Tormenta de ideas

El Proyecto Brainstorm es una película de ciencia ficción de 1983 que fue dirigida por Douglas Trumbull e interpretada por Christopher Walken y Natalie Wood, quien murió inesperadamente durante aquella filmación, lo que alteró completamente la trama original del filme que trataba de un grupo de científicos quienes inventaron un casco para detectar los pensamientos, sentimientos y sensaciones del que lo usa, grabarlos, y que otra persona los reciba.

El título de la película sugería una lluvia o, también podría llamarse tormenta de ideas, (en inglés brainstorming) que bien puede resultar igualmente una técnica de grupo para generar ideas originales en un ambiente creativo. Como herramienta ya fue ideada desde el año 1939 por Alex Faickney Osborn un publicista que se convirtió en un teórico de la creatividad, e inventó el Brainstorming, tormenta o lluvia de ideas y un método de Solución Creativa de Problemas, un proceso interactivo de grupos que generaban más y mejores ideas que las que los individuos podían producir trabajando de forma independiente.

La película es del año 83 y trata de un casco y del gobierno y el ejército que tratan de apoderarse del invento para aplicaciones bélicas, con la idea de poder hacer “lavados de cerebro”. En la evolución de la tecnología, hoy día (2026) existen los llamados “cascos de realidad virtual para PC (PCVR) que permite conectar unas gafas a una computadora para disfrutar de juegos y simuladores con gráficos avanzados. Las opciones principales del mercado actual como Meta Quest 3 y Meta Quest 3S muy versátiles y con conexión por cable o Wi-Fi, puede ser a PlayStation VR2 (con adaptador para PC), Valve Index (enfocado en precisión), y visores de alta gama como Pico 4 o HTC Vive Pro, etc, etc…  La realidad virtual (RV) es una experiencia simulada que hace uso de un casco de realidad virtual y sensores de posición, para dar al usuario la sensación de estar inmerso en un mundo virtual. Las aplicaciones de la realidad virtual incluyen el entretenimiento (en particular los videojuegos), la educación (como la formación médica, de seguridad o militar), la investigación y los negocios (como las reuniones virtuales).

La película de Douglas Trumbull, de cierta manera se adelantaba a la ya conocida “realidad virtual” pero realmente la inspiración para el filme “Proyecto Brainstorm” nació de los trabajos del doctor Stanislav Grof(1931), un psiquiatra checo que vive en Estados Unidos desde 1960 y quien fue uno de los fundadores de la psicología transpersonal; investigador pionero en el uso de “los estados alterados de conciencia con los propósitos de sanación, crecimiento e introspección”. Grof recibió el premio VISION 97 concedido por la Fundación de Dagmar y Vaclav Havel, en Praga, el 5 de octubre de 2007.  Stanislav Grof estuvo viviendo en Checoslovaquia y después en Estados Unidos cuando estuvo investigando reproducir los efectos beneficiosos del LSD y desarrolló técnicas de respiración, musicales, usando imágenes, todo esto llevaba a una experiencia muy profunda. Estos conocimientos están en las llamadas 'Las cintas de George Thandorz', con técnicas para hacer llegar al espectador a un estadio superior de entendimiento".

 

Stanislav Grof  fue el presidente fundador de la Asociación Transpersonal Internacional (International Transpersonal Association -ITA-), fundada en 1977, llegó a ser distinguido como miembro adjunto de facultad del departamento de filosofía, cosmología y conciencia en el Instituto de Estudios Integrales de California, cargo que mantiene hasta el día de hoy en 2026.

 

La realidad virtual (RV) simula mundos digitales interactivos mediante visores especiales. Se aplica con éxito en medicina, educación, industria, psicología y justicia para entrenar personal, tratar pacientes o recrear escenarios complejos de forma segura y realista. Debido al crecimiento latente es predecible que llegue a cubrir otras industrias. La realidad virtual ha sido un tema relevante para el sector cinematográfico, que en algunas películas se han basado en ella o en aditamentos similares.

 

The Matrix (1999): Neo, un habilidoso hacker, descubrirá que su mundo es una mentira, y que junto al resto de los humanos, está conectado a una simulación digital: Matrix, la caul ha sido creada por unas máquinas, que se valen de los humanos para seguir funcionando. Conocedor de la verdad, Neo deberá enfrentarse a “los Agentes”, que son los programas que atrapan a aquellos que han descubierto la verdad preocupante frente a la actual expansión de IA… 

Ready Player One (2018): El adolescente Wade Watts, pasa sus horas en un universo virtual… En OASIS, todo es posible. Pero su vida dará un giro cuando descifra una de las pruebas de una de las competencias que se celebran dentro de dicho universo, cuyo ganador conseguirá el control absoluto de OASIS. Sin embargo, él no será el único que vaya tras el premio.

Inception (2010): Dom Cobb un ladrón de ideas: se infiltra dentro del subconsciente de las personas durante sus sueños y extrae las ideas que sus clientes desean obtener. No obstante, este trabajo acaba costándole su libertad y la de su familia. Dispuesto a hacer lo que sea para recuperar su vida pasada, accede a un trabajo extraordinario: implantar una idea externa en la mente de otra persona. Si tiene éxito, conseguirá el perdón. Aunque tendrá que enfrentarse con un enemigo con el que no contaba… ¿IA?

El juego de Ender (2013): Después de que la Tierra fuera atacada por una raza alienígena conocida como fórmicos, Ender Wiggin será seleccionado y preparado como comandante del equipo responsable de proteger lo que queda de la Tierra y de la humanidad ante la amenaza de los fórmicos, quienes están por regresar para terminar el trabajo… Finalmente el incomparable Robin Williams en Jumanji: bienvenidos a la jungla (2017) y Jumanji: siguiente nivel (2019): Cuatro adolescentes quedan atrapados dentro de un extraño videojuego que descubren por casualidad. Para poder volver a casa, deberán superar todos los "niveles", todos los desafíos que les imponga ese mundo virtual, sin morir más de tres veces, o si no... Game Over.

 

Maracaibo, domingo 16 de agosto del año 2026

Marina Ivánovna Tsvetáyeva

En septiembre de 2020, en este blog(lapesteloca) hablamos de una poeta rusa, Anna Ajmátova, quien fue testigo de la quiebra del intimidante imperio zarista y del advenimiento del gobierno de los soviets. Hoy relatamos la historia de Marina Ivánovna Tsvetáyeva, escritora rusa, que destacó como poeta y prosista quien es considerada una de las poetas más originales del siglo XX. Su obra no fue del gusto de Stalin y del régimen comunista por lo que su rehabilitación literaria no empezó hasta los años 1960. Su poesía proviene de lo más profundo de su personalidad, de su excentricidad y de su uso muy preciso del idioma.

 

Marina Tsvetaeva (también conocida como Marina Cvetaeva o Marina Tsvetayeva) nació en Moscú. Su padre era profesor y fundador del Museo de Bellas Artes, y su madre quien era pianista de concierto, falleció de tuberculosis cuando Marina tenía 14 años. A los 18 años, Tsvetaeva publicó su primer poemario, Álbum vespertino. A lo largo de su vida escribió poemas, obras de teatro en verso y textos en prosa; se la considera una de las poetisas más renombradas de la Rusia del siglo XX.

Marina nació en una familia acomodada, era hija del fundador del Museo Pushkin de Moscú, Iván Tsvetáiev. Todavía muy joven publicó con gran éxito Álbum vespertino. Siguió trabajando en literatura y conoció y trató a los grandes escritores. Se la sitúa a la altura de Borís Pasternak, Anna Ajmátova y Ósip Mandelshtam. La vida de Tsvetaeva coincidió con años turbulentos de la historia rusa. Al padecer la reprobación oficial, Tsvetáyeva no pudo encontrar vivienda ni trabajo. Se casó con Sergei Efron en 1912; tuvieron dos hijas y, posteriormente, un hijo. Efron se unió al Ejército Blanco, y Tsvetaeva se separó de él durante la Guerra Civil. Tsvetaeva tuvo un breve romance con Osip Mandelstam y una relación más duradera con Sofia Parnok. Durante la hambruna de Moscú, Tsvetaeva se vio obligada a internar a sus hijas en un orfanato estatal, donde la menor, Irina, murió de hambre en 1919.

 

En 1922 emigró con su familia a Berlín, luego a Praga, y finalmente en 1925, se estableció en París, donde la familia vivió en la pobreza. Sergei Efron trabajaba para la policía secreta soviética, y Tsvetaeva expatriada en París, fue marginada por la comunidad rusa. A lo largo de los años de privaciones y exilio, la poesía y el contacto con poetas fueron el sustento de Tsvetaeva. Mantuvo correspondencia con Rainer Maria Rilke y Boris Pasternak, y dedicó una obra a Anna Akhmatova.

 

Tsvetaeva fue testigo de la quiebra del intimidante imperio zarista y del advenimiento del gobierno de los soviets, un mundo de esperanzas que prontamente se convertiria en un asfixiante amordazamiento de la sociedad. Marina, al igual que una pléyade de escritores y artistas de la entonces Unión Soviética, se negaron a plegarse al régimen y a prostituirse.

 

Los críticos y traductores de la obra de Tsvetaeva suelen destacar la pasión de sus poemas, sus rápidos cambios de ritmo y su sintaxis inusual, así como la influencia de las canciones populares. También es conocida por su retrato de las experiencias de una mujer durante los «años terribles» (como Aleksandr Blok describió este periodo de la historia rusa).

Después de la revolución rusa, tuvo que exiliarse en Berlín, Praga (1922) y luego en Francia (1925) con su marido, antes oficial blanco en activo, que se desengañó poco a poco con la actitud de los emigrados. Vivió 14 años en Francia, a disgusto y deprimida. Tenía dos hijas, Irina y Ariadna, y un hijo, Gueorgui.

 

Al fin, en 1939, regresó a la Unión Soviética con su hijo Gueorgui (Mur) para reunirse con su marido Serguéi Efrón, quien había regresado a Rusia con su hija Ariadna en 1937, como un responsable del contraespionaje soviético. Marina escribió al jefe del NKVD, Lavrenti Beria, pidiendo información y defendiendo a su marido, tras una desgraciada misión oficial. En 1941, Serguéi Efrón y Ariadna fueron arrestados. Su marido, Serguéi, fue fusilado el 16 de octubre de 1941.  

 

Ariadna tuvo que autoacusarse como era habitual, pero tras permanecer ocho años en el Gulag, fue arrestada de nuevo en 1949 y enviada al destierro en el raión de Turujansk. En 1939, Tsvetaeva regresó a la Unión Soviética. Efron habia sido ejecutado y su hija, la única superviviente, había sido enviada a un campo de trabajo. Cuando comenzó la Gran Guerra Patria, con la ocupación nazi, Tsvetáyeva fue evacuada a Yelábuga, Tartaristán. El ejército alemán invadió la URSS, Tsvetaeva evacuada a Yelabuga junto con su hijo, se suicidó ahorcándose el 31 de agosto de 1941.

 

Pese a todas esas desdichas (y de la conciencia escrita de ellas) dejó unas obras muy vivas, de impresionante calor, intransigente y llenas de valentía, donde está el recuerdo de toda una serie de escritores y artistas de su época, así como el retrato de sus propias obsesiones, con una lengua entrecortada y agudísima. Su correspondencia cruzada con Pasternak y Rilke (sólo publicables desde 1979) nos da la media de su personalidad, su fuerza especial y la atracción de todo tipo que ella ejerció.

La obra de Marina Tsvetaeva se salvó de la destrucción y del olvido gracias a su hija Ariadna Efrón. En la Unión Soviética permaneció casi inédita hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando se la empezó a conocer a través de la publicación de literatura en hojas clandestinas. "Nabókov rectificó sus prejuicios sobre la difícil Tsvietáyeva ('leerla solamente causa estupor y dolor de cabeza'), pero se negó a encabezar su rehabilitación, que no ha llegado del todo hasta hace unos días cuando se ha publicado en Rusia su obra completa", según escribió Enrique Vila-Matas.

La obra poética de Tsvetáyeva ha sido traducida al español por la eslavista Selma Ancira, mexicana residente en Barcelona. Aunque empezó mucho antes en la editorial Siglo XXI, desde 1990 «otras editoriales, atrapadas en la amorosa red fanática de Ancira, continuaron la labor». Para Tzvetan Todorov fue una de las escritoras más grandes del siglo XX.

Su poesía no solo influyó en la literatura, sino también en otras ramas del arte. Por ejemplo, la gran compositora soviética Sofiya Gubaidúlina le dedicó obras como Stunde der Seele (en español: Hora del alma, 1976), para mezzosoprano y orquesta de vientos; y Homenaje a Marina Tsvetáyeva (1982), suite en cinco movimientos para coro a cappella. Ambas, con textos de Tsvetáyeva.

 LIBROS DE VERSOS: Álbum de la tarde, 1910; Linterna mágica, 1912; De dos libros, 1913; Bandada de cisnes, 1917-1921; Leguas,edición 1, 1922;Fin de Casanova, 1922¸Separación, 1922¸Versos a Blok, 1916-1921; Psique, 1923; Profesión, 1923; Después de Rusia, 1922-1925; Versos a Chequia, 1938-1939. POEMAS:"Hechicero",1914 ;"Don Juan",1917 ;"Doncella reina",1920 ;"Un bravo",1922 ;"Poema de la montaña",1926; "Poema del fin",1926 ;"Poema de Escalera",1926 ;"Сazador de ratas",1926 ;"Siberia",1930.

Maracaibo, sábado 15 de agosto del año 2026

De Cervantes y Flaubert

¿Existe alguna conexión entre Don Quijote y Madame Bovary? Una respuesta a esta interrogante nos la ofrecería el escritor y diplomático español José María Ridao Domínguez, quien en “El País de Don Quijote”(2005) señalaba que las ideas del hidalgo manchego y la “inflamación amorosa” de Emma Bovary eran producto de una “intoxicación literaria” siendo inequívoco el origen libresco de sus respectivas ambiciones.

Flaubert continuaría la empresa literaria de Cervantes confirmando que “el ideal”, es tan solo eso: “un ideal”. Pero este, puede ser capaz de sabotear la paz y felicidad de quien lo abraza, y el autor, así compara el ideal caballeresco de Don Quijote con la inflamación amorosa de la señora Bovary. Cuando un ideal se vuelve ofuscación, puede llegar a sabotear la mente, aunque tan solo él o ella guarden las mejores intenciones, tan sanas como perseguir un ideal caballeresco o atreverse a valorar el matrimonio en la Francia del siglo XIX. 

Flaubert aprovechando los recursos de Cervantes y apropiándose de ellos destacará “las imperfecciones de la vida” y en su último manuscrito, Bouvard el Péuchet (1881), resumirá en estos dos personajes, “caballeros andantes del saber”, quienes, como ya lo vivirían Don Quijote y la señora Bovary se dirgen al fracaso, siguiendo fieles al modelo cervantino con ese tono paródico que nos regresa obligadamente a Miguel de Cervantes y a su Don Quijote de la Mancha. 

La documentación requerida por Gustavo Flaubert para escribir “la historia de una pareja de copistas” redactando “una enciclopedia de la estupidez”, le tomo varios años… Ridao Dominguez destaca como ya en 1869, Julio Verne había publicado en Francia con gran éxito su novela “Veintemil leguas de viaje submarino” y la literatura que manejaba con gran éxito aquella especie de cierto “desencanto por las imperfecciones de la vida” como las padecidas por don Alonso Quijano y por la señora Emma Bovary, mostraba otras opciones.

Todas estas reflexiones nos obligan a recordar a Isaiah Berlin quien escribiría sobre las doctrinas fanáticas del siglo XIX y de la necesidad de preservar un cierto equilibrio, aunque sea imperfecto pues estará referido a las cuestiones humanas, sobre infelicidades individuales o colectivas, lo cual siempre es una responsabilidad que, como seres humanos, nos corresponde enteramente.

 

Maracaibo, viernes 14 de agosto del año 2026

 

Johann Baptist Strauss II

Johann Baptist Strauss II (1825-1899) fue un compositor austriaco muy conocido especialmente por sus valses, tan populares como El Danubio azul. Era hijo del compositor Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. En realidad, Johann Baptist Strauss II es el músico más famoso de la familia Strauss.

Johann Baptist Strauss nació en St. Ulrich, cerca de Viena, Austria, el 25 de octubre de 1825. Su padre era el compositor Johann Strauss I y su madre fue la primera esposa del compositor, de nombre Maria Anna Streim. El bisabuelo paterno de Johann Baptist era judío húngaro, un hecho que los nazis, quienes ensalzaban la música de Strauss como "tan alemana", intentaron ocultar posteriormente. Su padre no quería que su hijo Johann Baptist se convirtiera en músico; quería que fuese en banquero. Sin embargo, Johann Baptist Strauss Jr. en secreto desde niño estudió violín con Franz Amon quien era el primer violinista de la orquesta de su padre.

Cuando un día su padre descubrió a su hijo practicando el violín a escondidas, le dio una fuerte paliza, diciendo que iba a sacarle la música a golpes. Parece que en lugar de intentar evitar una rivalidad, el mayor de los Strauss, Johann Strauss I, decía que “solo quería que su hijo escapase de los rigores de la vida de músico”, un planteamiento teórico poco comprensible, pero lo cierto fue que cuando se disgustó con su hijo, se fue de su casa a vivir con una amante la Sra Anna Trampusch la pareja de Johann Strauss I, el compositor de la famosa Marcha Radetzky y padre del denominado rey del vals, su hijo Johann Strauss. Su relación había comenzado cuando este aún estaba casado con Maria Anna Streim y la Sra  Anna Trampusch tuvo con el compositor Johan Strauss I, ocho hijos ilegítimos, que nacieron entre 1835 y 1846.

Al ser descubierto por su padre, aprendiendo violín, Johann siempre recordaría la desagradable y violenta escena cuando su padre que no quería saber nada de “sus planes musicales” pues al parecer, quería “evitar que Strauss se convirtiera en su rival” ( ? ), el padre que deseaba apartar a su hijo de “los rigores de la vida de músico”, fue entonces ante aquel disgusto cuando Strauss padre abandonó a su familia y encontró una amante muy “activa y prolífica” la señora Trampusch. Toda esta situación ocurriría cuando Johann de quien nos ocupamos en este recuento, tenía 17 años y con la ayuda de su madre Maria Anna Streim había decidido concentrarse plenamente en la carrera de compositor…

Todos estos detalles con una situación familiar comprometida fueron producto del trabajo del compositor padre Johann Baptist y sus constantes ausencias de Viena durante muchas giras sosteniendo su voluntad expresa de que Anna no les acompañase que fueron haciendo mella en el matrimonio, hasta el  momento cuando quizas encontraba a su esposa carente de atractivo, recordándole que no era el amor lo que les había unido, sino la llegada inminente del pequeño Johann Baptist, de modo que el compositor buscó refugio en brazos de otra mujer, una hermosa joven llamada Emilie Trampusch, de muy modesta condición…

Los años felices en la querida Viena de los Strauss, solo iban a verse oscurecidos por los comienzos para Johann hijo ya que la demanda judicial de Anna, que reclamaba una manutención que no satisfacía convenientemente y que, finalmente los tribunales resolvieron a favor del padre, quien con respecto al hijo, y receloso de que quisiera hacerle la competencia, no le prestó ningún tipo de ayuda. De tal modo que el joven Strauss tuvo que fundar su propia orquesta sin apenas fondos, apoyándose en el gran número de músicos en paro existentes en la ciudad.

La primera función le vino de la mano de Ferdinand Dommayer, que llevaba años suplicando a Johann padre que tocase en sus salones. A modo de desquite contrató al hijo, consiguiendo una gran afluencia de público que acudió tan solo por el placer morboso de asistir al nacimiento de una rivalidad. Como era de suponer, el progenitor, sumamente inquieto, no apareció y mandó a varios amigos para que le informasen sobre el estreno. Deseoso de honrarle, el joven dirigió el vals más célebre del ausente, Los sones del Rín en Lorelei, y después presentó oficialmente su primer vals propio, que a petición del público fue bisado ¡hasta veinte veces!

Sin embargo, los dueños de los grandes salones y una buena parte del público siguieron inclinándose por el Strauss original, quizás pensando de que su hijo pretendía sacar partido de su nombre. En 1843, el patriarca fue nombrado director de la Banda del Primer Regimiento Imperial, alegría que se vio empañada al fallecer Lanner, director de la Banda del Segundo Regimiento, y su puesto le fue concedido al solicitante Johann Strauss hijo. La rivalidad pronto se haría patente en el tipo de composiciones: mientras que el padre ponía su talento al servicio del poder establecido, con homenajes a los adalides militares, el hijo simpatizaría con la causa revolucionaria componiendo canciones de barricada y hasta piezas alusivas a las distintas nacionalidades no germánicas del Imperio Austro-Húngaro. En ese tiempo se produjo la cruel Revolución del 48, con varios cientos de muertos en Viena, entre estudiantes y obreros sublevados contra el poder imperial.

Para entonces, las relaciones entre ambos, padre e hijo, parecían haberse relajado bastante, gracias, a la buena voluntad del hijo, que incluiría obras paternas en todos sus conciertos. Sin saberlo esa reconciliación fue providencial, ya que no le quedaba mucha vida al «Rey del vals». El mismo año de la revolución Johann Baptist padre, emprendió su última gira, visitando Belgrado y Bucarest, el año cuando compone varias marchas de fuerte carácter nacionalista, que alcanzan su cenit con la célebre Marcha Radetzky, en honor al general Joseph Graf Radetzky, que acababa de triunfar en Italia con una sangrienta campaña. Poco después acomete un encargo de Isabel II de España, dos marchas militares, una para la Guardia Real y otra para la Infantería Española y ya en el año 1849 nuevos festejos en honor de Radetzky imponen otra creación musical en su honor para el 22 de septiembre, pero nunca verá la luz. Un brote de escarlatina surge de repente en el hogar del músico y una de sus hijas le contagia. Su agonía no durará ni un día. Inquietos por su ausencia en los festejos, la familia mandó a Joseph Baptist que fue el que descubrió, no solo la muerte de su padre, sino también que Emilie Trampusch había huido llevándose a sus hijos, sin dejar ni rastro, acaso por miedo a que se vengasen de ella por haber sido la causante del abandono de Anna. Nunca más se supo de ellos.

Tras relatar esta convulsionada historia de la familia creadora de tan importantes valses que hacen de Viena una ciudad muical, recordemos que “El Danubio azul” el famoso vals, fue compuesto por Johann Baptiste Strauss II  en 1866 y su significado principal habría de de ser un símbolo de esperanza, alegría y paz para Austria tras una dura derrota militar, convirtiéndose además en un himno cultural de Viena y de la música occidental.

Maracaibo, jueves 13 de agosto del año 2026

Maia García Vergniory

Maia García Vergniory es una física computacional española, que es profesora en la Universidad de Sherbrooke;  su trabajo es en química cuántica topológica, donde investiga las fases de los materiales topológicos.  En el año 2022, fue elegida miembro de la Sociedad Estadounidense de Física.

MaiaVergniory nació en Getxo un municipio situado en la costa de la provincia de Vizcaya, en la comunidad autónoma del País Vasco. Está situado en la franja costera que comprende el último tramo por la derecha del río Nervión, ya convertido en ría de Bilbao, la orilla oriental del Abra, o estuario de dicho río, y parte de costa a mar abierto. Getxo es la quinta ciudad más poblada del País Vasco. Forma parte de la comarca del Gran Bilbao y del área metropolitana de Bilbao. En Guetxo se sitúa el puente de Vizcaya, construido entre 1887 y 1893 y declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 2006.

Maia García Vergniory  fue investigadora doctoral en la Universidad del País Vasco . Su investigación consideró los efectos de muchos cuerpos en las interacciones entre estados electrónicos excitados y los iones móviles en superficies.  Comenzó a trabajar en materiales topológicos en 2012. ^]Vergniory trabajó como investigadora en el Ikerbasque y en el Centro Internacional de Física de Donostia.  Estudió nuevos materiales y estrategias computacionales para realizar nuevos sistemas de materia condensada. Verginory se interesó en el diseño de nuevos materiales topológicos con propiedades funcionales optimizadas. Los materiales topológicos son aislantes en su interior, pero conductores en sus superficies. Los canales conductores que facilitan el flujo de corriente son robustos e independientes del tamaño.

Vergniory estudió la Base de Datos de Estructuras Cristalinas Inorgánicas para identificar materiales topológicamente no triviales.  Diseñó un esfuerzo computacional para simular materiales reales y determinar si mostraban o no propiedades topológicas. Esto incluyó un análisis teórico complejo que podía clasificar fases topológicas e información de científicos de materiales sobre si los materiales eran adecuados o no. Vergniory utiliza sus supercomputadoras para realizar sus cálculos ab initio.

En una entrevista con Physics World , Maia García Vergniory dijo que le había sorprendido la cantidad de materiales que identificó con propiedades topológicas. ^[Como resultado de este trabajo, se sintetizó y estudió experimentalmente el aislante topológico de alto orden Bi ₄ Br ₄ . Demostró que, si era posible identificar la simetría de la simetría cristalina de un material, podía anticipar fácilmente el comportamiento de la carga. ^[Desde entonces ha comenzado a investigar materiales orgánicos. 

Maia García Vergniory cree que los cristales topológicos con una estructura quiral exhibirán varios fenómenos físicos exóticos. Una estructura quiral es una molécula o un objeto que no se puede superponer con su imagen en un espejo, tal como ocurre con la mano izquierda y la mano derecha. Esta propiedad de asimetría espacial es fundamental en la química, la física y la biología. El concepto de quiralidad se aplica a las moléculas que poseen al menos un átomo de carbono con cuatro grupos distintos unidos a él, conocido como carbono asimétrico o quiral.

Maia ha recibido varios premios y distinciones: Premio L'Oréal-UNESCO 2017 para las mujeres en la ciencia. En  2022, fue elegido miembro de la Sociedad Estadounidense de Física .

Maia García Vergniory es profesora en La Université de Sherbrooke, fundada en 1954, es una universidad francófona situada en Sherbrooke, en la región de Estrie (Quebec, Canadá). La Universidad cuenta con 35.000 alumnos y su cuerpo docente se compone de 3200 personas (datos de 2007). La Universidad emplea a 6.400 personas, y cuenta asimismo con más de 100.000 graduados. La Université de Sherbrooke ofrece 46 programas de licenciatura, 48 programas de maestría y 27 programas de doctorado. Posee 61 cátedras de investigación que abarcan ámbitos como la farmacología, la microelectrónica o el medio ambiente, entre otros.

La Université de Sherbrooke, nació del deseo de establecer una universidad católica francófona en una región inicialmente de fuerte densidad anglófona. En sus comienzos, la actividad académica estuvo marcada por los ritos religiosos. Hacia finales de los años 1960, el número de sacerdotes que trabajan para la Universidad disminuiría considerablemente y en el año 1975 constituye el final oficial de la actividad religiosa en este establecimiento, y se nombra a un rector laico. Sin embargo, cabe destacar que el Departamento de teología es el único católico en Quebec.

Desde el año 2007, las actividades de la  La Université de Sherbrooke se centran principalmente en la formación y en la investigación.

Para lapesteloca, en Maracaibo, el miércoles 12 de agosto del año 2026

 

Paganini y Vivaldi, violinistas…

En este blog (lapesteloca) he escrito 3 artículos sobre el llamado “violinista del diablo”. El primero el 26 de marzo del 2018 titulado Siempre Paganini, el 8 de agosto del 2020 otro con su nombre de pila: Niccolò Paganini y el  27 de enero de 2021, finalmente Paganini.

 

En marzo del año 2018, recordaba haber visto en Youtube a una chinita de seis años interpretando magistralmente un concierto de Paganini, y su recuerdo me retrotraería a la Viena de Strauss, en el año 1986 cuando con mi amigo Hernando Salazar estábamos alojándonos en un pequeño hotel donde el silencio era interrumpido por un violinista en la calle que dejaba escuchar su melodía, cuando me señaló acuciosamente Hernando, que el violinista en la calle estaba interpretando a Paganini. Yo recordé la historia porque era la misma enrevesada melodía que la chinita de seis años tocaba desde el Youtube… Muy poco sabía yo de música clásica y sinceramente ni conocía a Paganini, y por ello me sorprendió Hernando quien experto en patología ginecológica también era conocedor de la música clásica y por demás un fanático de la ópera. Así era Hernando de quien, en su sentido obituario, yo denominaría “un caballero de la patología universal” (Patología (Mex) 38: 233-238, 2000).

 

Nicola Paganini (1782-1840) fue un violinista y compositor italiano, nacido en Genova, considerado uno de los violinistas más virtuosos de todos los tiempos. Con dieciséis años era ya muy conocido, pero abusando de su éxito se emborrachaba frecuentemente. Se dedicó al juego y llegó hasta el extremo de vender su violín para pagar sus deudas. No sólo el juego, sino también las damas constituían su pasión. De 1801 a 1804, mantuvo relaciones con una dama de la alta sociedad toscana quien lo salvó de esa vida licenciosa para llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano. Llegó a profundizar en el estudio de la guitarra, para cuyo instrumento también escribió numerosas composiciones. En 1801 compuso más de veinte obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos.

 

El modo de tocar de Paganini llamaría rápidamente la atención en esa ciudad. Es sabido que en el concierto realizado en la catedral de la "Santa Croce" hizo una sorprendente exhibición por su habilidad para imitar con la cuerda de su violín, el canto de los pájaros y también a otros instrumentos, tales como la flauta, el trombón y el corno. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él.

En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 estuvo en Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Listz, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores como Franz Liszt, Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris Blacher, Andrew Lloyd Webber, George Rochberg, Witold Lutosławski y Robert Fripp entre otros. Sus obras incluyen 24 caprichos para violín Op 1(1802-1817), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas.

En los años 1834 y 1840 tuvo dos graves episodios de hemoptisis. Durante el avance de la enfermedad, que pasó de sus pulmones a la laringe, padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. El músico además se medicaba con mercurio para tratar la sífilis que también padecía. Con tan solo 57 años de edad, Paganini falleció en Niza el 27 de mayo de 1840.  

Antonio Lucio Vivaldi (1678- 1741) fue un compositor, violinista, empresario, profesor y sacerdote católico quien era apodado Il prete rosso («El cura rojo») por ser sacerdote y pelirrojo. Curiosamente su iconografía lo muestra siempre con una peluca de manera que nuca le veremos su roja cabellera.

Antonio Lucio fue uno de los grandes compositores barrocos, y su influencia durante su vida se extendió por toda Europa siendo fundamental en el desarrollo de la música instrumental de Johann Sebastian Bach. Su padre Giovanni Battista enseñó a Antonio a tocar el violín y luego recorrió Venecia tocando dicho instrumento con su hijo. Probablemente aprendió a tocar el instrumento a una edad temprana, dado el amplio conocimiento musical que había adquirido a la edad de veinticuatro años, cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà.

Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Compuso unas setecientas setenta obras, entre las cuales se cuentan más de cuatrocientos conciertos, para flauta, violín y diversos instrumentos musicales, y cerca de cuarenta y seis óperas. Es especialmente popular como autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Muchas de sus composiciones las escribió para el conjunto musical femenino del Ospedale della Pietà, un hogar para niños abandonados. Vivaldi había trabajado allí como sacerdote católico durante dieciocho meses y estuvo empleado de 1703 a 1715 y de 1723 a 1740. También tuvo cierto éxito con costosas representaciones de sus óperas en Venecia, Mantua y Viena.

En septiembre de 1703 Vivaldi se convirtió en maestro di violino (maestro de violín) en  el orfanato Ospedale della Pietà en Venecia. Aunque es más famoso como compositor, también fue considerado como un violinista con una excepcional técnica. Vivaldi tenía sólo veinticinco años cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà. Durante los siguientes treinta años compuso la mayor parte de sus obras más importantes mientras trabajaba allí. Escribió conociertos, cantatas y música sacra vocal para ellos. Estas obras sacras, que suman más de sesenta, son variadas, ya que incluyen motetes solistas y obras corales a gran escala para solistas, coro doble y orquesta. En 1704 se añadió el cargo de maestro de viola all'inglese a sus funciones como profesor de violín.

Antonio Vivaldi había tenido diversos trastornos de salud. Uno de sus síntomas, la opresión en el pecho, se ha interpretado como una forma de asma, en realidad toda su vida sufrió de problemas respiratorios crónicos, específicamente asma bronquial (strettezza di petto- estrechez del pecho), por lo que incluso lo había alejado de dar misa años atrás. Esto no le impidió aprender a tocar el violín, componer ni participar en actividades musicales, aunque sí le impedía tocar instrumentos de viento. 

Vivaldi viajó a Viena y Praga en 1730 acompañado por su padre, donde presentó su ópera Farnace. Como muchos compositores contemporáneos, en los últimos años de su vida pasó dificultades económicas. Sus composiciones ya no tenían tanta estima como antes en Venecia, ya que habían cambiado rápidamente los gustos musicales y eran consideradas pasadas de moda. En respuesta, este optó por vender un número considerable de sus manuscritos a precios ínfimos para financiar su traslado a Viena.

Poco después de su llegada a la ciudad, Carlos VI falleció, lo que le hizo perder cualquier protección imperial o una fuente estable de ingresos. Al poco tiempo, empobreció y murió de una “infección interna” durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a la edad de 63 años, en una casa propiedad de una viuda de un fabricante vienés de sillas de montar. El 28 de julio fue enterrado en una tumba sencilla del cementerio que era propiedad de un hospital público, cerca de la iglesia de San Carlos Borromeo.

Maracaibo, martes 11 de agosto del año 2026