Del mamón al cotoperi…

Comúnmente llamado en Venezuela Cotoperi es una fruta autóctona poco conocida. Cuando niño, uno iba comer mamones y ocasionalmente se encontraba con algún árbol de Cotoperi, y disfrutábamos de esta deliciosa fruta de sabor dulce, muy parecido al mamón. De aquí el interés de hablar hoy en este blog (lapesteloca) de esta fruta que hasta hace unos días, yo equivocadamente, la creía pariente del mamón.

 

Comenzaré por explicar que los arboles de Cotoperi, son muy diferentes a los de Mamón. De crecimiento lento, pueden medir de 6 a 18 metros de altura y son lentos para dar fruto, pero además son muy frondosos ofreciendo muy buena sombra, y ellos proporcionan buen alimento para las aves. El mamón o limoncillo, es del género Talisia que tiene 52 especies de plantas de flores que pertenecen todas a la familia a la familia Sapindaceae. El mamón es también conocido como mamoncillo, guapoó, coquito de San Juan, guaya (o huaya) o  quenepa (entre otros), y es un árbol frutal naturalizado en la zona intertropical de América. Su nombre es Melicoccus bijugatus, y como todos sabemos, es muy apreciado por sus frutos comestibles.

 

Aunque me tachen de grotesco, hay un par de refranes maracuchos que usan mencionar al mamón.“¡Al mamón de Nana!” y “Dais más vueltas que mamón en boca e vieja” y las explicaciones de sus significados, que permanezcan en la imaginación de cada lector.

 Quedamos entonces que, el cotoperi es originario de Venezuela y es delicioso. Llama la atención este fruto porque aquí mismo en Venezuela no lo conoce mucha gente y es muy parecido al mamón, pero su concha es amarilla, es más dulce y habitualmente más grande. Algo que conocí ahora del cotoperi o cotoperiz, es que, como mínimo para que de su fruto hay que esperar 15 años. Cuando supe esto me dije, para quien no lo conozca, tiene que probarlo ya que luego tendrá que esperar mucho para volverlo a degustar…

 

Cotopri o cotoperiz, se le conoce al fruto Talisia olviformis y el árbol se cultiva cerca de casas, en parques, plazas y potreros como un excelente árbol de sombra. No es exigente a determinados suelos y climas. El cotoperiz, por crecer naturalmente, presenta un gran potencial en diferentes sistemas, tanto naturales como de producción agropecuaria, agroforestal, hortícola y de ornato; así como en las zonas semiáridas con limitaciones de riego, por la poca disponibilidad de agua, que en muchos casos está restringida solo para el consumo humano.

Hablamos de las Sapindáceas (Sapindaceae) y las mostramos como una familia de plantas  perteneciente al orden Sapindales. Árboles, arbustos, lianas, hierbas y frecuentemente  bejucos de hojas esparcidas, a menudo con células secretoras. Hay alrededor de 140 a 150 géneros con 1400 a 2000 especies nativas de países cálidos.

 

Son árboles, arbustos, lianas y hierbas, frecuentemente bejucos, con hojas esparcidas, y a menudo con células secretoras. Hay alrededor de 140-150 géneros con 1400-2000 especies nativas de países cálidos. Entre otros géneros, pertenecen a ella los arces, los castaños de Indias, el litchi y el castañito chino florido. Sus flores son hermafroditas, o unisexuadas por aborto, zigomorfas, en general pentámeras, usualmente con un disco anular excéntrico entre la corola y el androceo, con 8-10 estambres; gineceo de 2- 3 carpelos concrescentes, con un único óvulo cada uno. Fruto variable, capsular, seco e indehiscente, esquizocárpico, en baya  o drupa.

Debemos ahora mencionar a otro fruto de la familia Sapindaceae:  el Rambután (Nephelium lappaceum, del malayo rambut, "cabello"). Este es un árbol tropical de medio tamaño, nativo del sudeste asiático y su fruto, está estrechamente relacionado con otros frutos comestibles tropicales como el mamoncillo o mamón del cual veníamos hablando. En Guatemala, en El Salvador, Honduras, CostaRica, Nicaragua, Panamá, Brasil, Argentina, Perú y en la Guayana Francesa se le conoce como mamón chino o lichas, mientras que en Colombia, México y en el Ecuador se lo conoce como achotillo o Rambután.

 

Originario del sudeste asiático tropical, probablemente del archipiélago malayo, el rambután se cultiva en varios países de la región. Se ha extendido desde allí a partes de  Asia, África , Oceanía y América Central.  Alrededor de los siglos XIII al XV, los comerciantes árabes, que desempeñaron un importante papel en el comercio del océano Índico, introdujeron el rambután en Zanzibar y  Pemba, en el este de África.

Hay plantaciones limitadas de rambután en algunas partes de la India y en el siglo XIX, los holandeses introdujeron el rambután desde sus colonias de las Indias Orientales Neerlandesas del sudeste asiático hasta Surinam en Sudamérica. Posteriormente, se extendió a la franja tropical americana, plantándose en las tierras bajas costeras de Colombia, Ecuador, Honduras, Costa Rica, Trinidad y Cuba. En 1912, el rambután fue introducido en Filipinas desde Indonesia. Hubo un intento de introducir el rambután en el sudeste de Estados Unidos con semillas importadas de Java en 1906, pero la especie no fructificó, al contrario que en Puerto Rico.

El rambután es un árbol perenne que alcanza de 12 a 20 metros de altura. Las hojas

 son alternas y pinnadas, de 10-30 cm de longitud, con 3-11 divisiones, cada una de 5-15 cm de longitud y 3-10 cm de ancho, con márgenes enteros. Las flores son pequeñas, 2-2,5 mm, no tienen pétalos y nacen de una panícula terminal de 15-30 cm de longitud. El árbol puede ser: macho, con flores estaminíferos solamente y por lo tanto, sin fruta; hembra, que se produce fruta; o ambos (hermafrodito).

 

El fruto es una drupa oval de 3-6 cm de longitud y 3-4 de ancho, ellos nacen en racimos de 10-20 juntos. La piel es rojiza (raramente amarilla o naranja) y está cubierta por espinas suaves. La fruta tiene una pulpa blanca y jugosa, que puede ser ácida o muy dulce y melosa. La única semilla de color marrón tiene 2-3 cm de longitud y es venenosa, por lo que no debe ser consumida con la pulpa del fruto. De ser así, tiene que ser expulsada del cuerpo. Asi terminamos por hoy este repaso botánico. Gracias por leer lapesteloca.

 

Maracaibo, sábado 21 de marzo del año 2026

Mancha de aceite

 

César Uribe Piedrahíta (1897-1951) fue un novelista, médico y  educador colombiano, natural de Medellín. Su novela Mancha de aceite (1935) ha sido considerada la mejor novela sobre el petróleo en Venezuela -y en Colombia- por la postura crítica que asume el autor contra el complejo sistema de explotación del petróleo por las multinacionales. La novela trata no solo de los recursos naturales sino también de la población del golfo de Venezuela y del Lago de Maracaibo. además, cuestiona la injerencia de las compañías extranjeras en los asuntos políticos, económicos e internos del país, y su connivencia con la dictadura de Juan Vicente Gómez.

La narrativa venezolana de la primera parte del siglo XX comenzaba a desnudar un|a nueva realidad y su evolución, nos mostraría al aparecer el petróleo que había una nueva realidad y en esa evolución, la novela haría su aparición mostrándonos como una radiografía en fenómeno de la modernidad en la que estaba concretándose el país, las novelas Mene de Ramón Díaz Sánchez, y Mancha de aceite del escritor colombiano Cesar Uribe Piedrahita, serán las verdaderas novelas del petróleo e iran a marcar un punto de inflexión en la narrativa social venezolana.

César Uribe Piedrahíta estudió Medicina, en la Universidad de Antioquia y se especializo en la Universidad de Harvard, en 1921, donde fue Profesor el laboratorio clínico en el Departamento de Medicina Tropical. En los Estados Unidos, publicó algunos trabajos sobre protozoarios y parasitología en revistas especializadas. Al regresar a Colombia fue nombrado director del Instituto Nacional de Higiene. En este cargo realizó diversos viajes por Colombia y por Venezuela, impulsando el desarrollo de una de las mayores colecciones de flora y fauna de la región. Durante estos viajes, además, aprendió varias lenguas aborígenes y desarrolló el primer antídoto contra el veneno de serpiente en Colombia.

Ejerció como profesor en la Universidad de Antioquia, donde también estudió las estructuras nucleares y patologías de las enfermedades dermatológicas. En la Universidad Nacional de Colombia fundó el departamento de Parasitología. Entre 1931 y 1932 fue rector de la Universidad del Cauca en Popayán, donde emprendió varias iniciativas como cambios modernizadores en la estructura universitaria, la actualización de laboratorios y las bibliotecas, la educación sexual de los jóvenes y la defensa del ejercicio al aire libre.

Uribe Piedrahíta fundó y dirigió varios centros de investigación, y fue miembro fundador de la Academia Nacional de Ciencias y del Herbario Nacional. Su propia casa sirvió de albergue a las primeras especies del herbario, las cuales fueron recolectadas durante sus expediciones botánicas a las selvas colombianas. Fruto de sus investigaciones sobre el indigenismo son sus artículos acerca de las lenguas aborígenes de la Amazonía colombiana, publicados por la Universidad de los Andes. Buena parte del legado de Uribe Piedrahita  fue consumido durante un incendio en el marco de El Bogotazo, el 9 de abril de 1948 donde se perdió casi la totalidad de sus colecciones de pintura, de plantas y animales, sus notas de campo, proyectos científicos y artículos. En principio creyó con recursos propios suficientes para reconstruir los laboratorios, pero se vio obligado a vender buena parte de sus derechos a una compañía comercial.

De espíritu independiente, curioso y aventurero, escritor de novelas de gran sentido social como Toá (sobre la explotación de los trabajadores del caucho, similar a la La vorágine, novela del escritor colombiano José Eustasio Rivera publicada en 1924. En su juventud, Piedrahita perteneció al grupo de artistas y literatos Los Pánidas, él sabía tocar el violín, y realizó pintura y escultura en madera, arte de la cual llegó a hacer algunas exposiciones en Bogotá. Cesar Uribe Piedrahíta estuvo casado con Lucrecia Uribe Lince y no tuvo descendencia. En 1951, afectado por el alcoholismo, fallecería a los 55 años de edad.

Mancha de aceite (1935) describe elementos del proceso histórico venezolano, de donde se erigirán los futuros desarrollos sociales como parte de la construcción del país y de un proletariado moderno venezolano. Desde la perspectiva literaria, se inscribe en la corriente de formación de una literatura del petróleo, de cuyo análisis emergerán elementos claves de nuestra literatura.

Mene (1936), Casas Muertas (1955) y País Portátil (1969) relatan historias sobre la Venezuela petrolera, desde sus inicios hasta la modernización incompleta del país. El objetivo y enfoque metodológico de estas novelas siempre fue documental y descriptivo, apareciendo la narrativa petrolera venezolana como la más representativa de la realidad, en medio del establecimiento de la industria petrolera en el país. Las novelas de autores como Ramón Díaz Sánchez, Miguel Otero Silva y Adriano González León expresan la visión del impacto del petróleo en la modernización de un país socialmente atrasado. El petróleo no dejó de ser algo extraño, a pesar de que hubo denuncias firmes, en libros como Oficina número uno de Miguel Otero Silva. 

Como señalara Miguel Ángel Campos, el libro de Gustavo Luis Carrera, La novela del petróleo en Venezuela (1972), marcara una frontera, con un límite definido en la indagación de un tema pleno de equívocos, ausencias y malentendidos. Paradójicamente, a pesar de que el petróleo es el gran desencadenante de los cambios en Venezuela, llama la atención como el tema está profundamente ausente en la literatura venezolana del siglo XX. Autores como Antonio López Ortega y Miguel Gomes han hecho referencias a esta situación, pero sobre todo ha sido muy bien estudiado por el sociólogo y profesor de la Universidad del Zulia Miguel Ángel Campos, quien ha señalado cómo el petróleo es un elemento que no aparece en las propuestas intelectuales de los pensadores venezolanos del siglo XX y por el contrario, se ve como algo impuesto, conocido como el excremento negro del diablo, y es asumido como un castigo que irrumpe en la vida de Venezuela.

Según la Academia Colombiana de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales, Cesar Uribe Piedrahita es autor de 51 publicaciones científicas en diversos campos del conocimiento. Su obra literaria se compone de dos novelas, un relato y los fragmentos de una tercera novela, inconclusa (que iba a llamarse El Caribe). 1934 Toá, narraciones de caucherías (novela sobre la explotación de los trabajadores del caucho en la Amazonía

 colombiana).1935 Mancha de aceite (novela sobre la explotación petrolera en Zulia, Venezuela) y Sebastián de las Gracias (un relato).

A toda obra literaria se le adjudica una nacionalidad, una pertenencia coincidente con el país de origen del autor. Pero, las dificultades comienzan al respecto. En este caso, hay una difícil ubicación nacional de una obra específica, de un autor extranjero, aunque sea del hermano país, o quizá, precisamente por eso es por lo que “Mancha de aceite” se ha considerado una novela apátrida.    

La novela del hombre a caballo, del militarismo perezjimenista, o el imaginario de los años sesenta, es también como la metástasis de una especie de cáncer que se comenzaría a engendrar con la democracia y que estuvo definido por el populismo, el rentismo y la corrupción que infaustamente desembocaría en el chavismo para representar las páginas finales de un país, llevado a su destrucción moral y física, algo similar a lo que acontecía en Mancha de aceite.

Maracaibo, viernes 18 de marzo del año 2026

De bichos y otros seres…

 

Hieronymus van Aken dibujaba y pintaba seres fantásticos. Ya antes lo hemos comentado (https://surl.li/jtfpwa), y si queremos designarlos científicamente podríamos clasificarlos cómo “artrópodos” (insectos, arácnidos, miriápodos y crustáceos). Si quieren pueden también calificarlos, sencillamente como, bichos. 

Bien fuesen imaginarios o asignables a conceptos medievales como corresponderían ser los que pintaba van Aken, así fuesen arañas, escorpiones, pulgas, moscardones o simplemente “otros bichos” podemos tratar de darles nombre, y para orientarnos, o todo lo contrario, admirar sus colmenas, sus telarañas, y demás detalles de sus hábitat… Siempre cabría pensar que, esos bichitos pudiesen haber sido creados como curiosos seres que nacerían de la imaginación de Hieronymus van Aken, el pintor conocido en sus predios brabanzones como El Bosco.

Creo que fue el año 1954, en el cine, o teatro, “Estrella” de Maracaibo. ¿Cine o teatro? Es que era igual; así denominábamos a todos ellos y los atendíamos funcionando bajo el cielo estrellado o nublado, pero siempre al aire libre, requisito necesario para percibir la casi siempre refrescante y en ocasiones lluviosa, brisa marabina; con techo, solo eran el Baralt y el Victoria, el de la calle derecha a media cuadra de la Plaza Bolívar, todo fue así, y es inolvidable pues todavía el escuchar la notas de Nocturnal resonando en la voz de Alfredo Sadel, nos anunciaba que “ahora sí”, ya venía la película…

Siento que estaba divagando, pero así fue cuando nos llegó el momento y vimos “El monstruo de la laguna negra”. Aquella era una bestia en blanco y negro. Una que nadaba en aguas de Amazonas en aquel filme de Jack Arnold, con la hermosa Julia Adams y con Richard Carlson, quienes eran navegantes de un barco pesquero con el pintoresco nombre de Rita metido en los vericuetos de la Amazonía.

La historia dice que el productor William Alland asistía a una cena, en 1941 y durante el rodaje de Ciudadano Kane (en la que interpretó al reportero Thompson) cuando el director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa le habló de las historias míticas de los Yacuruna, una raza de criaturas mitad pez, mitad humanas que supuestamente habitaban el río Amazonas. Diez años después, Alland escribió unas notas para la historia tituladas "El monstruo marino", inspirándose en La Bella y la Bestia, y en diciembre de 1952, Maurice Zimm desarrolló esta idea y Harry Essex y Arthur Ross la reescribieron como La laguna negra. Tras el éxito de la película La casa de cera (en 3D) en 1953, Jack Arnold fue contratado para dirigir la película en ese mismo formato. 

La criatura de la laguna negra es una película estadounidense de 1954, y es de terror en 3D en blanco y negro. Fue producida por William Alland y dirigida por Jack Arnold de una historia de MauriceZimm. El filme fue protagonizado por Richard Carlson, Julia Adams, Richard Denning, Antonio Moreno, Nestor Paiva y Whit Bissell. Trata sobre un grupo de científicos que se encuentran con un humanoide anfibio con aspecto de pez en las aguas del Amazonas; la Criatura, también fue conocida como el Hombre Branquia, y fue interpretada por Ben Chapman en tierra y por Ricou Browning bajo el agua. Producida y distribuida por Universal-International, La criatura de la laguna negra se estrenó en Detroit el 12 de febrero de 1954

La película se filmó en tres dimensiones (3D) y se proyectó originalmente mediante el método de luz polarizada. El público usaba visores con filtros polarizadores grises, similares a los que se usan comúnmente hoy en día. Debido a que la breve moda del cine 3D de la década de 1950 alcanzó su punto máximo a mediados de 1953 y se desvaneció rápidamente a principios de 1954, muchos espectadores (nosotros incluidos) vieron la película en formato plano, en dos dimensiones (2D).

Ben Chapman interpretó al Hombre Branquia en la mayoría de las escenas filmadas en Universal City, California. El traje le impedía a Chapman permanecer sentado durante 14 horas al día, y además se sobrecalentaba con facilidad. Debido a estas dificultades, Chapman solía quedarse en el lago de los estudios, pidiendo con frecuencia que lo refrescaran con una manguera.  El casco le obstruía la visión, lo que provocó accidentalmente, que raspara la cabeza de Julie Adams contra la pared al cargarla en las escenas en una gruta. Ricou Browning el Hombre Branquia de las tomas submarinas, que fueron filmadas por la segunda unidad en Wakulla Springs, Florida. Durante el rodaje bajo el agua, Browning “supuestamente” aguantó la respiración hasta cuatro minutos seguidos.

Se ha hablado antes, de que fue aquel chapaleante monstruo en blanco y negro, quien había influido en Spielberg para crear su famoso tiburón “Jaws” y el mismísimo Fernando del Toro del reciente Frankenstein no había tenido ningún empacho en afirmar que la bestia de la laguna negra había sido su inspiración para el nuevo “monstruo” húmedo que crearía en “La forma del agua” su homenajeado filme del 2018. De manera que el mío no había sido un increíble hallazgo, o un descubrimiento al revisar los vericuetos de mi adolescencia cinéfila, puesto que lo del bicho de la “black lagoon” ya era antes conocido por muchos. 

Además, es que existe otra Black Lagoon. Es una serie de manga japonesa escrita e ilustrada por Rei Hiroe . Esa laguna se publica en la revista de manga seinen Monthly Sunday Gene X  de Shogakukan desde abril del año 2002, y sus capítulos se han recopilado en 13 volúmenes tankōbon hasta diciembre de 2023. En Norteamérica, Viz Media tiene la licencia para su publicación en inglés, y trata de cuatro mercenarios piratas que trafican mercancías en los mares del sudeste asiático con su lancha torpedera, la Laguna Negra.

Pero no podemos olvidar que hay otra… Existe la Laguna Negra situada en el Parque nacional Sierra Nevada, en el estado Mérida de Venezuela a una altitud de 3480 m s. n.m. Se localiza a varios kilómetros de la laguna de Mucubají, desde la que se accede por un sendero, y a unos 150 metros menos de altitud que la misma. La Laguna Negra es uno de los principales atractivos turísticos del estado Mérida. Llama la atención por su color oscuro. La laguna es de origen glaciar y ocupa un valle pequeño, en forma de "V". Es una de las más profundas de Venezuela, con una profundidad de hasta 24 metros. Recibe sus aguas de la quebrada La Corcovada y las vierte al río Santo Domingo, en dirección al Océano Atlántico.

Hasta aquí de bichos y lagunas por hoy.

En Maracaibo, el jueves 19 de marzo del año 2026

El Quijote de Terry Gilliam

El 30 de enero del 2016, en lapesteloca.blogspot.com, conversé sobre el don Quijote de Cervantes en el cine; como lo vieron los rusos, cuanto luchó con el personaje Orson Wells (https://bit.ly/1St69Ae) hasta que en una segunda parte (https://bit.ly/1WUikXm), hablaría sobre el Quijote de Terry Gilliam, un director de cine que nació exactamente un año después de mi fecha de natalicio (22/11/1939), y sobre las desventuras de este polifacético director de cine quien luchó durante 17 años para finalmente presentar en el Festival de Cannes 2018 la película “El hombre que mató a Don Quijote”, filme que recién logré ver, disfrutándolo  gracias a un “link” que me hizo llegar mi hijo Francisco Javier (Murmullo) quien es un cinéfilo, con Fernando mi hijo menor quien es chef de cocina en Madrid, y está hoy (18/03/2026) de cumpleaños!!

Les contaba que estaba yo reunido con dos de mis hijos y comenzamos todos, una quijotesca charla sobre el Quijote en el cine, tomándonos unas cervezas en el Centro Plaza de Caracas… Esto que hoy relato, sucedió un día de diciembre del año 2015. Hoy en 2026, quiera hablar sobre el director de cine de varias de mis películas favoritas y pongo a El pescador de ilusiones  con el genial Robin Williams como ejemplo.

Terrence Vance Gilliam ( 22 de noviembre de 1940) es un actor y director de cine, reconocido por haber sido uno de los miembros del grupo humorístico británico Monty Python. Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, exactamente un año después de mi nacimiento en Maracaibo, y estudió Ciencias Políticas en California, aunque su infancia transcurrió en la comunidad rural de Medicine Lake. En 1951 se trasladó con su familia a California. Su padre era carpintero, y aficionado a la magia, afición que adoptó su hijo quien escondía sus sentimientos, detrás de sus dibujos. A los 14 o 15 años, al ver una película de Kubrick (Senderos de Gloria) sobre la injusticia de la guerra, tuvo una auténtica epifanía, pues descubrió que el cine tenía poder, para decir algo y que valía la pena escuchar.

Sentía una gran afición por el dibujo, y una especial admiración hacia Disney y leía muchos cómics, le gustaban las ilustraciones clásicas, las caricaturas y tiras cómicas de los periódicos especialmente la publicación MAD, un cómic por aquel entonces, que se volvería MAD Magazine unos años después, dando forma al particular imaginario y estilo humorístico, satírico y sarcástico de Terry Gilliam. Fue a la Occidental College, empezando a estudiar Física, cambiándose más tarde a Arte y terminó por graduarse en Ciencias Políticas. Se vio encargado de la revista Fang de la universidad, creando un cómic de gags y con dibujos satíricos copiando el estilo de la revista de humor de ámbito nacional, Help! Pagaba sus estudios con pequeños trabajos hasta que consiguió un trabajo como drama coach en un campamento selecto para niños de Hollywood donde experimentó con el mundo del teatro y de la producción teatral realizando algunos sketches que más tarde daría lugar a una enorme reflexión sobre la posible compatibilidad entre esta nueva pasión y su compromiso político, la cual es evidente en su filmografía. 

 

Marchó rumbo a Nueva York con el fin de trabajar en algo similar, y se vio encargado de gran parte de la revista, Help! A la que tanto había admirado y trabajó junto a su ídolo como su mano derecha. Gilliam y el británico John Cleese en un trabajo para una de las historietas al estilo fotonovela. Durante su estancia en Nueva York, vivió en una pequeña habitación cerca de la Universidad de Columbia, con una “cucaracha mascota”. Realizó muchos dibujos sobre la lucha de los derechos civiles y caricaturas políticas, en una América que estaba en constante cambio y que se enfrentaba a la Guerra de Vietnam. Help! empezó a tener serios problemas financieros, así que Gilliam decidió dejar su puesto e irse una temporada a Europa. Viajó por todo el continente: Turquía, España, Italia, Francia... e incluso pasó un tiempo en Marruecos. 

 

Regresó a Estados Unidos en 1966 y se mudó a Los Ángeles. El movimiento hippie y antibélico en aquellos años estaba tomando una importancia considerable, y el país estaba enfrentado entre los belicistas conservadores de pelo corto y los pacifistas “traidores” de pelo largo. Gilliam sufrió varios incidentes durante los cuales sufrió agresiones o amenazas debido al largo de su cabello. Esta inseguridad constante, sumado a su experiencia durante una manifestación pacífica frente al Hotel Century Plaza (1967) que él estaba cubriendo como fotógrafo junto con su novia Glenys Roberts, una periodista de origen inglés, donde los policías agredieron a los manifestantes injustificadamente, y fueron detonantes para que dejase el país de forma definitiva y emigrase a Londres. 

 

Al llegar a Gran Bretaña lo primero que hizo fue vender un par de sketches cómicos que había escrito, pero luego pasó a hacer caricaturas para el programa We Have Ways of Making You Laugh, usando la técnica de la animación cut out, y a partir de entonces fue haciendo animaciones para diversos programas desarrollando su técnica, tomando imágenes de sus contextos originales y creando nuevas piezas en un marco lo más bizarro posible. Trabajó también con Marty Feldman, para la BBC, en It’s Marty, haciendo unas animaciones. El 5 de octubre de 1969 se estrenó, en la BBC, Monty Python’s Flying Circus, un programa humorístico de sketches en el que Terry Gilliam actuaba y se encargaba de las animaciones. La intención de Monty Python era experimentar y romper con todos los códigos previamente establecidos que consideraban aburridos. Terry Gilliam era el menos conservador de entre todos los Monty Python’s, quienes eran más gentiles y menos violentos. Las animaciones cómicas de Terry Gilliam eran totalmente surrealistas y humorísticas, en las que aparte de focalizar el interés en los movimientos de las figuras también se daba especial importancia al sonido, que era grabado y añadido por el mismo Terry Gilliam.

 

Su primera película como director fue Monty Python and the Holy Grail. Sus películas, de estilo surrealista están marcadas por viajes en el tiempo; (Time Bandits, el éxito de la cual, le convirtió en director A-List o de primera línea en Hollywood, Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación, como Brazil, que logró cierto interés en el circuito Europeo aunque fue rechazado en el estadounidense, logrando proyectarlo finalmente en salas resultó ser un fracaso en taquilla, pero un triunfo personal para Terry Gilliam, que había logrado distribuir una película de autor, no convencional, en el sistema de estudios de Hollywood. La mayor parte de sus películas se sitúan en el punto donde la realidad se encuentra con el mito o la fantasía.

Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada) (1975); Jabberwocky (La bestia del reino) (1977);Time Bandits (1981); The Crimson Permanent Assurance, cortometraje incluido en *The Meaning of Life (El sentido de la vida) (1983); Brazil (Brasil) (1985); Las aventuras del barón Munchausen (1989); El rey pescador (Pescador de ilusiones) (1991); Twelve Monkeys (Doce monos) (1995); Fear and Loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) (1998); The Brothers Grimm( Los hermanos Grimm) (2005); Tideland (2005);The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009);The Zero Theorem (2013);El hombre que mató a Don Quijote (2018).

 

La mayor parte de sus películas se sitúa en el punto en que la realidad se encuentra con el mito y la fantasía. En ellas no solo refleja su profunda inquietud política y social, sino también la ambivalencia de la relación entre lo rural y lo urbano. Aunque consideraba la ciudad el refugio de la cultura y el arte, la veía también como una conspiración del hombre para oscurecer y distorsionar la visión del mundo natural, que él concebía como el centro de la imaginación

Maracaibo, miércoles 18 de marzo del año 2026