nubes color de grana la dulce niña volaba al cielo.

Este poema que me resonaba en mi (“caletrósica” para no acusarla de “caletrera”) memoria, sin saber cómo ni cuándo (aunque suene a frase de canción de Virginia López) me lo había aprendido en mi lejana infancia, y se supone que tiene un título (poco adecuado a mi parecer) pues para mi sorpresa, es en medio de tanta claridad: el poema se intitula: “Niebla”.

¿Cuantos de mis asiduos u ocasionales lectores de este blog (lapesteloca el cual he venido ininterrumpidamente escribiendo a diario desde el año 2019) y quienes, de ellos, -preguntaba-, sabrán quién es el autor de la poesía? Yo hasta hace un par de días, no lo sabía, o mejor corrijo, no lo recordaba… A mi edad, puede ser perdonado el olvido, aunque quizás, nunca lo supe… Les doy una pista: es un bardo zuliano.

Véanlo, pues…

Todos sabemos que el verso es la unidad métrica de ritmo, o es la llamada también “unidad rítmica” y de ella se compone, la poesía. Siempre dese el punto de vista fónico, el verso se había caracterizado por ubicarse entre dos pausas, con su distribución en renglones sucesivos. Los versos con estos elementos fónicos, al repetirse en serie producen un ritmo. Pero ya es un hecho, tristemente cierto, que la poesía actual, ha abandonado la versificación tradicional, favoreciendo “el verso libre” donde prevale la expresión emocional sobre la estructura técnica. Es todo más sencillo, así vamos, en este mundo tan complejo y ese inmediatismo puede ser una explicación parcial de lo que vengo diciendo. 

Estas consideraciones, pueden valer, para hablar del verso libre, o del “verso blanco”, escrito o leído prescindiendo de la rima, asonante o consonante. No me quiero referir al llamado “pentámetro yámbico” o el “verso blanco inglés”, un tipo de verso de cinco pies de yambo, que es una métrica que se emplea tanto en versos rimados (por ejemplo en los Sonetos de Shakespeare), como en los que carecen de rima.

Pero, si penetramos más aun, en honduras (sin llegar a Nicaragua, acostumbraba a decir yo en ocasiones similares), el yambo, (aunque suene casi a “mambo”) es un pie de métrica constituido por una sílaba breve y otra larga. El yambo era originariamente uno de los pies de la métrica grecolatina y en la literatura griega el yambo daba nombre a “la poesía yámbica”, la cual parece tener su origen en las canciones populares ligadas a los cultos religiosos del nacimiento y la muerte. 

Existen obras famosas escritas en pentámetro yámbico (verso blanco) y como ejemplo, puedo citar “El paraíso perdido” de John Milton, o el “Preludio” de William Wordsworth, siendo esta métrica la que se usa tanto en versos rimados, -como ya dijimos en los Sonetos de Shakespeare-, como en los que carecen de rima. En una nota preliminar a su poema, Milton explicaba que había decidido escribir “El Paraíso perdido” en lo que él llamaba “verso heroico inglés sin rima” un pentámetro yámbico sin rima. Milton dice que lo había hecho así porque Homero y Virgilio escribieron sus poemas épicos sin rima en griego y en latín, respectivamente.

Sin rima, siempre será más difícil recordar un texto poético. Con esta conclusión, cierro esta breve intromisión mía, en el campo vedado de la poesía, donde ahora existen poetas e hioepuetas “como arroz picao”, y surgen (“serán argunos” dice otros) quizás acicateados por ciertos “maestros” de la lengua, que muchas veces puede ser bífida o viperina, en vez de ofrecer paz, al espíritu de nuestros agitados tiempos. Son los usos que a la poesía le otorgan muchos que se califican como “intelectuales”, quienes nos llevan a pensar en la necesidad de organizar todo este asunto, ya demasiado deteriorado para los tiempos que corren…

Como decía mi primo Ernesto, “que oiga quien tenga oídos” …

Maracaibo, viernes 17 de abril del año 2026

V í c t o r

Recuerdo en mi lejana infancia una breve afirmación que escuche varias veces en boca de un señor cuyo nombre se me escapa, quien era “chofer” de una “Línea de taxis” que funcionaba en “La Plaza de la Republica”, él decía: “¡Victoria! ¡Su nombre lo dice todo!” Se lo decía -como un cumplido- a una bella jovencita guajira que era empleada de la familia Pons y a quienes con frecuencia visitábamos porque era la casa de mi tía Mercedes.

En esto de Victoria y Víctor, o de Víctor y Victoria, recuerdo que fue el título de una película del año1982 dirigida por Blake Edwards, en la que la banda sonora que era de Henry Mancini, ganó el Oscar a mejor banda sonora ese año en aquel filme protagonizado por Julie Andrews, Robert Preston y James Garnery que estaba basado en Viktor und Viktoria, una película alemana de 1933.

Tuve un gran amigo, José Sebastián Víctor Amara Pace, a quien le decíamos sencillamente, Pippo. Era compañero como estudiante del primer año de Medicina en LUZ y fue quien me hizo conocer tempranamente al compositor de ópera, Giuseppe Verdi. Compartían con Verdi la nacionalidad y aunque poco se parecían por el nombre, mi amigo, se llamaba José Sebastián Víctor, y el compositor Verdi era Giuseppe Fortunino Francesco (1813-1901) aprendí que el músico vivió en una época donde Italia anhelaba su unificación política, pues las ciudades en el norte, habían sido invadidas por el imperio austríaco y Verdi, el músico, era visto como adalid en la reunificación de su país cuando el acrónimo “Verdi” pintado en las paredes significaba “Vittorio Emmanuel Rey de Italia”..

José Sebastián, hablaba con un acento ítalo-argentino que lo hacía muy peculiar y le servía para explayarse en explicaciones y cuentos cuando surgían preguntas entre sus compañeros. Él les relataba que, habiendo nacido en Etiopía, su familia era italiana y se trasladó durante la 2da guerra a la Argentina. Luego, cuando vivían en Maracaibo, él decía estar seguro de que iba a estudiar Medicina para graduarse y ser un psiquiatra como Sigmund Freud. Quizás por eso, Pippo, quien hablaba indeteniblemente, sabía cosas que para todos eran absolutamente desconocidas. Él era capaz de contar historias truculentas, e insistir en que sabía tanto de Astronomía como de Astrología y de muchas otras cosas.

En realidad, Pippo fue nuestro compañero durante el primer año y luego se fue a Italia, y viviría en la Rua Mingazzini 22, en Roma, donde terminaría su carrera y se haría psiquiatra. Se transformaría con los años en uno de los activos psiquiatras psicoanalistas (freudomarxistas) sucesores de las enseñanzas del humanista y psicólogo judío alemán Erick Fromm (1900-1980) fundador del Instituto Mexicano de Psicoanálisis de Cuernavaca. Hace ya varios años que lamentablemente, mi amigo falleció.

Tengo el honor de ser amigo de otro Víctor, quien es un poeta, pero uno que de verdad es poeta. ¡Es que hay otros…! Víctor Vielma Molina, mi amigo, nació en Mérida en 1952 y viviría en San Carlos del Zulia en 1974.  Licenciado en letras por la Universidad del Zulia, ejerció por décadas como profesor de castellano y literatura en el municipio Colón, al tiempo que desarrollaba una intensa labor creativa en talleres y espacios culturales. Poeta, ensayista y analista político, Víctor creció y se educaría en el estado Táchira.

Victor practicó durante su juventud la disciplina atlética del maratón y se coronaría como Campeón por Equipos de la Maratón como atleta, de la Asociación de Atletismo del Estado Táchira. En Maracaibo pasaría a ser miembro del equipo de atletismo de la Universidad del Zulia. En 1980, se graduaría de Licenciado en letras Hispanoamericanas. Educador en varias instituciones del Estado Zulia, su obra literaria se encuentra dispersa en varios periódicos del occidente del país. Fue integrante del Grupo Literario Zaranda de San Cristóbal y fue Senador de la República (S) por el Estado Zulia (1998) y nunca se aprovechó de esa situación política.  Víctor Vielma estuvo a cargo del Taller de Literatura ¨César David Rincón¨ dependiente de la Secretaria de Cultura de la Gobernación del Estado Zulia. No hay necesidad de mí en los infiernos recoge cuarenta años de producción literaria inédita. Su segundo poemario Piélago, también ha sido editado por “Ediciones del Movimiento”. En su Colección Légamos, se encuentran Tallado de sombra, La casa del viejo maestro, Zapatos del exilio y Sangre de grafito, todos poemarios publicados por Sultana del Lago Editores. Su discurso es claro y está cargado de sinceridad: “La poesía y la literatura salvan”, afirma Víctor, quien ahora vive en Soacha un sector de Bogotá… 

Tengo otro gran amigo que es también Víctor, muy conocido y apreciado entre sus numerosos conocidos en Maracaibo. Le reconocemos todos como “El Gato Salom”. Fui su profesor en la Catedra de Histología y Embriología de la Facultad de Ciencias Veterinarias de LUZ. El Gato como “El Brujo” y “El Marote” es Médico Veterinario, y experto en Salud Publica, pero él, como parte de “el conjunto musical” destaca por su alma de músico y, compositor. Mi gran amigo Víctor Salom alias “El Gato Salón”, era sobrino del admirado Dr Ricaute Salom Gil importante sanitarista zuliano quien presidía la Academia de Medicina del Zulia cuando lamentablemente como varios otros colegas de la misma Institución, fallecerían durante la pandemia del COVID 19.

Hay otro Víctor cuya vida que quisiera reseñar. Al conocerlo personalmente, en 2010, se entusiasmó con mis novelas y decidió publicar en su Editorial, no una, sino dos de ellas “El año de la lepra” y “Ratones desnudos”. Víctor Bravo es escritor y crítico literario. Nativo de Santa Bárbara del Zulia (1949) es profesor de la Facultad de Humanidades y Educación de la Universidad de los Andes (ULA), en Mérida. Ha obtenido varios Premios en ensayo: “Año Internacional de la Juventud” (Caracas, 1985), “Fernando Paz Castillo” (Fundarte, Caracas, 1985), Premio Municipal de Literatura (Caracas, 1988), Premio de ensayo “Mariano Picón Salas”; (CONAC, 1989), Premio Regional de ensayo (Maracaibo, 1995). Entre sus publicaciones, mencionaré: Cuatro momentos de la literatura fantástica en Venezuela (1985), Los poderes de la ficción (1987), El secreto en geranio convertido (1992El orden y la paradoja: Borges y el pensamiento de la modernidad (2003), El señor de los tristes y otros ensayos (2007), Jesús Semprún (2010); y el poemario Desde lo oscuro (2003).

Entre tantos victoriosos amigos, no pudo pasar por alto nuestros acompañantes músicos veterinarios quienes con “El Gato Salom” es un extremo se muestran acompañándome en la fotografía final. Por esto, siempre he insistido en que "el cantar tiene sentido"!!

En Maracaibo, el jueves 16 de abril de 2026

 

 

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Turandot, de Puccini.

Turán es una región de Asia Central que pertenecía al Imperio persa y Turandot es un nombre de origen persa que significa 'La hija del Turán'. Las tierras que fueron asiento de aquel majestuoso antiguo Imperio Persa, están siendo hoy día, destruidas sin ningún respeto por la vida de millones de seres inocentes, que están siendo masacrados por el fuego de misiles en una disparatada guerra donde priva el dinero sobre la vida humana… Quizás por esto, hoy aparece en este blog (lapesteloca)… Turandot.

Turandot es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924) con un libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, fue una obra inconclusa debido a la muerte de Puccini, y habría de ser completada por Franco Alfano. Fue estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán.

Una de las partes musicalmente más difíciles de esta ópera se encuentra en el segundo acto ya que, esta parte exige sobreagudos a cargo de la soprano, combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil. Esta parte se inicia con la frase In questa reggia, y es cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Otro aspecto musicalmente notable es el enfrentamiento entre el tenor y la  soprano, en el segundo acto, algo que es para muchos, comparable con lo que ya antes lograría hacer Puccini en Tosca, también en el segundo acto, cuando enfrentaría las voces de un barítono y una soprano: Scarpia y Tosca.

En el tercer acto de Turandot, se encuentra también una de las arias más conocidas de esta ópera para un tenor: Nessun dorma la que representa la victoria del amor sobre el odio, donde la guardia de Turandot clama que nadie se duerma para descifrar el nombre del joven héroe Calaf y éste los secunda triunfante, interpretando la famosa aria.

El origen de la historia de Turandot se remonta al poema titulado Las siete bellezas o Las siete princesas, obra de Nezamí Ganyaví, (ver) uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época sasánida, que tenía 7 princesas, y cada una de ellas era proveniente de un lugar distinto del gigantesco imperio que abarcaba Egipto, China, Rusia,  Grecia, Turquía, India y toda Asia central. La cuarta princesa, la de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero, antes, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido” y donde todos los candidatos morían.

Esta historia fue recogida por François de la Croix, (un orientalista francés contemporáneo de Antoine Galland, el traductor de Las mil y una noches) en una colección de cuentos llamada Los mil y un días. Con el objeto acentuar el carácter exótico de la historia, en “Los mil y un días” -se haría una transposición cultural de la princesa rusa original, a una fría y cruel princesa china- llamada “Turandokht”. A partir de este relato, Carlo Gozzi (1720-1806) poeta, narrador y dramaturgo italiano, quien creó una tragicomedia al estilo de la comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra.

Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni iniciaría la composición en enero de 1921 y en marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dúo y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo una cuarta versión que hizo Adami del texto. Un par de días después, el 10 de octubre diagnostican a Puccini cáncer de garganta y muere pocas semanas después, el 29 de noviembre, dejando tan solo treinta y seis páginas con esbozos sobre el final de Turandot. Aunque Puccini dejó instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y Franco Alfano fue comisionado para concluirla.

La opera se inicia(ActoI) afuera del Palacio Imperial, cuando un mandarín lee un edicto a la multitud… “Cualquier príncipe que aspire a casarse con la princesa Turandot deberá resolver tres acertijos. Si no lo logra, morirá. El último pretendiente, príncipe de Persia, será ejecutado al amanecer. Entre los espectadores se encuentran La esclava Liù, su anciano amo, Timur, el rey vencido de Tartaria y su hijo el joven Calàf. Solo Liù le ha permanecido fiel. Cuando Calàf le pregunta por qué, ella responde que hace mucho tiempo, una vez Calàf le sonrió. La multitud clama por sangre, pero recibe la luna creciente con un repentino y temeroso silencio. El príncipe de Persia se dirige a su muerte, y la multitud implora a la princesa que le perdone la vida. Turandot aparece en su palacio y, sin decir palabra, ordena que se proceda con la ejecución. Cautivado por la belleza de la inalcanzable princesa, Calàf decide conquistarla, para horror de Liù y de Timur. Los tres ministros de Estado, Ping, Pang y Pong, aparecen e intentan disuadirlo, pero Calàf permanece impasible. Tranquiliza a Liù y luego suena el gong, anunciando así la llegada de un nuevo pretendiente. 

 

En el Acto2do, Ping, Pang y Pong en sus aposentos, lamentan el sangriento reinado de Turandot, con la esperanza de que el amor la venza y restaure la paz. Sus pensamientos divagan hacia sus apacibles hogares campestres, cuando el bullicio de la multitud reunida para presenciar el desafío de las adivinanzas los devuelve a la realidad. Entonces, en la sala del trono real, el anciano emperador le pide a Calàf que reconsidere su decisión, pero el joven no se deja disuadir. Llega Turandot y relata la historia de su hermosa antepasada. La princesa Lou-Ling, quien fue raptada y asesinada por un príncipe conquistador. En venganza, Turandot se ha vuelto contra los hombres y ha decidido que ninguno jamás la poseerá. Las trompetas anuncian el comienzo de las adivinanzas. Turandot le plantea su primera pregunta a Calàf: ¿Qué nace cada noche  y muere cada amanecer? “La esperanza”, responde Calàf correctamente. Turandot continúa: ¿Qué parpadea rojo y cálido como una llama, pero no es una llama? “La sangre”, responde Calàf tras un momento de reflexión. Conmocionada, Turandot le planetará  la tercera adivinanza: ¿Qué es como el hielo pero arde, y si te acepta como esclavo, te convierte en rey? Un tenso silencio reina hasta que Calàf grita triunfalmente: “¡Turandot!”. La multitud estalla de júbilo, y la princesa suplica en vano a su padre que no la entregue al desconocido. Con la esperanza de ganarse su amor, Calàf le propone a Turandot un reto: si logra averiguar su nombre antes del amanecer, él arriesgará su vida.

En el tercer Acto ya es de noche, y en los Jardines Imperiales, Calàf oye una proclama: “Bajo pena de muerte, nadie en Pekín dormirá hasta que Turandot sepa el nombre del forastero”. Calàf está seguro de su victoria, pero Ping, Pang y Pong intentan sobornarlo para que abandone la ciudad. Mientras la multitud, aterrorizada, lo amenaza para que revele su nombre, los soldados traen a Liù y a Timur. Calàf intenta convencer a la multitud de que ninguno de ellos dos conoce su secreto. Cuando aparece Turandot, ordenando a Timur que hable, Liù responde que solo ella conoce la identidad del forastero y que jamás la revelará. Los soldados la torturan, pero ella permanece en silencio. Impresionada por su fortaleza, Turandot le pregunta qué le da a Liù la fuerza para resistir. “Es el amor”, responde ella. Cuando la tortura se intensifica, Liù le dice a Turandot que ella también conocerá las alegrías del amor. Entonces, toma una daga y se suicida. La multitud forma una procesión fúnebre, y Timur los sigue mientras se llevan su cuerpo. Turandot se queda sola frente a Calàf, quien la besa impulsivamente. Al experimentar emociones por primera vez, Turandot llora. Calàf, seguro de haberla conquistado, revela su identidad. Una vez más ante el trono del emperador, Turandot declara que conoce el nombre del desconocido: es Amor.

 

Maracaibo, miércoles 15 de abril del año 2026

Manuel Patricio García

 

El laringoscopio, fue un instrumento inventado por Manuel García (Manuel Patricio Rodríguez García :1805-1906) un fascinante hombre, que fue médico y profesor de canto de renombre mundial, quien viajó por todo el mundo, como reconocido cantante y laringólogo y vivió 100 años.

Manuel García nació el 17 de marzo de 1805, en Madrid o en Zafra, en la provincia de Badajoz, al suroeste de España. Era hijo de Manuel del Pópulo Vicente García (1775-1832), conocido como “el Mayor”, un famoso tenor, empresario, compositor y profesor de canto y de Joaquina Briones. Sus dos hermanas, María Malibran y Pauline Viardot desarrollaron destacadas carreras operísticas. En realidad, esta familia de los García, fueron unos músicos geniales quienes impulsaron la ópera y el bel canto por varias generaciones.

Manuel del Pópulo Vicente García (Sevilla,1775- París,1832) (ver) fue cantante, compositor, productor de ópera, maestro de canto y director de escena, español. Se le conoce también por Manuel García y fue un artista polifacético maestro de canto de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX del que se ha cumplido ya el 250 aniversario de su nacimiento. Manuel García fue uno de los personajes más influyentes de la ópera del siglo XIX. Como compositor, era el tenor predilecto de Gioacchino Rossini. Fue un maestro de canto y constituyó la dinastía más importante de cantantes y profesores de canto del siglo XIX, formada por los hijos que tuvo de su unión con Joaquina Sitches “Briones”: María Malibrán (1808-1836), Pauline Viardot-García (1821-1910) y Manuel Patricio García (1805-1906).

Michelle Pauline Viardot García (1821-1910), (ver) conocida también como  Paulina García Sitches, fue una mezzosoprano, cantante de ópera y compositora, francesa de origen español, hija del tenor y maestro del bel canto Manuel Patricio Rodríguez García (Manuel García) y de la soprano Joaquina Briones, además era hermana de la diva María Malibrán y del influyente barítono y maestro de canto Manuel Patricio García, inventor del laringoscopio.

Manuel Patricio Rodríguez García (ver) pasó la mayor parte de su juventud con sus abuelos en Madrid, a salvo de las guerras napoleónicas, mientras su padre desarrollaba su carrera como cantante componía sus propias óperas ligeras: más de 40 en total (17 en español, 19 en italiano y siete en francés) presentándolas en París, Nápoles y en Londres.  En Nápoles, entabló amistad con Gioachino Rossini (1792-1868), quien escribió para él los papeles principales de tenor en Isabel, reina de Inglaterra (1815) y para El barbero de Sevilla (1816). Manuel García, tras ser un barítono de segunda categoría , se convirtió en un pedagogo vocal de renombre mundial, “el principal teórico de la escuela vocal de Rossini”.

A petición de Lorenzo Da Ponte, libretista y profesor de italiano en el Columbia College de Nueva York, los dos Manuel García y la segunda esposa de Manuel, Joaquina Sitchez (“Briones”) con sus hijas, formaron el núcleo de una compañía que interpretó los primeros musicales de ópera italiana en Nueva York en 1825 y 1826. Lorenzo Da Ponte insistió en presentar el Don Giovanni de Mozart, del cual él mismo había escrito el libreto. Montaron las primeras representaciones de ópera italiana en Nueva York (¡Un total de unas 80!). La familia García interpretó todos los papeles principales en las representaciones de El barbero de Sevilla, con García como Almaviva, su segunda esposa Joaquina Sitchez ("la Briones") como Berta, Manuel Jr. como Fígaro y María como Rosina; Pauline era todavía muy joven en ese momento. Da Ponte insistió particularmente en que la compañía anunciara Don Giovanni, cuyo libreto él mismo era el autor, y la ópera de Mozart tuvo su primera representación íntegra en Estados Unidos el 23 de mayo de 1826 en presencia de su libretista, con García cantando el papel principal, la Briones como Donna Elvira, Maria como Zerlina y Manuel Jr. como Leporello. 

Desde Nueva York, la compañía viajó a México, donde esperaban establecerse. Sin embargo, esto no fue posible, ya que les robaron la mayor parte de la recaudación de sus funciones en Nueva York.

Para entonces, Manuel Junior empezaba a darse cuenta de que su voz de barítono carecía de fuerza y, al regresar a París en el otoño de 1827, decidió explorar su creciente interés por la ciencia y, en particular, por la anatomía. Su deseo inicial de embarcarse para estudiar astronomía y navegación se vio frustrado por la oposición familiar, por lo que, durante un tiempo, Manuel Junior asistió a las clases de su padre. Con 25 años, decidió abandonar París y a sus padres autoritarios para realizar una breve carrera militar en Argel. Ante nuevos disturbios en París, Manuel Junior aprovechó sus contactos militares para infiltrarse en un hospital militar donde, en un intento por aprender la ciencia del canto, recogió las laringes de gallinas, ovejas y vacas y, con la ayuda de un fuelle, sopló aire a través de ellas, produciendo una sorprendente variedad de sonidos. “La manera en que la glotis se abría, se cerraba y se movía silenciosamente durante la fonación me llenó de asombro.”

Así concluyó la primera etapa de la larga vida de Manuel Junior: había cantado en óperas y conciertos; había comenzado a impartir clases de canto; y había intentado comprender científicamente la voz, y en 1830, dos años antes del fallecimiento de su padre, se consagró como maestro de canto con un rigor científico tal, que en 1835 fue nombrado profesor del Conservatorio de París.

Su reputación creció rápidamente y jóvenes cantantes ambiciosos ahorraron dinero para solicitar ser sus alumnos. Entre ellos Johanna Maria (Jenny) Lind (1820-1887), quien se convertiría en una de las sopranos más famosas de mediados del siglo XIX. En su primera actuación en París, con tan solo 21 años, Manuel García estaba presente y ella buscó su ayuda. Él le pidió que cantara una pieza de Lucia di Lammermoor de Donizetti y ella se derrumbó a pesar de haber interpretado la obra en Estocolmo.

García le recomendó un reposo vocal total de seis semanas y, poco a poco, la ayudó a recuperar su voz y perfeccionar su técnica. Tomó dos clases de una hora a la semana durante un año, a un costo de 20 francos por hora. Tras el consejo de García de no intentar debutar en la Ópera de París durante cinco años, regresó a Estocolmo con una voz aún mejor y, en 1847, debutó en Londres, donde fue apodada “el Ruiseñor Sueco”.

Mientras tanto, García había consolidado su prestigio académico con una publicación presentada en 1840 a la Academia de Ciencias de Francia, titulada “Mémoire sur la Voix Humain”. En este trabajo reveló que la voz de cabeza no necesariamente comenzaba donde terminaba la voz de pecho; existía una transición en la que se podían producir varias notas en ambos registros. A este trabajo le siguió la publicación de “École de Garcia: Traité Complet de l'Art du Chant” (primera parte, 1840; segunda parte, 1847), en la que García aclaró la confusión que hasta entonces había existido entre “timbres” y “registro”.

En febrero de 1848, la revolución estalló de nuevo en París, y el rey Luis Felipe huyó a Inglaterra. Manuel García, que ya había presenciado la agitación política, decidió, trasladarse a Londres, donde tenía buenas relaciones de muchos años. Pronto fue nombrado miembro del personal de la Real Academia de Música y permaneció en Inglaterra el resto de su larga vida.

Manuel García había albergado durante años el deseo de ver una glotis sana expuesta en el mismo acto de cantar. Su descubrimiento de la autolaringoscopia se incluyó en un artículo titulado "Observaciones fisiológicas sobre la voz humana", que el fisiólogo William Sharpey comunicó a la Royal Society en su nombre el 24 de mayo de 1855. El acto de fonación lo llenó de asombro. Nunca tuvo la intención de convertirse en el fundador de una nueva especialidad médica, y protestó diciendo que el espejo solo le había costado seis francos.

El descubrimiento de Manuel García corrió la misma suerte que el glotiscopio del médico londinense Benjamin Babington en 1829: fue recibido con indiferencia e incluso incredulidad. Finalmente, la profesión médica le otorgó el reconocimiento en 1862, cuando la Universidad de Königsberg le confirió el título de Doctor en Medicina.

Maracaibo, martes 14 de abril del año 2026