De bichos y otros seres…

 

Hieronymus van Aken dibujaba y pintaba seres fantásticos. Ya antes lo hemos comentado (https://surl.li/jtfpwa), y si queremos designarlos científicamente podríamos clasificarlos cómo “artrópodos” (insectos, arácnidos, miriápodos y crustáceos). Si quieren pueden también calificarlos, sencillamente como, bichos. 

Bien fuesen imaginarios o asignables a conceptos medievales como corresponderían ser los que pintaba van Aken, así fuesen arañas, escorpiones, pulgas, moscardones o simplemente “otros bichos” podemos tratar de darles nombre, y para orientarnos, o todo lo contrario, admirar sus colmenas, sus telarañas, y demás detalles de sus hábitat… Siempre cabría pensar que, esos bichitos pudiesen haber sido creados como curiosos seres que nacerían de la imaginación de Hieronymus van Aken, el pintor conocido en sus predios brabanzones como El Bosco.

Creo que fue el año 1954, en el cine, o teatro, “Estrella” de Maracaibo. ¿Cine o teatro? Es que era igual; así denominábamos a todos ellos y los atendíamos funcionando bajo el cielo estrellado o nublado, pero siempre al aire libre, requisito necesario para percibir la casi siempre refrescante y en ocasiones lluviosa, brisa marabina; con techo, solo eran el Baralt y el Victoria, el de la calle derecha a media cuadra de la Plaza Bolívar, todo fue así, y es inolvidable pues todavía el escuchar la notas de Nocturnal resonando en la voz de Alfredo Sadel, nos anunciaba que “ahora sí”, ya venía la película…

Siento que estaba divagando, pero así fue cuando nos llegó el momento y vimos “El monstruo de la laguna negra”. Aquella era una bestia en blanco y negro. Una que nadaba en aguas de Amazonas en aquel filme de Jack Arnold, con la hermosa Julia Adams y con Richard Carlson, quienes eran navegantes de un barco pesquero con el pintoresco nombre de Rita metido en los vericuetos de la Amazonía.

La historia dice que el productor William Alland asistía a una cena, en 1941 y durante el rodaje de Ciudadano Kane (en la que interpretó al reportero Thompson) cuando el director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa le habló de las historias míticas de los Yacuruna, una raza de criaturas mitad pez, mitad humanas que supuestamente habitaban el río Amazonas. Diez años después, Alland escribió unas notas para la historia tituladas "El monstruo marino", inspirándose en La Bella y la Bestia, y en diciembre de 1952, Maurice Zimm desarrolló esta idea y Harry Essex y Arthur Ross la reescribieron como La laguna negra. Tras el éxito de la película La casa de cera (en 3D) en 1953, Jack Arnold fue contratado para dirigir la película en ese mismo formato. 

La criatura de la laguna negra es una película estadounidense de 1954, y es de terror en 3D en blanco y negro. Fue producida por William Alland y dirigida por Jack Arnold de una historia de MauriceZimm. El filme fue protagonizado por Richard Carlson, Julia Adams, Richard Denning, Antonio Moreno, Nestor Paiva y Whit Bissell. Trata sobre un grupo de científicos que se encuentran con un humanoide anfibio con aspecto de pez en las aguas del Amazonas; la Criatura, también fue conocida como el Hombre Branquia, y fue interpretada por Ben Chapman en tierra y por Ricou Browning bajo el agua. Producida y distribuida por Universal-International, La criatura de la laguna negra se estrenó en Detroit el 12 de febrero de 1954

La película se filmó en tres dimensiones (3D) y se proyectó originalmente mediante el método de luz polarizada. El público usaba visores con filtros polarizadores grises, similares a los que se usan comúnmente hoy en día. Debido a que la breve moda del cine 3D de la década de 1950 alcanzó su punto máximo a mediados de 1953 y se desvaneció rápidamente a principios de 1954, muchos espectadores (nosotros incluidos) vieron la película en formato plano, en dos dimensiones (2D).

Ben Chapman interpretó al Hombre Branquia en la mayoría de las escenas filmadas en Universal City, California. El traje le impedía a Chapman permanecer sentado durante 14 horas al día, y además se sobrecalentaba con facilidad. Debido a estas dificultades, Chapman solía quedarse en el lago de los estudios, pidiendo con frecuencia que lo refrescaran con una manguera.  El casco le obstruía la visión, lo que provocó accidentalmente, que raspara la cabeza de Julie Adams contra la pared al cargarla en las escenas en una gruta. Ricou Browning el Hombre Branquia de las tomas submarinas, que fueron filmadas por la segunda unidad en Wakulla Springs, Florida. Durante el rodaje bajo el agua, Browning “supuestamente” aguantó la respiración hasta cuatro minutos seguidos.

Se ha hablado antes, de que fue aquel chapaleante monstruo en blanco y negro, quien había influido en Spielberg para crear su famoso tiburón “Jaws” y el mismísimo Fernando del Toro del reciente Frankenstein no había tenido ningún empacho en afirmar que la bestia de la laguna negra había sido su inspiración para el nuevo “monstruo” húmedo que crearía en “La forma del agua” su homenajeado filme del 2018. De manera que el mío no había sido un increíble hallazgo, o un descubrimiento al revisar los vericuetos de mi adolescencia cinéfila, puesto que lo del bicho de la “black lagoon” ya era antes conocido por muchos. 

Además, es que existe otra Black Lagoon. Es una serie de manga japonesa escrita e ilustrada por Rei Hiroe . Esa laguna se publica en la revista de manga seinen Monthly Sunday Gene X  de Shogakukan desde abril del año 2002, y sus capítulos se han recopilado en 13 volúmenes tankōbon hasta diciembre de 2023. En Norteamérica, Viz Media tiene la licencia para su publicación en inglés, y trata de cuatro mercenarios piratas que trafican mercancías en los mares del sudeste asiático con su lancha torpedera, la Laguna Negra.

Pero no podemos olvidar que hay otra… Existe la Laguna Negra situada en el Parque nacional Sierra Nevada, en el estado Mérida de Venezuela a una altitud de 3480 m s. n.m. Se localiza a varios kilómetros de la laguna de Mucubají, desde la que se accede por un sendero, y a unos 150 metros menos de altitud que la misma. La Laguna Negra es uno de los principales atractivos turísticos del estado Mérida. Llama la atención por su color oscuro. La laguna es de origen glaciar y ocupa un valle pequeño, en forma de "V". Es una de las más profundas de Venezuela, con una profundidad de hasta 24 metros. Recibe sus aguas de la quebrada La Corcovada y las vierte al río Santo Domingo, en dirección al Océano Atlántico.

Hasta aquí de bichos y lagunas por hoy.

En Maracaibo, el jueves 19 de marzo del año 2026

El Quijote de Terry Gilliam

El 30 de enero del 2016, en lapesteloca.blogspot.com, conversé sobre el don Quijote de Cervantes en el cine; como lo vieron los rusos, cuanto luchó con el personaje Orson Wells (https://bit.ly/1St69Ae) hasta que en una segunda parte (https://bit.ly/1WUikXm), hablaría sobre el Quijote de Terry Gilliam, un director de cine que nació exactamente un año después de mi fecha de natalicio (22/11/1939), y sobre las desventuras de este polifacético director de cine quien luchó durante 17 años para finalmente presentar en el Festival de Cannes 2018 la película “El hombre que mató a Don Quijote”, filme que recién logré ver, disfrutándolo  gracias a un “link” que me hizo llegar mi hijo Francisco Javier (Murmullo) quien es un cinéfilo, con Fernando mi hijo menor quien es chef de cocina en Madrid, y está hoy (18/03/2026) de cumpleaños!!

Les contaba que estaba yo reunido con dos de mis hijos y comenzamos todos, una quijotesca charla sobre el Quijote en el cine, tomándonos unas cervezas en el Centro Plaza de Caracas… Esto que hoy relato, sucedió un día de diciembre del año 2015. Hoy en 2026, quiera hablar sobre el director de cine de varias de mis películas favoritas y pongo a El pescador de ilusiones  con el genial Robin Williams como ejemplo.

Terrence Vance Gilliam ( 22 de noviembre de 1940) es un actor y director de cine, reconocido por haber sido uno de los miembros del grupo humorístico británico Monty Python. Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, exactamente un año después de mi nacimiento en Maracaibo, y estudió Ciencias Políticas en California, aunque su infancia transcurrió en la comunidad rural de Medicine Lake. En 1951 se trasladó con su familia a California. Su padre era carpintero, y aficionado a la magia, afición que adoptó su hijo quien escondía sus sentimientos, detrás de sus dibujos. A los 14 o 15 años, al ver una película de Kubrick (Senderos de Gloria) sobre la injusticia de la guerra, tuvo una auténtica epifanía, pues descubrió que el cine tenía poder, para decir algo y que valía la pena escuchar.

Sentía una gran afición por el dibujo, y una especial admiración hacia Disney y leía muchos cómics, le gustaban las ilustraciones clásicas, las caricaturas y tiras cómicas de los periódicos especialmente la publicación MAD, un cómic por aquel entonces, que se volvería MAD Magazine unos años después, dando forma al particular imaginario y estilo humorístico, satírico y sarcástico de Terry Gilliam. Fue a la Occidental College, empezando a estudiar Física, cambiándose más tarde a Arte y terminó por graduarse en Ciencias Políticas. Se vio encargado de la revista Fang de la universidad, creando un cómic de gags y con dibujos satíricos copiando el estilo de la revista de humor de ámbito nacional, Help! Pagaba sus estudios con pequeños trabajos hasta que consiguió un trabajo como drama coach en un campamento selecto para niños de Hollywood donde experimentó con el mundo del teatro y de la producción teatral realizando algunos sketches que más tarde daría lugar a una enorme reflexión sobre la posible compatibilidad entre esta nueva pasión y su compromiso político, la cual es evidente en su filmografía. 

 

Marchó rumbo a Nueva York con el fin de trabajar en algo similar, y se vio encargado de gran parte de la revista, Help! A la que tanto había admirado y trabajó junto a su ídolo como su mano derecha. Gilliam y el británico John Cleese en un trabajo para una de las historietas al estilo fotonovela. Durante su estancia en Nueva York, vivió en una pequeña habitación cerca de la Universidad de Columbia, con una “cucaracha mascota”. Realizó muchos dibujos sobre la lucha de los derechos civiles y caricaturas políticas, en una América que estaba en constante cambio y que se enfrentaba a la Guerra de Vietnam. Help! empezó a tener serios problemas financieros, así que Gilliam decidió dejar su puesto e irse una temporada a Europa. Viajó por todo el continente: Turquía, España, Italia, Francia... e incluso pasó un tiempo en Marruecos. 

 

Regresó a Estados Unidos en 1966 y se mudó a Los Ángeles. El movimiento hippie y antibélico en aquellos años estaba tomando una importancia considerable, y el país estaba enfrentado entre los belicistas conservadores de pelo corto y los pacifistas “traidores” de pelo largo. Gilliam sufrió varios incidentes durante los cuales sufrió agresiones o amenazas debido al largo de su cabello. Esta inseguridad constante, sumado a su experiencia durante una manifestación pacífica frente al Hotel Century Plaza (1967) que él estaba cubriendo como fotógrafo junto con su novia Glenys Roberts, una periodista de origen inglés, donde los policías agredieron a los manifestantes injustificadamente, y fueron detonantes para que dejase el país de forma definitiva y emigrase a Londres. 

 

Al llegar a Gran Bretaña lo primero que hizo fue vender un par de sketches cómicos que había escrito, pero luego pasó a hacer caricaturas para el programa We Have Ways of Making You Laugh, usando la técnica de la animación cut out, y a partir de entonces fue haciendo animaciones para diversos programas desarrollando su técnica, tomando imágenes de sus contextos originales y creando nuevas piezas en un marco lo más bizarro posible. Trabajó también con Marty Feldman, para la BBC, en It’s Marty, haciendo unas animaciones. El 5 de octubre de 1969 se estrenó, en la BBC, Monty Python’s Flying Circus, un programa humorístico de sketches en el que Terry Gilliam actuaba y se encargaba de las animaciones. La intención de Monty Python era experimentar y romper con todos los códigos previamente establecidos que consideraban aburridos. Terry Gilliam era el menos conservador de entre todos los Monty Python’s, quienes eran más gentiles y menos violentos. Las animaciones cómicas de Terry Gilliam eran totalmente surrealistas y humorísticas, en las que aparte de focalizar el interés en los movimientos de las figuras también se daba especial importancia al sonido, que era grabado y añadido por el mismo Terry Gilliam.

 

Su primera película como director fue Monty Python and the Holy Grail. Sus películas, de estilo surrealista están marcadas por viajes en el tiempo; (Time Bandits, el éxito de la cual, le convirtió en director A-List o de primera línea en Hollywood, Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación, como Brazil, que logró cierto interés en el circuito Europeo aunque fue rechazado en el estadounidense, logrando proyectarlo finalmente en salas resultó ser un fracaso en taquilla, pero un triunfo personal para Terry Gilliam, que había logrado distribuir una película de autor, no convencional, en el sistema de estudios de Hollywood. La mayor parte de sus películas se sitúan en el punto donde la realidad se encuentra con el mito o la fantasía.

Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada) (1975); Jabberwocky (La bestia del reino) (1977);Time Bandits (1981); The Crimson Permanent Assurance, cortometraje incluido en *The Meaning of Life (El sentido de la vida) (1983); Brazil (Brasil) (1985); Las aventuras del barón Munchausen (1989); El rey pescador (Pescador de ilusiones) (1991); Twelve Monkeys (Doce monos) (1995); Fear and Loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) (1998); The Brothers Grimm( Los hermanos Grimm) (2005); Tideland (2005);The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009);The Zero Theorem (2013);El hombre que mató a Don Quijote (2018).

 

La mayor parte de sus películas se sitúa en el punto en que la realidad se encuentra con el mito y la fantasía. En ellas no solo refleja su profunda inquietud política y social, sino también la ambivalencia de la relación entre lo rural y lo urbano. Aunque consideraba la ciudad el refugio de la cultura y el arte, la veía también como una conspiración del hombre para oscurecer y distorsionar la visión del mundo natural, que él concebía como el centro de la imaginación

Maracaibo, miércoles 18 de marzo del año 2026

El Juicio final de Miguel Ángel

¿Sabías que una película blanca de sal prácticamente invisible afectaba el fresco ‘El Juicio Final’ de Miguel Ángel?   Desde la última restauración, en la Capilla Sixtina, hace 30 años, no había sido revisado el estado de este mural, hasta que hace poco tiempo, cuando percibieron que necesitaba una restauración urgente. 

La Capilla Sixtina se construyó en la Ciudad del Vaticano durante el papado de Sixto IV al norte de la Basílica de San Pedro y se completó hacia el año 1481. Sus muros fueron decorados por numerosos pintores renacentistas considerados de los más importantes de la Italia del siglo XV, entre ellos Ghirlandaio, Perugino y Botticelli. ​ La decoración de la Capilla mejoró bajo el gobierno del papa Julio II gracias a las pinturas de la bóveda hechas por Miguel Ángel entre 1508 y 1512 y con la pintura del Juicio Final, también obra de Miguel Ángel, encomendada por el papa Clemente VII y terminada en 1541. ​ Los tapices del nivel inferior, hoy conocidos como Cartones de Rafael, hechos entre 1515–16, completaban el conjunto.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina fueron objeto de numerosas intervenciones previas al proceso de restauración que empezó en 1480. Los problemas con la bóveda parece que empezaron con la penetración de agua a través de la planta superior. Hacia 1547 Paolo Giovio escribió que el techo parecía estar siendo dañado por salitre y grietas. El efecto del salitre es hacer que aparezca una eflorescencia blanca. Gianluigi Colalucci, jefe de restauración del Laboratorio para la Restauración de Pinturas de los Monumentos Papales, comentó en su ensayo Los colores de Miguel Ángel redescubiertos​ que los primeros conservadores trataron el problema aplicando aceita de linaza o de nuez, que hacían que los depósitos de salitre se volvieran más transparentes.

En 1625, Lagi, el "dorador residente", llevó a cabo una restauración limpiando el techo con telas de lino y frotándolo con trozos de pan. Incluso usó pan húmedo para eliminar las suciedades más persistentes. Sus reportes afirman que los frescos "se restauraron hasta recobrar su belleza previa sin recibir ningún daño". Colalucci señala que Laggi aplicó "casi con seguridad" capas de barniz para revitalizar los colores pero que no lo menciona en sus informes con la intención de "preservar los secretos de su oficio".

Entre 1710 y 1713 se llevó a cabo una restauración más de la mano del pintor Annibale Mazzuoli y su hijo. Usaron esponjas humedecidas con vino griego, ya que según Colalucci era necesario por la acumulación de mugre por el hollín y la suciedad que habían quedado atrapados en los depósitos grasientos de la restauración previa. Mazzuoli trabajó toda la bóveda, de acuerdo con Colalucci, fortaleciendo su contraste al repintar algunos detalles. También repintaron algunas áreas cuyos colores se habían perdido por culpa de la eflorescencia de las sales. Las áreas repintadas fueron tratadas con pinceladas lineales. Colalucci menciona que Mazzuoli también aplicó una buena cantidad de barniz. La restauración se centró en la bóveda y le dio menos importancia al resto del esquema, como las lunetas.

La penúltima restauración fue llevada a cabo por el Laboratorio de Restauración del Museo Vaticano entre 1935 y 1938. El objetivo del trabajo era consolidar algunas áreas del intonaco (una capa de los frescos) en el extremo este del edificio y eliminar parcialmente el hollín y la suciedad.

En conjunto, estas pinturas conforman el más grande esquema pictórico del Renacimiento. Tomadas individualmente, algunas de las pinturas de Miguel Ángel de la bóveda están entre las obras de arte occidental más notables jamás creadas. Los frescos de la Capilla Sixtina, y en especial la bóveda y las lunetas de Miguel Ángel, han sido objeto de numerosas restauraciones, siendo la más reciente de ellas entre 1980 y 1994.

La restauración integral anterior, realizada entre 1979 y 1999, eliminó siglos de hollín, suciedad y cera. El Vaticano dejó fragmentos sin tratar para mostrar la diferencia con el fresco limpio. Estos restos, visibles en los pisos superiores del andamiaje actual, exhiben una superficie casi ennegrecida. Ahora que el Vaticano impulsa alternativas para resguardar sus tesoros artísticos ante los efectos del clima y la multitud de visitantes, el proceso de restauración, permitió revelar colores y formas originales del mural renacentista la obra maestra de Miguel Ángel.

El Vaticano comenzó, una operación de limpieza sobre ‘El Juicio Final’ de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, ubicada en la Ciudad del Vaticano, en un trabajo que consistía en eliminar la película blanca de sal que afectaba el fresco en un proceso que se realizó sobre un andamio instalado desde el suelo hasta el techo el cual  permitiría que los visitantes siguiesen accediendo al lugar, aunque solo podrían ver una reproducción de la obra en una pantalla protectora.

El responsable del equipo científico, Fabio Moresi, explicó en el portal de noticias de The Associated Press, que la limpieza responde a la acumulación de sal causada por la interacción entre el sudor de los visitantes y los materiales de la pared y que es el ácido láctico, emitido por las personas, que al reaccionar con el carbonato de calcio del fresco, produce la película descrita  intensificada por el cambio climático, un fenómeno donde el aumento de la temperatura y la humedad incrementa la sudoración de los espectadores y la formación de la película salina.

El trabajo del equipo de restauradores, consistió en aplicar minuciosamente hojas de papel de arroz japonés empapadas en agua destilada sobre el mural para retirar la sal sin dañar la pintura. La directora de los Museos Vaticanos, Bárbara Jatta, describió la película como una “catarata” fácil de eliminar, y afirmo que el público podrá apreciar el resultado una vez que finalice el proceso de restauración y técnicas de limpieza en la Capilla Sixtina, previsto para la primera semana de abril.

La intervención en ‘El Juicio Final’ emplea métodos manuales que resaltan la diferencia entre las áreas tratadas y las zonas aún cubiertas por la sal, y desde el andamio, los expertos observan cómo los colores y detalles originales reaparecen tras la limpieza, en contraste con las partes blanquecinas que permanecen sin tratar. El cabello de Jesús y las heridas de la crucifixión vuelven a destacarse en el centro del fresco.

De acuerdo con la información oficial, este procedimiento no ha alterado la rutina de visitas a la Capilla Sixtina. Los turistas encuentran una reproducción digital del mural mientras el andamio bloquea la vista directa de la obra. La Capilla Sixtina recibe su nombre del Papa Sixto IV, quien promovió la construcción del edificio en el siglo XV. El Papa Julio II encargó a Miguel Ángel la pintura del techo entre 1508 y 1512, y el Papa Clemente VII solicitó en 1533 la realización del mural de ‘El Juicio Final’.

 

Los frescos de la Capilla Sixtina reciben limpiezas anuales. Los restauradores trabajan por la noche con plataformas elevadoras, que se retiran cada mañana. Sin embargo, la ubicación de ‘El Juicio Final’ detrás del altar, sobre una escalera de mármol, impide el acceso completo con equipos móviles. Por ese motivo, los técnicos instalaron un andamio fijo para abordar la totalidad del mural. El nuevo tratamiento busca preservar la integridad de la pintura y evitar daños futuros. 

Maracaibo, martes 17 de marzo, del año 2026

 

 

De las orgías entre insectos…

Sobre este curioso asunto ya algo hablamos en el blog a mediados del 2024 cuando relatamos como algunas cigarras (Cicadidae) insectos del orden Hemíptera, y le decía que su canto que es entonado por los machos para atraer a las hembras, es producido por un aparato llamado estridulatorio situado en los costados del primer segmento abdominal, compuesto de membranas quitinosas llamadas timbales y sacos con aire, que funcionan como cajas de resonancia, los cuales emiten cada especie un sonido propio característico.

 

Lo curioso es que estas cigarras, son insectos que pueden transformarse en zombies… Esta es una historia donde existen unas “orgías entre los insectos” y sabemos que son provocadas por hongos alucinógenos y anfetaminas. Estas son las únicas responsables de “el relajo” que se provoca entre estos insectos ya zombificados… Millones de cigarras emerjan del suelo en la primavera, y se sabe que, al menos en los Estados Unidos, muchos de estos estridulantes insectos tendrán la desgracia de ser huéspedes involuntarios de un hongo, la Massopora. Este hongo Massopora,  es de la familia de los Entomophthoraceae, y se ubica dentro del orden Entomophthorales de los Zygomycotas, pero va a devorar por dentro a las cigarras mientras las convertirá en zombis enloquecidos por el sexo.

 

El Massopora es un zygomiceto, especie patógena obligada, de transmisión sexual, que infectará a las cigarras  adultas en todo el mundo y al menos dos especies del hongo van a producir compuestos psicoactivos durante la infección. En las cigarras cicadinas, se produce catinona, y la Massospora platypediae y la Massospora levispora, producen psilocibina, un alcaloide triptamínico que en el cuerpo se metaboliza en psilocina, un compuesto psicodélico que es responsable del efecto psicoactivo de ciertos hongos comestibles.

 

Massospora cicadina utiliza un par de compuestos químicos que son las que modifican el comportamiento de las cigarras hasta convertirlas en enloquecidos zombis sexuales. Tras analizar la bioquímica de mil compuestos químicos presentes en poblaciones infestadas, hallaron un alcaloide típico de plantas y una sustancia química psicoactiva que se encuentra en los hongos alucinógenos. El alcaloide derivado de las plantas es la catinona, un compuesto similar a la efedrina, el precursor bioquímico de las anfetaminas. Es interesante porque este podría ser el primer ejemplo de una catinona producida dentro de un organismo que no sea una planta. En cuanto al alucinógeno, se trata de psilocibina, el compuesto psicodélico en los hongos mágicos mexicanos. 

Saber cómo las cigarras incorporan esas sustancias a su metabolismo y por qué las enzimas responsables de la síntesis de ambos estimulantes cerebrales no aparecen en el análisis bioquímico de los insectos atacados ha sido un grave inconveniente para los investigadores. Fungal Ecology ha revelado que Massospora cicadina produce un par de compuestos químicos que modifican el comportamiento de las cigarras hasta convertirlas en enloquecidos zombis sexuales.

Muchos parásitos de animales, para favorecer la transmisión de las plagas pueden modular el comportamiento de los mismos, y cada parásito posee rasgos adaptativos que maximizan la dispersión de sus esporas en un proceso que se interpreta como un “fenotipo extendido” del propio parásito. El término entomopatógenos se refiere a los microorganismos capaces de causar una enfermedad al insecto plaga, conduciéndolo a su muerte después de un corto período de incubación.

 

En la revista Fungal Ecology, hay un artículo sobre Massopora y las cigarras, donde un grupo de científicos estadounidenses demuestran cómo han presentado nuevos detalles sobre este hongo que obliga a sus hospedantes, las cigarras, a unos escalofriantes simulacros de apareamiento en los que los cuerpos momificados de los insectos, terminan desprovistos de sus genitales por el ataque del hongo…

Desde 1879, cuando se describió por primera vez en el informe anual del Museo de Historia de Natural de Nueva York, poco a poco se han acumulado detalles de los espectáculos de terror que implica la difusión de las esporas del hongo Massopora cicadina y ellos aparecen en libros especializados. Poco a poco se han acumulado detalles de cómo se contaminan los insectos y de cómo, una vez infestados, transmiten las esporas de su infectante mediante unas cópulas desenfrenadas y estériles para ellos, pero esenciales para que el parásito complete su ciclo de vida. “Se desconoce el mecanismo por el cual Massospora induce comportamientos femeninos en cigarras masculinas infectadas. Los machos con infecciones productoras de conidias exhiben comportamientos sexuales dirigidos a ambos sexos al aletear adicionalmente en respuesta a las llamadas de otros machos”; estos detalles los describieron los autores en un informe de la investigación publicada en la revista PLOS Pathogens.

El enigma es ahora saber cómo las cigarras incorporan esas sustancias a su metabolismo, porque las enzimas responsables de la síntesis de ambos estimulantes cerebrales no aparecen en el análisis bioquímico de los insectos atacados. Es posible que hayan evolucionado en los hongos para mantener bajos los apetitos alimenticios de sus hospedantes y así provocar que estos se concentren en satisfacer las apetencias sexuales mediante una prolongada orgía que solamente sirve para propagar la plaga…

En unas cuantas cigarras la infección es muy severa cuando las esporas se fijan en el abdomen, de los machos y de las hembras. Los machos además de los comportamientos normales de apareamiento, los machos comienzan a agitar las alas tal y como hacen las hembras. Este comportamiento femenino atrae otros machos que intentarán aparearse con ellos, caen en una cópula inane de la que salen cargados con las esporas del hongo. Los despechados y sexualmente enardecidos machos van en busca de hembras verdaderas. Se aparean y les transmiten los conidios que ellas, a su vez, transmitirán a los machos no afectados que intenten fecundarlas. Las esporas se multiplican una y otra vez en el interior de todas las cigarras infectadas hasta llenar poco a poco la cavidad del abdomen donde se encuentran los órganos sexuales. Llega un momento en el que el abdomen se colma por completo y, se darán, explosiona liberando una nube de esporas del hongo que emergen como una masa blanquecina.

El hongo Massopora , que contiene sustancias químicas alucinógenas, infecta a las cigarras hasta el punto de convertirlas en una suerte de muertos vivientes promiscuos. El hongo que transforma a cigarras en zombies sin genitales que buscan aparearse con todo. El hongo Massopora hace que las cigarras pierdan sus extremidades inferiores, los genitales y que los machos deseen aparearse con todo lo que pasa por su camino. Pese a no tener órganos sexuales los machos desarrollan conductas hipersexuales, intentando aparearse con todo lo que encuentran a su paso. "Son zombies en el sentido de que el hongo tiene el control de sus cuerpos. Los adultos infectados mantienen o aceleran la actividad normal del huésped durante la reproducción del hongo, lo que permite una dispersión rápida y generalizada antes de la muerte del huésped",

En el planeta hay más de 180 especies de hongos que contienen sustancias que actúan sobre el sistema nervioso, como la psilocibina. La psilocibina es producida naturalmente por alrededor de 200 especies de hongos, incluyendo los del genero Psilocybe como el Psilocybe cubensis  Psilocybe como P. cubensis P. semilanceata  y P. cyanescens.  El químico suizo Albert Hofmann purificó el principio activo de la psilocibina desde el hongo Psilocybe mexicana y desarrolló un método sintético para producir la droga.

Los zombis están inspirados en los personajes de George A. Romero (1940-2017), director de cine, guionista y actor estadounidense famoso por sus películas relacionadas con muertos vivientes, donde critica varios aspectos de la sociedad contemporánea. El filme Zombi, relata en 1978, una epidemia que hace resucitar a los muertos convertidos en seres ávidos de carne humana. Continuación del clásico de horror de George A. Romero, es "La noche de los muertos vivientes" (Night of the Living Dead) del año 1968. La última película de Romero en el mundo zombie fue La reencarnación de los muertos (Survival of the Dead, 2009), que continuó la narrativa al explorar las luchas entre humanos y zombies en una isla remota.

En Maracaibo, el lunes 16 de marzo del año 2026

Bernardo Bertolucci

 

Antes de comenzar con el cineasta Bernardo, destacaré que hoy estamos celebrando el cumpleaños de mi hijo, Pablo Antonio García Escorihuela. Activo productor deportivo de  CNN en Español – Sports – en Miami-Fort Lauderdale y alrededores de la Florida, en USA.

Bernardo Bertolucci (1941-2018) fue un director de cine y guionista/italiano, conocido por filmes El conformista, El último tango en París, Novecento (1976), The Sheltering Sky, Belleza robada y Soñadores. En El último emperador (1987)ganó el Óscar al mejor director y Óscar al mejor guion adaptado. En reconocimiento a su trabajo, fue galardonado con la primera Palma de Oro honoraria en la ceremonia de inauguración del Festival de Cannes 2011.

Bertolucci nació en Parma, en la región italiana de Emilia-Romaña. Era el hijo mayor de Attilio Bertolucci, un poeta e historiador del arte, antólogo y crítico de cine, y de Ninetta Giovanardi, una maestra quien nació en Australia, de padre italiano y madre irlandesa. ​ Bernardo fue criado en un ambiente artístico y comenzó a escribir a la edad de quince años. Tempranamente recibió varios prestigiosos premios literarios, incluido el Premio Viareggio por su primer libro.

Bertolucci padre había ayudado al cineasta italiano Pier Paolo Pasolini a publicar su primera novela, y Pasolini le correspondió al contratar a Bertolucci como primer asistente en Roma para el filme Accattone (1961). Bertolucci tenía un hermano, el director de teatro y dramaturgo Giuseppe (1947-2012). Su primo fue el productor de cine Giovanni Bertolucci (1940-2005), con quien trabajó en varias películas.

Bertolucci inicialmente deseaba convertirse en poeta como su padre y asistió a la Facultad de Literatura Moderna de la Universidad de Roma La Sapienza de 1958 a 1961. Cuando comenzó su carrera cinematográfica como asistente de dirección de Pasolini, Bertolucci dejaría la universidad sin graduarse. En 1962, a la edad de 22 años, dirigió su primer largometraje, producido por Tonino Cervi con un guion de Pasolini, llamado La commare secca (1962). La película un misterio de asesinato, tras el homicidio de una prostituta y Bertolucci usa analepsis para reconstruir el crimen y el asesino. Poco después dirigiría la Prima della rivoluzione (1964).

En 1972 Bertolucci causó controversia con la película El último tango en París, protagonizada por Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud y Massimo Girotti. Las representaciones de Schneider, entonces de 19 años, fueron consideradas como explotadoras. En una escena, Paul viola analmente a Jeane usando mantequilla como lubricante. Tras el escándalo que rodeó el estreno de la película, Schneider se convirtió en drogadicta y suicida, aunque más tarde se convirtió en defensora de los derechos de las mujeres. Hubo procesos penales contra Bertolucci en Italia; la película fue secuestrada por la comisión de censura y todas las copias fueron ordenadas destruidas. Un tribunal italiano le impuso una condena de prisión que fue suspendida a cuatro meses.

Bertolucci aumentó su fama con sus próximas películas, desde Novecento (1976), una representación épica de las luchas de los agricultores en Emilia-Romaña desde principios del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial con un elenco internacional (Robert De Niro, Gérard Depardieu, Donald Sutherland, Sterling Hayden, Burt Lancaster, Dominique Sanda) a La luna, ambientada en Roma y en Emilia-Romaña, en la que Bertolucci trata el problema de las drogas y el incesto, y finalmente La tragedia di un uomo ridicolo (1981), con Ugo Tognazzi. Luego escribió dos guiones basados en Cosecha roja de Dashiell Hammett. Esperaba que esta fuera su primera película ambientada en Estados Unidos, pero nada resultó de eso.

En 1987, Bertolucci dirigió la epopeya El último emperador, película biográfica que cuenta la historia de la vida de Aisin-Gioro Puyi, el último emperador de China. La película utiliza la vida de Puyi como un espejo que refleja el paso de China del feudalismo a través de la revolución a su estado actual. La película fue producida productor británico Jeremy Thomas, con quien Bertolucci trabajó casi exclusivamente a partir de ese momento. Bertolucci, quien coescribió la película con Mark Peploe, ganó el Óscar al mejor director en la 60ª edición de los Premios de la Academia, además de ganar los nueve Óscars por los que fue nominada.

El último emperador fue el primer largometraje autorizado por el gobierno de la República Popular China para filmar en la Ciudad Prohibida. Bertolucci había propuesto la película al gobierno chino como uno de los dos proyectos posibles. La otra película fue una adaptación de La condición humana de André Malraux. El gobierno chino prefirió El último emperador.^]​ Después, el director regresó a Italia para filmar, así como a sus viejos temas, con resultados variables tanto de la crítica como del público. Filmó Belleza robada en 1996, y luego Soñadores en 2003, que describe las pasiones políticas y la revolución sexual de dos hermanos en París en 1968. En 2007, recibió el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia por el trabajo de su vida, y en 2011 también recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

En 2012, su última película, Io e te, se proyectó fuera de concurso en el Festival de Cannes 2012, y se estrenó a principios de 2013 en el Reino Unido. La película es una adaptación del libro Io e te para jóvenes adultos de Niccolò Ammaniti. El guion de la película fue escrito por el propio Bertolucci, Ammaniti y Umberto Contarello. En la primavera de 2018, en una entrevista con la edición italiana de Vanity Fair, Bertolucci anunció que estaba preparando una nueva película. Dijo: «El tema será el amor, llamémoslo así. En realidad, el tema es la comunicación y, por lo tanto, también la incomunicación. El tema favorito de Michelangelo Antonioni y la condición a la que me encontré cuando me fui de mis películas para unos pocos, los de los años sesenta, a un cine más amplio, listo para un gran público».​

Bertolucci era ateo. En 1968 se afilió al Partido Comunista Italiano. Era un marxista profesante y, como Luchino Visconti, que de manera similar contrató a muchos artistas extranjeros a fines de la década de 1960, Bertolucci utilizó sus películas para expresar sus puntos de vista políticos; de ahí que sean a menudo autobiográficas y altamente controvertidas. Sus películas políticas fueron precedidas por otras revaluando la historia. El conformista (1970) criticó la ideología fascista, abordó la relación entre la nacionalidad y el nacionalismo, así como las cuestiones del gusto popular y la memoria colectiva, todo en medio de un complot internacional de Benito Mussolini para asesinar a un profesor de filosofía políticamente izquierdista en París. Novecento también analiza la lucha de izquierda y derecha.

El 27 de septiembre de 2009, Bertolucci fue uno de los firmantes del llamamiento al gobierno 

suizo para liberar a Roman Polanski, quien estaba detenido mientras esperaba ser extraditado a los Estados Unidos. En Twitter, el 24 de abril de 2015, Bertolucci participó en whomademyclothes, la campaña antiexplotación que conmemora el colapso del edificio Savar 2013, el accidente más letal en la historia de la industria de la confección. Bertolucci murió de cáncer pulmonar en Roma el 26 de noviembre de 2018, a la edad de 77 años.

Maracaibo, domingo 15 de marzo del año 2026