Italia cinematográfica

Desde los años 20 del siglo pasado y hasta 1945, el cine italiano estuvo sometido a una enorme censura debido al régimen dictatorial que sufría el país. Las películas realizadas durante el mandato de Mussolini no podían mostrar realidades sociales, como la pobreza o la delincuencia, y estaban obligadas a dar la imagen de una nación intachable en sus múltiples películas, históricas y musicales.

 

A partir de 1945 tras la caída de Mussolini y el fin de la Segunda Guerra Mundial, Italia y su industria cinematográfica quedaron en ruinas y surgió entonces un movimiento cinematográfico que cambiaría la historia del cine para siempre: el neorrealismo italiano poseería unas características propias que lo diferenciarían de lo que hasta entonces se había realizado en el cine, y se convirtió en el documento de toda una época, mostrando la cotidianidad de las personas y de sus problemas tras el fin de la guerra.

 

El término “neorrealismo” fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro, y mostraría condiciones sociales auténticas muy humanas, alejándose del estilo histórico y musical que hasta entonces se había impuesto en la Italia fascista (1922-1945). Las causas generadoras de este novedoso realismo cinematográfico serían la austeridad, secundaria al escaso presupuesto disponible, el uso de escenarios naturales y la actividad de actores no profesionales. 

 

Son importantes filmes, en la evolución de la cinematografía europea y dentro del neorrealismo italiano: Roma, città aperta(1945, Rossellini).Germania, anno zero(1948, Rossellini). Riso amaro(1949, De Santis). Ladri di biciclette(1950, De Sica). Miracolo a Milano(1951, De Sica),  Rocco e i suoi fratelli(1960, Visconti), La strada(1954, Fellini). También el Desierto rojo de Antonini, o Romeo y Julieta de Zefirelli, estaremos hablando del cine de Vitorio De Sica, y el de Federico Fellini y recordaremos o cambiemos hacia las películas de Totó, hablando en napolitano, tantas como pude verlas en el cine Venecia.

Recordé una amena charla que esta comentada en una de mis novelas, con un personaje creado para hablar del neorrealismo cinematográfico, con don Pippo Pascualotto dueño de un restorante italiano frente al hotel Kristoff, con quien mientras degustábamos unos linguinni a la matriciana, escanciando un Chianti tinto, hablábamos hasta de los camisas negras y de los partisanos cuando me dijo que Vittorio Gassman era su amigo personal… Era en los tiempos de Cinecitá, y me contó de su amistad con Carlo Ponti e insistiría en la importancia de la pelicula “Ladrones de bicicletas” para la evolución de la cinematografía italiana y le recordé que sí, que ví el filme “Ana” con Silvana Mangano, inolvidable en el arroz amargo y también de la belleza de la Pampanini y de la Lollobrigida… Después de “Roma cuidad abierta” regresamos a aquella película de Antonini y su Desierto rojo, y hablamos de Zefirelli especialmente de su Romeo y Julieta, y de todo el cine de Vitorio De Sica, hasta que finalmente regresamos a el de Federico Fellini… Eran unas películas fenomenales...  Habíamos hablado de los ladrones de bicicletas, y del viejo Vittorio de Sica de Silvana Mangano y de la belleza de la Pampanini y de la Lollobrigida… En fin, recuerdo que al final, cuando ya estaba acometiendo con deleite una casatta napolitana, don Pippo me hablaría sobre El Gatopardo de Giuseppe Lampedusa y mientras llegaba a mi mente la imagen de Burt Lancaster, pensé en su bella compañera de reparto, en Claudia Cardinale, a quien nunca he olvidado y por eso creo que ya relaté este asunto en una de mis novelas, creo que fue en Ratones desnudos.

 

Pero un renglón especial lo ocupará siempre Federico Fellini (1920-1993) el gran director y guionista de cine, comenzó en 1951, se casaría con Guilitta Massina en 1943. En 1944 contribuye en Roma Città Aperta, La Strada (1954) OSCAR por LaStrada y OSCAR por LaStrada a Guilitta Massina. Las noches de Cabiria(1957) Oscar 1957. La dolche vita (1960), Bocachio 70 (1962), Satiricon (1969), Amarcord (1973). Anthony Queen actuaría en el rol de Zampanó el personaje de La Strada(1954), el filme de Fellini donde Zampanó compra a Gelsomina, una joven inocente hasta el retraso mental, interpretada por Giulietta Massina, la esposa real de Fellini.

Totó fue un actor, letrista, poeta y comediante napolitaliano y una de las figuras de la comedia más importantes del cine mundial. Totó fue el primer gran actor tras Valentino; considerado por muchos como el Buster Keaton o el Charlie Chaplin italiano. Alberto Sordi tuvo pequeños papeles en veinte películas, y de 1952 a 1955, alcanzaría el estrellato dentro del mundo del cine, con dos películas de Federico Fellini: El jeque blanco (1952) y Los inútiles (1953). Su popularidad se hizo enorme, y destacaría en 1951 con una película de Roberto Savarese, producida por Vittorio De Sica, Mamma mia che impressione!. Un americano en Roma (1954) y Piccola posta (1955),"La Grande Guerra" (Mario Monicelli, 1959), "Tutti a casa " (Luigi Comencini, 1960), "Una Vita difficile, 1961), "Mafioso" (Alberto Lattuada, 1962), "Detenuto in attesa di giudizio" (Nanni Loy, 1971), "Un boghese piccolo piccolo" (Mario Monicelli, 1977).

El actor italiano Mastroianni(1924-1996), desde Un tram chiamato desiderio, dirigida por Luchino Visconti en 1948, La dolce vita(1960) y Ocho ½ ambas de Fellini, Divorcio a la italiana(1961), hasta Pret-à-porter(1994) de Robert Altman y la icónica Sophia Loren, aunque nacida en Roma, creció en Pozzuoli, un pequeño pueblo cerca de Nápoles, la región que forjó su temperamento y su arte, ligándola indisolublemente al cine italiano. Sofia ha sido una figura central del neorrealismo rosa, una evolución del neorrealismo que incorporaba humor y romance. Nápoles no fue solo un telón de fondo para sus películas, sino un personaje más: El Oro de Nápoles (1954): Loren representa a una vendedora de pizzas "a crédito".  Matrimonio a la Italiana (1964): Ambientada en Nápoles durante la Segunda Guerra Mundial, le valió una de sus mayores aclamaciones. interpreta a Filomena Marturano, una mujer de origen humilde que lucha con ingenio y pasión por su lugar en el mundo. Ayer, Hoy y Mañana (1963) La conexión de Sophia Loren con Nápoles es tan profunda que la actriz ha sido referida como la "diva napolitana".

 

Maracaibo, miércoles 2 de septiembre del año 2026

 

 

Una pierna dormida…

Sé que es “pavoso”, -jetta diría quizás mi amigo Gustavo que vive en Olavarria, provincia de Buenos Aires- de solo pensarlo y contimás por decirlo, y más pior aun será escribirlo, digo yo… Pues resulta que ayer desperté con mi pierna izquierda (suena a titulo cinematográfico) absolutamente dormida… No sé si era como para que me acordase de José Alfredo, aunque ni estaba como para llorar de alegría ni amanecía tampoco, pero la situación me puso a pensar y de inmediato recordé al “cocodrilo” de Bobby Capó y me sonó la voz del grillito en concordancia con mi hilo musical… “Estamos aquí reunidos, todos los animales…”.

Regresé entonces al tema de la “pavosidad” y pensé en aquello de que “si lo piensas mucho terminaras por creértelo” … Después de los puntos suspensivos, me dije medio envalentonado como José-José: “pero lo dudo” y lo repetí un par de veces en mi fuero interno.  Sin querer desviar el curso de mi historia, lo que llegaba a mi mente era la palabra “ictus” y me dije entonces: ¡Chamo, no sea pavoso! De inmediato recurrí a un axioma que se revela en hechos, desde hace unos 8 años de escritura diaria: “Todo está en lapesteloca”, entonces directamente fui al eficiente “buscador” del blog, y … ¡Eureka!

Pues sí: en abril del 2015, “Ictus” era el título de un artículo, y en octubre del 2023, el día 22 había conversado sobre “el ictus de Evanan Jesus” un tema de la novela La Peste Loca, y el jueves 24 y el viernes 25, había ido más allá, titulando dos trabajitos como ACV-1 y ACV-2. De todos estos detalles me enteraría después, evidentemente, ya que todavía con la pierna izquierda medio dormida salí de nuestra habitación refrigerada para mirarme en el espejo del cuarto de baño y entonces poder confirmar: si soy yo. Tuve que aceptar que Manolo Monterrey con el apoyo de la Billo s tenía razón, pues no había rejuvenecido ni un pelo de la noche a la mañana, ya no veía sin mis espejuelos, y tenía la cara toda arugaaaa…

Un dicho de La Rochela de don Tito Martinez del Box llegó a mi memoria…”I que va usted a hacerle, va usté a pegarle, hay que dejarle”… Al fin y al cabo, reflexioné, de que, si ya con mi “peripheral neuropathy” ampliamente diagnosticada y a diario padecida, estaban ambas piernas insensibles, el que una de ellas estuviese más dormida que la otra no era suficiente como para dramatizar la situación y caer en aquel jueguito desagradable de mi mente, programando disparates.

Existía un hecho incontrovertible que lo repetiría muchas veces Manolo, el cantante de la Billo s, yo ante el espejo: “me veo más viejo” y me sonaba, creo que de los argentinos de “La Mosca” aquello de estar hoy mejor que mañana y sin saber si lo que me animaba era de Mamerta y Cocomoco, o de Frijolito y Robustiana, repetí sesudamente que “lo mejor es no morirse” y para reforzar con ideas positivas me dije: “mañana será otro dia”…Con mis insensibles extremidades, preferí regresar al blog, aunque fuese como un sencillo “divertimento”.

En junio del 2025, hablando de las frutas tropicales, relataba como: “el 5 de abril del año 2015 con el título de “Ictus”(https://tinyurl.com/2w79nb68) publicaría en este blog lapesteloca un artículo extraído de mi novela homónima La Peste Loca (1997) y hoy he querido recordar aquel “conciliábulo introspectivo” de uno de mis personajes, quien aquejado por un ictus (antes le decíamos “derrame cerebral” o “accidente cerebrovascular”) cree escuchar lo que dicen alrededor de su cama “los doctores”…

No cedo a la tentación de finalizar este asunto tal cual, y como lo hiciera en 2015 parafraseando de nuevo, de “mi novela iniciática” La Peste Loca” (la del blog homónimo-este ), copiando algunos párrafos cual inocentes comentarios. “Comerse un mango entero, ahora con esta falta de aire, bun dumm, bun dumm, llega ese son, el sonsonete ese, tralalá que tralalá, pero lo que más me gusta, bun dumm, bun dumm, ¿y dejar luego el reguero? Se escucha el silbato.  Se acerca el tren y él está seguro de que es la hora señalada, a comerse un mango entero, él espera desnudo y embadurnado todo su cuerpo de mango, cubierto de hilachas húmedas, hebras anaranjadas…”¡Amiga de hacer favores!, desnudo y oliendo a trementina, dejar luego el reguero, con un frío estremecimiento en la piel, ¿por el viento será?, el que llega, ¿de dónde?, o por el alcoholado tropical, ¿es loción Marazul?, hasta cuando tendré que esperar por ese tren".

Maracaibo, el martes 1 de septiembre del año 2026 

La Polonesa de Chopin

La Polonesa Op. 53 en la bemol mayor, también es conocida como Polonesa heroica, fue escrita por Frédéric Chopin en 1842 para piano solo, y la palabra “polonesa” quiere significar: ser polaco. La Polonesa Heroica representa la grandeza de Polonia. Frédéric Chopin cuando compuso esta pieza, en 1842 tenía 32 años. Lo haría siete años antes de su muerte, durante un período cuando estaba muy enfermo por la tuberculosis que padecía y había recrudeció en él; se sabe que algunas veces la fuerte tos le obligaban a estar en la cama durante semanas, de modo que en medio de estas dificultades la composición nació de su fervor patriótico, alabando a Polonia, la patria que le vio nacer.

Esta obra maestra es una de las composiciones más conocidas de Chopin y es aún hoy en día una de las piezas favoritas del repertorio para piano. Es una pieza muy exigente y se ha señalado que su interpretación requiere de habilidades excepcionales y de un cierto virtuosismo al piano para ser tocada con un nivel de calidad adecuado.

Para mí, su música, radiante, me transporta a mi infancia y me vuelvo a ver en la sala de mi casa, Los Arrayanes y a mi madre sentada en el piano Wurtlizer, ejecutando con maestría aquella composición que todos, mis hermanos y yo, sabíamos era La Polonesa de Chopin, y escuchábamos cuando mi madre, tecleaba con entusiasmo teniendo en la pared enfrente del piano una acuarela de Venecia que me había regalado mi profe de piano Albino Solivo, seguramente para que me esforzara más porque no era un alumno muy estudioso pues me fastidiaba el solfeo y los ejercicio de Carl Czerny, lamentablemente no me llevarían en un par de años, más allá de aprenderme, ese sí, y de memoria, “el son del toreador” que sabía desde aquel entonces, era de la ópera Carmen de Bizet, pero…

La Polonesa interpretada por mi mamá siempre resultaba brillante e inolvidable, y cuando años más tarde mi compañero del bachillerato Pablo Lasala, nos deleitaba con el concierto para piano y orquesta de Sergie Rachmaninoff, logrando con sus brillantes acordes que sus escuchas, nuestros amigos, compañeros bachilleres del cuarto año, recordásemos a Marilyn en “La comezón del séptimo año”, el piano con sus acordes llenaban aquella sala de mi casa protegida por pesadas cortinas de un verde intenso y un aparato de aire acondicionado Carrier, y todo aquello siempre, infancia y juventud, los recuerdos me llevan a regresar a la imagen de mi madre interpretando La Polonesa de Chopin.

Si examinamos cosas que han dicho sobre La La Polonesa de Chopin, aunque esta pieza de Chopin -en La bemol mayor, Op. 53-, está denominada como polonesa, en realidad tiene muy poco que ver con el estilo típico de las polonesas. Se presenta en dos secciones con un ritmo que es ciertamente característico de las polonesas, pero la mayoría de la obra no tienes las características de ese tipo de composición musical. Otra posibilidad planteada es que la Polonesa heroica esté muy relacionada con -la Polonesa Militar Op. 40 en la mayor-, y esto es algo que se nota en la introducción de la Polonesa heroica de Chopin, se percibe al inicio, como “está claramente influenciada por la Polonesa militar”, que representa mucho más un estilo marcadamente marcial.

La Polonesa heroica contiene muchos aspectos técnicos para piano, como son por ejemplo: las escalas dobles, los trinos, las octavas que son rápidas y fuertes, posee cuartas cromáticas y arpegios rápidos con acordes amplios que exigen abrir mucho las manos, usando una gran amplitud en el teclado en un espacio de 82 de las 88 teclas de un piano. Las polonesas op. 40 son unas composiciones de Frédéric Chopin, también llamadas Polonesas Militares, fueron realizadas en 1838, durante su corta estancia en Mallorca. Sus tonalidades son en la mayor la n.º 1 y en do menor la n.º 2. Antón Rubinstein señaló que cada una corresponde a la gloria y a la tragedia de Polonia, respectivamente

En 1838, Chopin inició una relación con la escritora Aurore Dupin, conocida por su seudónimo de George Sand. Seis años mayor que él, Sand estableció un vínculo casi maternal con el músico de frágil salud y temperamento hipersensible. Entre 1838 y 1839, Frédéric Chopin pasó un invierno caótico aunque muy productivo, en Mallorca. Llegó a la isla en noviembre de 1838 junto a su pareja, George Sand, y los dos hijos de ella, quien viajaba en un intento por mejorar la delicada salud de Chopin, pues ella sabía que padecía de tuberculosis, pero el clima húmedo empeoró su estado con severas crisis de tos. George Sand y Frederic Chopin se hospedaron en la Cartuja de Valldemossa, un antiguo monasterio donde sufrieron frío, lluvia amen de la desconfianza de los lugareños. A pesar de todas estas dificultades, Chopin compuso gran parte de sus famosos Preludios Op. 28, además de baladas y nocturnos. George Sand inmortalizó la experiencia de Frederic Chopin en su famoso libro autobiográfico Un invierno en Mallorca.

Hacia 1845, la salud de Frederic comenzó nuevamente a deteriorarse, en un proceso de debilitamiento que finalmente lo conduciría a la muerte. El comienzo del año 1849 encontró a Chopin demasiado débil. En ese lóbrego verano, trabajó en los borradores de su última pieza, la Mazurca en fa menor (publicada tras su muerte como Op. 68 n.º 4). Falleció a las dos de la madrugada del 17 de octubre de 1849, a la edad de 39 años. En 2017, un estudio realizado por investigadores de la Academia Polaca de Ciencias reveló que la causa directa de muerte fue una pericarditis, una rara complicación de la tuberculosis crónica que padecía.

Durante la invasión de Polonia por el ejército alemán al comienzo de la Segunda Guerra Mundial en septiembre de 1939, la radio polaca emitió cada día las obras de Chopin como protesta nacionalista y para unir al pueblo polaco. Los nazis prohibieron más tarde todas las representaciones públicas de Chopin y destruyeron el principal monumento al compositor en Varsovia, una escultura de Chopin sentado bajo un árbol, que había sido erigida en 1926 en la entrada al Parque Łazienki.

En el mes de julio del año pasado 2025, en este blog hablamos sobre “la Polonesa” y de unas remembranzas que viajando en un avión llegaron a mi mente sin saber si tenían algo que ver con George Sand y con Chopin, una asociación misteriosa; en el avión donde sonaba el pianista Vladimir Ashkenasy, y yo recordaría…”Ahora eres tu quien cierras los ojos, te sientes otra vez patas arriba, regresas a la sala de tu casa y escuchas a tu madre interpretando la eterna polonesa de tu niñez, y como siempre, con Chopin, surgen ellas, tu madre en el piano y ese rostro, vago y confuso”…

Maracaibo, lunes 31 de agosto del año 2026

Hamnet y Chloé Zhao

 

Hamnet (2006) Es una película dirigida por Chloé Zhao y protagonizada por Jessie Buckley y Paul Mescal. Hamnet (2006) es un drama histórico basado en la novela de Maggie O'Farrell que narra la vida de Agnes y William Shakespeare y cómo la muerte de su hijo Hamnet inspiró la creación de Hamlet. En su testamento, Shakespeare llamó a su amigo Sadler "Hamlet" en vez de Hamnet, que era el nombre de su hijo y ese detalle daría origen a la teoría de que Hamlet (1599-1601) fue un homenaje al vástago perdido; las trágicas peripecias del príncipe de Dinamarca se adaptan a la vieja leyenda escandinava de Amleth. Llama la atención que hasta la muerte de su hijo Hamnet, las obras de Shakespeare eran comedias, pero las que compuso después –Hamlet, Noche de Reyes, Julio César, El mercader de Venecia, Rey Juan, Romeo y Julieta, La tempestad, El rey Lear, son sus grandes tragedias y en ellas hay padres que pierden a sus hijos...

La película dirigida por

Chloé Zhao, tiene en su elenco principal a Jessie Buckley, Paul Mescal, y Emily Watson y fue destacada con múltiples nominaciones en la temporada de premios. La película ficcionaliza la relación de pareja y el impacto del luto parental, pone el peso dramático en la figura de Agnes en lugar de centrarse solo en la vida pública de Shakespeare como dramaturgo. Para ello, explora la catarsis artística frente al dolor de la pérdida del hijo. Sería la atmósfera visual y el tono emotivo que propone la directora en esta adaptación, en Hamnet (2006) la película que, en lo personal, cuando yo pude verla por la televisión recuerdo que emocionalmente me impactó. Por ello, más que referirme al filme, quisiera hablar sobre la joven cineasta Chloé Zhao.

 

Chloé Zhao (nacida el 31 de marzo de 1982 en Pekín, China) es una cineasta china que inicialmente se dio a conocer por sus películas absorbentes y de gran perspicacia sobre viajes de autodescubrimiento ambientados en el oeste americano. Sus primeras películas exploran ciertos estratos de la sociedad estadounidense, incluyendo la vida en las reservas indígenas. Por Nomadland (2020), se convirtió en la primera mujer que reseñaron como “de color” en ganar el Premio Óscar a la mejor directora; su película, también ganó ese año el premio a la mejor película. Posteriormente, Zhao incursionó en otros géneros , incluyendo la acción basada en cómics Eternals [2021] y el drama de la época de Shakespeare Hamnet [2025].

La directora de cine Chloé Zhao ha declarado públicamente que es neurodivergente. Este diagnóstico lo reveló Chloé en octubre de 2025 durante el Festival de Cine de Londres, y explicó que su cerebro absorbe mucha información y se sobreestimula con facilidad ante ruidos o luces. Chloé usa su alta sensibilidad para notar la disonancia emocional y conectar mejor con los actores. Ella misma define esta neurodivergencia como una forma distinta de funcionar un verdadero superpoder de le ofrece curiosamente esta “disfuncionalidad”. 

Es interesante escuchar a Chloé hablando sobre cómo encuentra fuerza en su forma de procesar el mundo, pues ella ha declarado en varias entrevistas que es neurodivergente. Durante la promoción de su película Hamnet (2025) en el Festival de Cine de Londres, ella destacó su “neurodivergencia” explicando cómo le permite prestar especial atención a los estados emocionales subyacentes de los actores con los que trabaja y animarlos a expresar sus sentimientos con autenticidad en sus interpretaciones.

Zhao Ting nacio en Pekín, 31 de marzo de 1982, y es conocida como Chloé Zhao, es directora, productora y guionista china. Obtuvo un gran reconocimiento por su trabajo en el aclamado filme Nomadland (2020), por el cual recibió el premio a la mejor película y mejor dirección en la 93.ª entrega de los Premios Óscar, convirtiéndose en la segunda mujer en ganarlo. Adicionalmente ha ganado, dos Premios BAFTA, dos Globos de Oro, un Premio del Sindicato de Directores y tres Premios de la Crítica Cinematográfica. En diciembre de 2024, fue incluida en la lista de la BBC 100 Women.

Su padre, Zhao Yuji fue un exitoso ejecutivo del Grupo Shougang, una de las mayores empresas siderúrgicas estatales del país. Song Dandan, su madrastra, es una conocida actriz china que participó en varias comedias de situación, siendo especialmente famosa por su aparición en Home with Kids. Sus padres enviaron a Zhao Ting al Brighton College, Inglaterra en 1998 a la edad de 15 años. Más tarde, Zhao se mudó sola a Los Ángeles en el 2000, donde asistió a la escuela secundaria de Los Ángeles, y asistió a Mount Holyoke College, donde estudió ciencias políticas graduándose en 2005, y se apuntó a un programa de dirección de cine de la Universidad de Nueva York.

El primer cortometraje de Zhao, The Atlas Mountains, fue estrenado en 2009, y trataba sobre una mujer que desarrolla una relación breve pero apasionada con un trabajador inmigrante que viene a arreglar su computadora. En 2010, mientras estudiaba en la Universidad de Nueva York, estrenó otro cortometraje, Daughters, sobre una niña de 14 años que vive en la China rural, obligada a contraer un matrimonio concertado e intenta liberarse.^[  Ganó el primer premio en la categoría de cortometrajes de acción real estudiantiles en el Festival Internacional de Cortometrajes de Palm Springs de 2010 y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Cinequest de 2010.

Hizo su película debut con Songs My Brothers Taught Me, película que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015 como parte de la competición oficial de Estados Unidos El mismo año fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Cannes como parte de la Quincena de Cineastas. También fue nominada a la mejor película en los premios Independent Spirit Awards.. En 2017, dirigió The Rider, un drama western contemporáneo que sigue el viaje de autodescubrimiento de un joven vaquero después de que un accidente casi fatal pone fin a su carrera profesional como jinete. La película fue elogiada por ser un giro innovador al western, con la perspectiva de Zhao como inmigrante china que revitaliza el "género más antiguo”. Fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Cannes con el premio espeical "Art Cinema Award". Un año después, fue estrenada en cines el 13 de abril de 2018 por Sony Pictures Classics, fue aclamada por la crítica especializada.

A principios de 2018, Nomadland (2020) era un nuevo proyecto de Zhao,  Protagonizada y producida por Frances McDormand, y adapta del libro de no ficción de Jessica Bruder, Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century. Se filmó durante cuatro meses y las personas entrevistadas para el libro de Bruder se interpretaron a sí mismas. La película se presentó el 11 de septiembre de 2020 en el Festival Internacional de Cine de Venecia donde ganó el León de Oro y también en el Festival Internacional de Cine de Toronto donde ganó el Premio del Público. En septiembre de 2018, Marvel Studios contrató a Zhao para dirigir Eternals (2021), basada en los personajes de cómic del mismo nombre. La película sigue los eventos de la película de Marvel de 2019 Avengers: Endgame, presentando un nuevo equipo de superhéroes. Se estrenó el 5 de noviembre de 2021. Zhao es tanto el director como uno de los cuatro guionistas de la película. Eternals recibió críticas mixtas, en su mayoría negativas, aún así recaudó 161,7 millones de dólares durante su fin de semana de estreno y se convirtió en el número 1 en taquilla.

En 2021, fue anunciada una nueva adaptación de la famosa novela Drácula con guion y dirección de Zhao y bajo la producción de Universal Studios. En 2023, Zhao fue productora ejecutiva de The Graduates dirigida por Hannah Peterson. En abril de 2023, se anunció que Zhao dirigiría una adaptación cinematográfica de Hamnet. Se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2025, donde ganó el Premio del Público, convirtiendo a Zhao en la primera directora en ganar el Premio del Público del TIFF dos veces. En febrero de 2025, Zhao fue elegida para dirigir el piloto de la serie revival de Buffy the Vampire Slayer para Hulu;   sin embargo, en marzo de 2026, el proyecto fue cancelado tras la única grabación del primer episodio.

Maracaibo, el domingo 30 de agosto del año 2026

Tristana

 Tristana es una película de 1970 del director hispano-mexicano Luis Buñuel que fue candidata al Óscar de Hollywood, y su argumento  está basado en la novela homónima de Benito Pérez Galdós. Luis Buñuel, fue un genio del cine, como los verdaderamente grandes Kurosawa, Coppola, Mizoguchi, Bergman, Bresson, Malick, Antonioni, y Polanski. 

En realidad, Tristana, Nazarín y Halma (Viridiana en la película) son las tres novelas de Benito Pérez Galdós que Buñuel adaptó al cine. Tristana la película, pasó a ser uno de los proyectos largamente acariciados por Buñuel y constantemente aplazados. Hubo otras dos tentativas de realizarla: una en México en 1952, con Ernesto Alonso y Silvia Pinal al frente del reparto, y otra en 1962, que habría estado protagonizada por Rocío Dúrcal o Stefania Sandrelli. Tristana, supuso la vuelta a España, por segunda y última vez, de Luis Buñuel, tras el escándalo provocado por Viridiana.

El argumento de novela y película señala que la familia de Tristana es de Toledo y al morir sus padres, la niña es confiada a don Lope, un señor ya mayor. Incapaz de aceptar su caducidad como galán, Lope la seduce y Tristana se convierte en su amante desde los diecinueve años. A los veintiuno es considerada por él como su hija y su mujer. Ella le pide que la deje estudiar música y arte y se enamora de Horacio, un pintor que siente lo mismo por ella, y acaba yéndose a vivir con él en Madrid. En el filme, Catherine Deneuve es Tristana, Fernando Rey es Don Lope Garrido y Franco Nero es Horacio. Tristana sufre un cáncer en una rodilla y como consecuencia tienen que amputarle una pierna. Horacio, entonces pierde su interés y ella, quien vuelve a Toledo y se casa con don Lope que se enferma, y en una crisis nocturna, llama a Tristana para que le ayude, pero Tristana finge llamar por teléfono al doctor antes de abrir la ventana, cuando está nevando, para acelerar su muerte…

Así finaliza el filme de Buñuel, aunque en la novela el final no es trágico pues Tristana casada con don Lope por conveniencia, hecho que a ella le es indiferente, y encuentra una nueva afición: la repostería y Pérez Galdós, el autor, plantea que tal vez eran felices, como una probabilidad.

En febrero del año 2027 publicamos un artículo sobre la película Viridiana en este blog (lapesteloca) con el título de “Viridiana, la palma y el escándalo de Buñuel”. S

e daba la circunstancia de que en el 2017 ya se había cumplido más de medio siglo del estreno de Viridiana, la película con la que Luis Buñuel ganó en 1961, la Palma de Oro en Cannes, algo que jamás ha vuelto a repetirse. El mundo estuvo conmocionado y escandalizado porque se otorgaba la Palma de Oro y la ganaba una película española, Viridiana, un hito. El motivo del escándalo no era la nacionalidad del filme sino su contenido. Luis Buñuel, en la cima de su prestigio, no recogió el premio más importante del cine mundial porque estaba enfermo en París y en su lugar lo hizo el director general de cinematografía de la época, José María Muñoz Fontán, a quien la osadía le costó el puesto.

El palmares cinematográfico de Tristana el fime de Buñuel resulta ser este:

1-Premios San Jorge: Mejor película/ Ganadora.Mejor actor: Fernando Rey: Ganador.

2-Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo: Mejor interpretación (Lola Gaos).

3-Premios ACE (Nueva York): Mejor actor (Fernando Rey).^[

4-Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor película: ganadora, Mejor Director. Luis Buñuel: ganador. Mejor actor: Fernando Rey: ganador. 

5-Premios Fotogramas de Plata. Mejor intérprete del cine español: Fernando Rey: ganador.

6- Tristana fue también candidata nominada a los Premios Óscar de 1970.

En marzo del año 2020 hablamos en este blog, sobre el escritor don Benito Pérez Galdós (https://tinyurl.com/bdds7bcv ), hoy, estamos en 2026 en;

Maracaibo, el sábado 29 de agosto, 2026.

Elia Kazanjoglou

 

Elia Kazan (1909-2003) fue un director de cine estadounidense, de padres griegos y nacido en Turquía. A la edad de cuatro años se trasladó con su familia a Nueva York, donde cursó sus estudios primarios en la Mayfair School de New Rochelle y los estudios secundarios en el William College. Con veintiún años ingresó en la Universidad de Yale donde estudió arte dramático. Dos años más tarde, desempeñó todo tipo de trabajos en el Group Theatre hasta 1941. 

 

Kazan siempre se consideró como un forastero, casi un intruso, se percibía él mismo como un director fuera del sistema, él se sabía hijo de un vendedor de alfombras griego de Estambul que en 1913 instaló a su familia en Nueva York en busca de otro futuro. Su mayor momento de gloria llegaría en 1954, cuando con La ley del silencio consiguió ocho premios oscars, uno de ellos a la mejor dirección. 

 

Poco después, de salir del Group Theatre asumió la dirección de varias obras como Chrysalis, Men in White y Gold Eagle Guy. Desde 1941 su proyección teatral lo convirtió en uno de los referentes de la época. Tres años más tarde conseguiría el premio de la crítica por su puesta en escena de una obra de Thornton Wilder, The skin on our teeth. Su trayectoria cinematográfica como actor la inició en dos películas de Anatole Litvak (Ciudad de conquista, 1940 y Blues in the night, 1941). 

 

Debutó como director en 20th Century Fox con Lazos humanos (1945), un drama con el que obtuvieron el Oscar los actores James Dunn y la jovencísima Peggy Ann Garner. Se convirtió en uno de los mejores directores de actores que dio el cine estadounidense. En 1947 fundaría el Actor's Studio junto con Robert Lewis y Cheryl Crawford, un centro de formación que alcanzó con el tiempo un gran prestigio internacional. 

En su trayectoria cinematográfica, se suceden títulos siempre con comprometido con las realidades sociales. El justiciero (1947) sobre los errores judiciales; La barrera invisible (1948) sobre el antisemitismo, con Gregory Peck: un filme que le valió su primer Oscar como director, además de mejor película y mejor actriz secundaria.  En Pinky (1949) mostró la gravedad de los problemas raciales.

 

Los años relevantes en la carrera de Elia Kazan, fueron

precisamente los más controversiales, cuando el 10 de abril de 1952, le tocó vivir el peor momento de su vida al tener que presentarse ante el Comité de Actividades Antiamericanas donde delataría a varios compañeros de profesión. Poco antes había conseguido mostrar, con Pánico en las calles (1950), todo tipo de sugerencias sobre lo que suponía la iniciativa conocida como "caza de brujas" que había emprendido el senador Joseph McCarthy. En plena histeria anticomunista desatada a comienzos de los años cincuenta, Kazan denunciaría ante el Comité de Actividades Antiamericanas a algunos miembros del GroupTheatre. Otros muchos actores y directores participaron en la caza de brujas, la etapa más negra de la historia de Hollywood, entre ellos, Walt Disney, Ronald Reagan, Cecil B. DeMille y John Wayne, pero la traición de Kazan tuvo el mayor impacto cuando decidió nombrar a ocho miembros del Partido Comunista, al que él perteneció de 1934 a 1936.  

Kazan demostró una especial capacidad en la dirección de actores, inicialmente en Un tranvía llamado Deseo (1951), la adaptación de la obra de Tennessee Williams en la que Vivien Leigh, Marlon Brando y los actores secundarios y el decorado obtuvieron cuatro estatuillas de la Academia; después en ¡Viva Zapata! (1952), que supuso un Oscar para Anthony Quinn. En ambas películas Marlon Brando dio muestras de su calidad actoral y alcanzó su mayor éxito con La ley del silencio, en Hispanoamérica “Nido de ratas”(1954), sobre la corrupción de los sindicatos en los muelles de Nueva York. El filme es casi un manifiesto cinematográfico con el que Elia Kazan pretendió justificar su criticada actuación ante el Comité del Senado. La película obtuvo ocho premios Oscar, entre ellos, a la mejor película, al mejor director (el segundo en la carrera de Kazan) y al mejor actor, que recogió Brando por su papel de Stanley Kowalski. 

 

¡Viva Zapata! es una película de 1952 dirigida por Elia Kazan, donde Marlon Brando interpretó la vida del dirigente mexicano Emiliano Zapata, desde sus orígenes campesinos y su trayectoria revolucionaria hasta su muerte. Este filme de Hollywood estaba dirigido por un anticomunista (https://bit.ly/2EymPXe) durante el macartismo y la Guerra Fría, y quiso contarnos la historia de Zapata y la Revolución Mexicana, con sugerencias veladas sobre sobre el estado del gobierno en los Estados Unidos y sobre los peligros del comunismo. El guionista Steinbeck y el director Elia Kazan lograrían que la película valiese como una advertencia sobre la manera en la que los movimientos revolucionarios pueden ser tan corruptos y represivos como fueron los líderes que intentaron derrocar, aunque paralelamente y en blanco y negro, la película retrataría a Zapata como un indiscutible líder de la revolución mexicana.

Elia Kazan con Zanuck estudiarían numerosas fotografías que se habían tomado entre 1909 y 1919, en los años de la Revolución. Se dice que Kazan quedó impresionado con la colección fotográfica de Agustín Casasola e intentó recrear su estilo visual en el filme. Steinbeck hizo una investigación extensa sobre Zapata y también organizó entrevistas con miembros del movimiento zapatista para tratar de apegarse a la historia de la Revolución. En esa investigación, por ejemplo, Steinbeck descubrió evidencia que indicó que Zapata estaba casado con Josepha (Jean Peters).

 

Kazan se refugió, inmediatamente después, en dos películas sobre el enfrentamiento fratricida por el cariño paterno de dos adolescentes Al este del Paraíso (1955) y los primeros amores y frustraciones en Esplendor en la hierba (1961), también premiadas por la Academia. Su obra más personal fue, sin duda, América, América (1963), adaptación de la novela que escribió sobre la trayectoria vital de su familia en Estados Unidos.  Seis años después adaptó otra de sus novelas en El compromiso (1969), y finalizó su carrera con El último magnate (1976), una historia que condensa la compleja relación que mantuvo Kazan con la industria del cine estadounidense. Años antes confirmó que su actividad literaria mejoraba obra tras obra, pues completó su carrera con dos buenas novelas, Los asesinos (1972) y El monstruo sagrado (1974).

 

A sus 80 años, Elia Kazan publicó su autobiografía, cuya versión en castellano apareció con el título Mi vida, publicada por ediciones Temas de Hoy en 1990. En ella, Kazan no lamentaba su controversial delación y tan sólo decía sentir pena por los artistas e intelectuales que malgastaron su vida al servicio del comunismo. En el libro, Kazan cuenta su juventud de actor; sus experiencias como cofundador del Actor's Studio; el rodaje de sus películas; sus relaciones con James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Arthur Miller o John Steinbeck.

 

Kazan explicaría que la precisión en las fechas y los detalles de su autobiografía, procedían del hecho de que, a lo largo de toda su vida, había llevado un diario, ha recortado muchos periódicos y revistas y ha conservado las cartas que recibía y copia de las que escribía. “Mire usted, ahora es difícil creerlo, pero yo viví una época en la que si no apoyabas a los comunistas, eras considerado un fascista. Ese chantaje, esa gran presión a la que estaban sometidos los artistas e intelectuales, se producía en Estados Unidos y aún más en Europa. Mi verdadero acto horrible e inmoral no fue declarar ante el comité, sino los 17 años en que fui comunista”. Estas declaraciones aparecieron en la edición impresa de El País, España, el Lunes, 19 de febrero de 1990.

 

Nota: un artículo parecido, sobre este gran director de cine apareció en este blog, en agosto del año 2019, desde Missisagua, Ontario, Canada...

 

Hoy, en Maracaibo, el viernes 28 de agosto del año 2026