Naciones virtuales

 

Ogadén es una árida región situada en el extremo oriental de Etiopía, poblada mayoritaria por pastores nómades de la etnia somalí. La región tiene una población estimada en casi 4,5 millones de personas y cerca del 98% de ella es musulmana. Ogaden también es conocido como Región Occidental Somalí u Ogadenia, y está en la región más occidental de Etiopía. El territorio ha sido centro de disputas históricas y de un conflicto bélico que se dio en “el Cuerno de África” durante los años de la llamada Guerra Fría. Ogadén tiene fronteras con Djibouti al norte, Kenia al suroeste y Somalia al norte, este y sur. La capital de la región ha sido Jijiga desde 1994.

Debido a muchos años de guerra y principalmente a la negligencia del gobierno etíope, la calidad de vida en la región Ogaden está muy deteriorada. En cada casa viven casi 7 personas y el acceso al agua potable es de apenas el 38% de la población. La tasa de analfabetismo es elevadísima y la mortalidad infantil es de 57 por cada 1000 nacidos vivos. Demográficamente la región es dominada por la etnia Somalí, en cerca del 95% de toda la población. Buscando durante mucho tiempo la cooperación con el resto de Somalia para terminar con años de ocupación etíope, provocaron gran parte del antagonismo etíope contra Ogaden, en los años setenta del siglo XX, cuando Somalia invadió Etiopía, en apoyo a las guerrillas locales y se produjo “La guerra de Ogaden”.

La Organización de las Naciones Unidas no Representadas (UUN) considera que la población de Ogaden es la única con potestad para decidir sobre su futuro. Una de las organizaciones más importantes de la región, que lucha por la autodeterminación de Ogaden es el Frente de Liberación Nacional de Ogaden, que ha llamado a no participar en las farsas electorales a las que convoca Etiopía, porque considera que esto es solo para calmar a la opinión pública internacional y que oculta la naturaleza colonial del régimen etíope.

El Pueblo Ogaden, como una nación soberana, tiene el derecho a controlar su destino y el Frente asegura que la lucha continuará mientras Etiopía siga intransigente a conceder los derechos y deseos del Pueblo de Ogaden. La lucha del Pueblo de Ogaden y su movimiento está encaminada a obtener el derecho a la autodeterminación. Ese Pueblo nunca ha sido, histórica o políticamente, parte de Etiopía. Además, ellos abogan por que se aplique el capítulo de las Naciones Unidas y sus resoluciones en las que se llama a la eliminación del colonialismo.

Si nos situamos de nuevo en el mapa de África, miremos a el Sahara Occidental, que ahora no es un país soberano reconocido de forma universal ya que la Organización de las Naciones Unidas lo considera “un territorio no autónomo pendiente de descolonización” y prefieren pensar en que es “el último de su tipo en el continente africano…”  Lo cierto es que “el Sáhara Occidental no pertenece oficialmente a ningún país” de forma indiscutida” ya que formalmente está dividido y en disputa: Marruecos controla alrededor del 70% del territorio (y dice considerarlo parte de su país), mientras que el Frente Polisario controla el 30% restante bajo la autoproclamada República Árabe Saharaui Democrática (RASD). Para la ONU, supuestamente sigue siendo “un territorio pendiente de descolonización”… ¡Ja! … Pero ya todos saben cómo funciona la ONU…

El pueblo saharaui es una sufrida comunidad de origen nómada originaria del Sáhara Occidental, quienes tras la retirada de España, cuando se produjo la ocupación de su territorio en 1975 por el ejército marroquí, gran parte de la población saharaui se exilió en los campamentos de Tinduf en Argelia, mientras fundaban la República Árabe Saharaui Democrática (RASD) a través del Frente Polisario.  

Aunque pueda sonar repetitivo, regresaré a recordarle a los lectores de este blog (lapesteloca) por qué existe y sigue sufriendo el pueblo saharaui en sus territorios y en los campos de refugiados, que antes fueron españoles… En un par de ocasiones, a propósito de señalar “el muro” (https://bit.ly/35NOEoZ) creado para encerrar a los habitantes originales del Sahara español, o (https://bit.ly/2u2Vg1k) en alguna otra ocasión ya en este blog desde 2017 me he referido a las causas de esta tragedia.

El territorio del Sáhara Occidental sigue disputado, dividido, usurpado por la dictadura del Sultán de Marruecos, sin que la población saharaui haya podido ejercer de forma definitiva su derecho a la autodeterminación mediante un referéndum acordado, mientras más de 170.000 personas sobreviven desde hace décadas en condiciones extremas en el desierto argelino, dependientes en gran medida de la ayuda humanitaria internacional.

En estos días de mediados del año 2026, cuando la población española de Ceuta parece ser amenazada por el gobierno del Sultán de Marruecos, quien, fomentando una invasión con la venia aparente del actual gobierno de España, en un tema que debería ser competencia de la ONU, la cual como siempre es manejada por las presiones de quienes ejercen el poder del dinero y las armas, la ONU está como los movimientos telúricos del planeta, en el tope de la discusión, destruyendo ciudades sin que se vislumbre datos para imaginar acuerdos trascendentales.

Si bien es cierto que desde hace años en este blog hemos llamado la atención sobre el “olvido político” del reino de España como nación para con la población saharaui, la historia de la guerra de Ogaden donde Etiopia con el respaldo de la Union Sovietica fue apoyada en su “guerra de Ogaden” sacrificando la vida de cientos de cubanos quienes murieron en combate, enviados a “la guerra” para respaldar el compromiso de Fidel Castro con la URSS, los “súbditos” de reinos comunistas son enviados a morir por sus “sultanes” sátrapas que ejecutan a su gente  para satisfacer intereses usualmente con sentido crematístico…

Lo cierto es que ante las náuseas, no provoca seguir discutiendo este tipo de acciones de los llamados ejecutores de la política, nacional o internacional, la misma miasma es, y si no lo creen, atiéndanle a la ONU…

En Maracaibo, todavía con más de un centenar de presos políticos sin liberar y sin contar los muertos en cautiverio, el miércoles 19 de agosto del año 2026

 

 

Vesalio y Brueghel

La aventura de España parecía haber finalizado para Andrés Vesalio como médico de la corte española, y según opinaba su amigo, el cardenal Granvela, él debería sentirse afortunado por estar aún vivo. Andrés Vesalio, había sido condenado a morir en la hoguera como resultado de lo que algunos consideraron como “oscuras prácticas”. En realidad, las razones tuvieron que ver con el dictamen alrededor de una autopsia y la acusación ante la Inquisición que presentaba un alegato asegurando tener evidencias de que un cadáver estaba vivo y latía el corazón mientras se autopsiaba, aquel día, el 16 de enero del año del Señor de 1564.

El cardenal Antonio Granvela había firmado todos los documentos necesarios para autenticarlo a él, como apoderado de los bienes de la familia Andrés Vesalio. Extrajo de una voluminosa cartera de cuero llena de papeles, un documento y le hizo entrega a Andrés de su pasaporte, señalándole que había sido firmado personalmente por el rey Felipe II, asegurándole que lo ponía en sus manos, acompañado por las cartas credenciales que le valdrían como salvoconducto ante los representantes de la corona española en Milán y en Venecia y especialmente para el Guardián de los Santos Lugares en Jerusalén. Todos los documentos en sobres lacrados llevaban los sellos y la firma de su majestad imperial don Felipe II.  A quien Dios le conceda gracias por muchos años, repetiría el cardenal, mientras Andrés, acariciando su barba, pensó en que quizás todavía existiría para él una opción de volver a la universidad de Padua, pero prefirió no mencionar aquella idea.  

Era tan grande el pesar y la desesperanza de Andrés Vesalio ante las noticias que le ofrecía en confidencia su amigo el cardenal Granvela, que en sus pensamientos le asediaban aterradoras imágenes que él conocía como “El triunfo de la muerte”, la obra del pintor brabanzón Pieter Brueghel quien había decidido darle ese terrible nombre a aquel lienzo en el que el mundo parecía querer desaparecer por una guerra donde la muerte triunfaba sobre reyes y mendigos. Pieter Brueghel de Oude, llamado también “el Viejo”, (1525-1569) era un pintor y grabador brabanzón, fundador de una dinastía de pintores. Brueghel era sin duda, el pintor holandés más importante del siglo XVI. Con Jan Van Eyck, Hyeronimus Bosch llamado el Bosco y Pedro Pablo Rubens, Pieter llamado “el viejo” era considerado como uno de los cuatro grandes maestros de la pintura flamenca y Andrés Vesalio había tenido la oportunidad de conocer a Pieter Brueghel en Amberes.

 

 El pintor quien era más joven que él y había nacido en un pueblo de Brabante, y desde el año 1551 era un maestro del gremio de pintores de Amberes. Andrés, recién había conocido a Pieter dada la gran amistad que el pintor tenía con los maestros del grabado e impresores de aquella ciudad. También conocía Andrés Vesalio a Pieter Coecke van Aelst (1502-1550), un artista plástico que era considerado como el decano del gremio de artistas, pintores y arquitectos. Pieter Coecke van Aelst era hijo del teniente de alcalde de Aalst y también era  pintor, grabador, dibujante y  editor flamenco, y además, era el suegro de Pieter Brueghel “el Viejo”. (Pieter Coecke van Aelst se casó con Anna van Dornicke, hija del pintor Jan van Dornicke. Cuando este murió, Coecke heredó su taller, y Pieter Brueghel “el Viejo”, con el tiempo se casó con Mayken (María), la hija de van Aelst, que era su maestro. Pieter Breughel había sido el primer discípulo de Pieter Coeck, y de cuya hija Mayke, una niña a quien él había llevado en sus brazos, Pieter siempre estuvo enamorado y terminaría casándose con ella).

 

En 1562, a petición de la esposa de de Pieter Coeck, su futura suegra, Pieter Breughel se había trasladado a Bruselas, para vivir en el barrio de Marolles, en una casa con tejados escalonados de estilo medieval flamenco en el número 132 de la principal rue Haute, justamente en el vecindario donde Anne y Andrés Vesalio habían vivido durante muchos años. En la iglesia de Notre-Dame de la Chapelle, Pieter Brueghel se casaría, en 1563, con Mayken Coecke, la hija de su maestro Pieter Coecke van Aelst. Andrés Vesalio, recordaba bien al pintor por sus contactos en Amberes… De cierta manera, le remordía la conciencia, más lo cierto había sido que él tuvo la oportunidad de visitar al pintor en su casa de Bruselas y allí vio algunas de sus pinturas. Fue en esos días, cuando Pieter estaba pintando La torre de Babel, y Andrés pudo admirar igualmente en su taller, los lienzos de “El triunfo de la muerte” y el de “La caída de los Ángeles Rebeldes” que le recordaron a algunos cuadros de Hyeronimus Bosch (https://bit.ly/39Wbc8E), otro artista flamenco ya fallecido y cuyas pinturas, a pesar de sus apocalípticas escenas, sabía él que eran muy apreciadas por el rey Felipe II. 

 

De las visiones de los tormentos de la Inquisición, y de sus grandes temores durante el cautiverio, a menudo Vesalio regresaba a pensar en las escenas de los lienzos de Brueghel. Algunos personajes que él conociera personalmente, como Servet y el doctor Cazalla, se mezclaban en su mente hasta transformarse en pesadillas ardientes durante el sueño. Las escenas del lienzo de Pieter llegaban a su mente como fogonazos. Había visto las horrendas escenas de, el triunfo de la muerte, y versificados recordaba fragmentos memorizados desde niño, de unos versos que él prefería no haber nunca aprendido y sin embargo los repetía maquinalmente Mors stupebit et Natura, cum resurget creatura, iudicanti responsura...

 

Tal vez ensañándose imaginariamente contra sus captores había visto cientos de hombres desnudos huyendo desesperados, hundiéndose en negros socavones, tratando de ocultarse de sus torturadores, quienes cual caterva de monstruos les perseguían implacables arrastrando a seres desnudos e indefensos hasta los desfiladeros donde muchos otros les aguardan al borde de los acantilados paralizados de terror. A lo lejos donde solo hay cuerpos inanimados, los hombres huyen hacia un túnel y el ejército de esqueletos, con sus tapas de ataúd a modo de escudos avanza en apretadas filas sobre la masa que sucumbe al ataque de la vanguardia, desprevenidos están otros y hay una mesa, sin comensales, todavía repleta de manjares pero de la fiesta campestre no sobrevive nadie, cientos cadáveres ya han sido amortajados, mientras el tribunal de la muerte, presidido por la enseña de la cruz, contempla impasible aquella hecatombe…

 

NOTA: este texto ha sido parcialmente extraído de mi novela “Vesalio el anatomista” (Maracaibo, 2016), similar a algo que fue publicado en este blog en octubre del año 2021.

Maracaibo, el martes 18 de agosto del año 2026

El maestro y Margarita

Hace seis años, el domingo 20 de septiembre del año 2020, en este  blog-lapesteloca- (https://bit.ly/3hKtde9) me referí a la historia de dos personajes: un escritor ruso, Mijaíl Afanásievich Bulgákov (1891-1940) y un filósofo alemán, Walter Benjamin (1891-1940), ambos fueron contemporáneos, y en distintas situaciones, ambos Bulgákov y Benjamin, padecieron el rigor de crueles dictaduras. Hoy, quisiera volver a conversar sobre Bulgákov, y su obra, la novela, El maestro y Margarita.

Cuando Mijaíl Afanásievich Bulgákov (1891-1940) emprendió la escritura de El maestro y Margarita, habían transcurrido ya dos años desde que Walter Benjamin (1891-1940) presenciara en el Teatro de Arte de Moscú una de las casi trescientas funciones de Los días de los Turbín, la obra teatral más famosa y controvertida de Bulgákov, a la cual el propio Iósif Visariónovich Stalin asistiría unas quince veces. Pero en aquel 14 de diciembre de 1926 ante Walter Benjamin en el Teatro de Arte, de Moscú, nadie sabría sobre el futuro “enmudecimiento-obligado” de Bulgákov, ni podría imaginárselo Benjamin en diciembre de 1926, ni cuál habría de ser la vida de Bulgákov, ante “el inconmovible” Iósif Visariónovich Stalin y menos aún podía imaginarse Benjamin que Bulgakov terminaría por consagrarse como uno de los productores de obras de teatro más singulares de la Rusia Soviética.

En el Teatro de Arte de Moscú aquel 14 de diciembre, se presentaba la adaptación de la novela de Bulgákov, La Guardia Blanca (1924) puesta en escena como Los días de los Turbín por el prestigioso director Konstantin Stanislavski, y Benjamin habría de presenciarla sin darse cuenta, de que estaba en las vísperas del silenciamiento de Bulgákov. Después de 1919 se dio la prohibición de sus dramas Los días de los Turbín, El apartamento de Zoika, La isla púrpura, La huida, y los otros relatos y novelas de Bulgákov, quien se convertiría en un opaco funcionario destinado a pasar el resto de su vida presenciando la anulación total de la exhibición de sus obras, con la imposibilidad de su publicación o representación.

El enmudecimiento público, no implicó para Bulgákov el cese de su labor como escritor y por el contrario, ayudó a que se definiesen en él todos los rasgos de su figura de autor y de productor, sobre la cual Benjamin teorizaría en París de 1934, en su disertación-ensayo El autor como productor. El filósofo alemán propondría un tipo de autor que no coincide del todo con la corriente de pensamiento comunista tradicional, ya que no renuncia a su autonomía. Esa figura, se sitúa del lado de la tendencia política correcta, a la que Benjamin prudentemente no identificaría con nombre y apellido: era Bulgákov.

El maestro y Margarita puede considerarse como una de las más grandes novelas de la literatura del siglo XX. El llamado deshielo de la Unión Soviética hizo posible que la novela, que concluiría con la muerte de su autor en 1940, y que sería preservada de la criminalidad censoria del periodo estalinista, permitió publicarse, aunque recortada, a finales de 1966 y principios de 1967. En El maestro y Margarita Bulgákov realizaría con acertada intuición, el montaje de tres historias: 1-la aparición del diablo Voland con su séquito en Moscú, 2-la relación amorosa entre el Maestro y Margarita y, 3-una novela sobre Poncio Pilatos. El montaje de estos relatos en tiempos históricos muy distintos, -Poncio Pilatos en Judea en el año 33 d. C, y de Voland (el demonio) en Moscú a finales de los años treinta, complementado con los amores del maestro y Margarita constituyen la obra maestra de Bulgákov.  

El dominio del humor y de lo grotesco, presente en El maestro y Margarita, pertenece a las vanguardias artísticas del primer tercio del siglo XX que fácilmente se conectan con la tradición satírica de la literatura rusa, en especial con su gran referente Nikolái Gógol. El Maestro, es un autor amargado al que el rechazo de su novela histórica sobre Poncio Pilatos y Cristo ha conducido a una desesperación tal que quema su propio manuscrito, volviendo la espalda al “mundo real", incluyendo a su devota amada Margarita, la amante del Maestro, quien aceptará una oferta de Satán, convirtiéndose en bruja de poderes sobrenaturales la Noche de Walpurgis que coincide con el Viernes Santo en un espectáculo ofrecido por Satán en el teatro de variedades, satirizando la vanidad, avaricia y la credulidad de los nuevos ricos.

Esta técnica literaria progresiva de Bulgákov consiste en transformar artísticamente la realidad, y, con ello, el discurso del Poder. La transformación se lleva a cabo de manera explícita o implícita, donde Bulgákov como autor-productor logra una doble exposición de su tendencia literaria en la novela y en su artificio metaliterario, creando una sátira sobre el estado de cosas en la URSS, poniendo en cuestión el poder religioso en Judea, ambas situaciones están explícitas, aunque el autor no hace concesiones a la obviedad ni a lo verídico en detrimento de la calidad de la obra resultando una novela fantástica.

Las obras de Bulgákov no se inscriben dentro del realismo socialista porque la suya es la labor de resistencia de un intelectual, que se manifiesta en la tensión y la potencia transformadora de su obra. Bulgákov conocía su poder como escritor, por su condición de dramaturgo. Al dejar el manuscrito de su novela dentro de su casa en llamas para partir a la eternidad con Voland y Margarita, el Maestro demuestra que es capaz de mantener su obra en el fuego de la memoria. Para Bulgákov y para su alter ego el Maestro, la escritura de la novela implica una renuncia incondicional a verla publicada en vida.

El maestro y Margarita es una obra que, al haber sido publicada veintiséis años después de la muerte de su autor, obstinadamente transformaría su tiempo en la historia. Es una novela contemporánea, por su relación indirecta con el Poder en el tiempo en que fue escrita, pero también y sobre todo, debido su función política y estética permanecerá inalterable en cada punto de la Historia.

Bulgákov como el Maestro pueden escribir de nuevo la novela real y la ficticia tras haberlas arrojado al fuego -en la narración- una idea genuinamente contemporánea como la de El maestro y Margarita, que fue planeada y ejecutada con maestría, de manera que no desaparece y resistiría la prueba de fuego del tiempo y de la censura sin perder su contemporaneidad.

Maracaibo, el lunes 17 de agosto del año 2026

Tormenta de ideas

El Proyecto Brainstorm es una película de ciencia ficción de 1983 que fue dirigida por Douglas Trumbull e interpretada por Christopher Walken y Natalie Wood, quien murió inesperadamente durante aquella filmación, lo que alteró completamente la trama original del filme que trataba de un grupo de científicos quienes inventaron un casco para detectar los pensamientos, sentimientos y sensaciones del que lo usa, grabarlos, y que otra persona los reciba.

El título de la película sugería una lluvia o, también podría llamarse tormenta de ideas, (en inglés brainstorming) que bien puede resultar igualmente una técnica de grupo para generar ideas originales en un ambiente creativo. Como herramienta ya fue ideada desde el año 1939 por Alex Faickney Osborn un publicista que se convirtió en un teórico de la creatividad, e inventó el Brainstorming, tormenta o lluvia de ideas y un método de Solución Creativa de Problemas, un proceso interactivo de grupos que generaban más y mejores ideas que las que los individuos podían producir trabajando de forma independiente.

La película es del año 83 y trata de un casco y del gobierno y el ejército que tratan de apoderarse del invento para aplicaciones bélicas, con la idea de poder hacer “lavados de cerebro”. En la evolución de la tecnología, hoy día (2026) existen los llamados “cascos de realidad virtual para PC (PCVR) que permite conectar unas gafas a una computadora para disfrutar de juegos y simuladores con gráficos avanzados. Las opciones principales del mercado actual como Meta Quest 3 y Meta Quest 3S muy versátiles y con conexión por cable o Wi-Fi, puede ser a PlayStation VR2 (con adaptador para PC), Valve Index (enfocado en precisión), y visores de alta gama como Pico 4 o HTC Vive Pro, etc, etc…  La realidad virtual (RV) es una experiencia simulada que hace uso de un casco de realidad virtual y sensores de posición, para dar al usuario la sensación de estar inmerso en un mundo virtual. Las aplicaciones de la realidad virtual incluyen el entretenimiento (en particular los videojuegos), la educación (como la formación médica, de seguridad o militar), la investigación y los negocios (como las reuniones virtuales).

La película de Douglas Trumbull, de cierta manera se adelantaba a la ya conocida “realidad virtual” pero realmente la inspiración para el filme “Proyecto Brainstorm” nació de los trabajos del doctor Stanislav Grof(1931), un psiquiatra checo que vive en Estados Unidos desde 1960 y quien fue uno de los fundadores de la psicología transpersonal; investigador pionero en el uso de “los estados alterados de conciencia con los propósitos de sanación, crecimiento e introspección”. Grof recibió el premio VISION 97 concedido por la Fundación de Dagmar y Vaclav Havel, en Praga, el 5 de octubre de 2007.  Stanislav Grof estuvo viviendo en Checoslovaquia y después en Estados Unidos cuando estuvo investigando reproducir los efectos beneficiosos del LSD y desarrolló técnicas de respiración, musicales, usando imágenes, todo esto llevaba a una experiencia muy profunda. Estos conocimientos están en las llamadas 'Las cintas de George Thandorz', con técnicas para hacer llegar al espectador a un estadio superior de entendimiento".

 

Stanislav Grof  fue el presidente fundador de la Asociación Transpersonal Internacional (International Transpersonal Association -ITA-), fundada en 1977, llegó a ser distinguido como miembro adjunto de facultad del departamento de filosofía, cosmología y conciencia en el Instituto de Estudios Integrales de California, cargo que mantiene hasta el día de hoy en 2026.

 

La realidad virtual (RV) simula mundos digitales interactivos mediante visores especiales. Se aplica con éxito en medicina, educación, industria, psicología y justicia para entrenar personal, tratar pacientes o recrear escenarios complejos de forma segura y realista. Debido al crecimiento latente es predecible que llegue a cubrir otras industrias. La realidad virtual ha sido un tema relevante para el sector cinematográfico, que en algunas películas se han basado en ella o en aditamentos similares.

 

The Matrix (1999): Neo, un habilidoso hacker, descubrirá que su mundo es una mentira, y que junto al resto de los humanos, está conectado a una simulación digital: Matrix, la caul ha sido creada por unas máquinas, que se valen de los humanos para seguir funcionando. Conocedor de la verdad, Neo deberá enfrentarse a “los Agentes”, que son los programas que atrapan a aquellos que han descubierto la verdad preocupante frente a la actual expansión de IA… 

Ready Player One (2018): El adolescente Wade Watts, pasa sus horas en un universo virtual… En OASIS, todo es posible. Pero su vida dará un giro cuando descifra una de las pruebas de una de las competencias que se celebran dentro de dicho universo, cuyo ganador conseguirá el control absoluto de OASIS. Sin embargo, él no será el único que vaya tras el premio.

Inception (2010): Dom Cobb un ladrón de ideas: se infiltra dentro del subconsciente de las personas durante sus sueños y extrae las ideas que sus clientes desean obtener. No obstante, este trabajo acaba costándole su libertad y la de su familia. Dispuesto a hacer lo que sea para recuperar su vida pasada, accede a un trabajo extraordinario: implantar una idea externa en la mente de otra persona. Si tiene éxito, conseguirá el perdón. Aunque tendrá que enfrentarse con un enemigo con el que no contaba… ¿IA?

El juego de Ender (2013): Después de que la Tierra fuera atacada por una raza alienígena conocida como fórmicos, Ender Wiggin será seleccionado y preparado como comandante del equipo responsable de proteger lo que queda de la Tierra y de la humanidad ante la amenaza de los fórmicos, quienes están por regresar para terminar el trabajo… Finalmente el incomparable Robin Williams en Jumanji: bienvenidos a la jungla (2017) y Jumanji: siguiente nivel (2019): Cuatro adolescentes quedan atrapados dentro de un extraño videojuego que descubren por casualidad. Para poder volver a casa, deberán superar todos los "niveles", todos los desafíos que les imponga ese mundo virtual, sin morir más de tres veces, o si no... Game Over.

 

Maracaibo, domingo 16 de agosto del año 2026

Marina Ivánovna Tsvetáyeva

En septiembre de 2020, en este blog(lapesteloca) hablamos de una poeta rusa, Anna Ajmátova, quien fue testigo de la quiebra del intimidante imperio zarista y del advenimiento del gobierno de los soviets. Hoy relatamos la historia de Marina Ivánovna Tsvetáyeva, escritora rusa, que destacó como poeta y prosista quien es considerada una de las poetas más originales del siglo XX. Su obra no fue del gusto de Stalin y del régimen comunista por lo que su rehabilitación literaria no empezó hasta los años 1960. Su poesía proviene de lo más profundo de su personalidad, de su excentricidad y de su uso muy preciso del idioma.

 

Marina Tsvetaeva (también conocida como Marina Cvetaeva o Marina Tsvetayeva) nació en Moscú. Su padre era profesor y fundador del Museo de Bellas Artes, y su madre quien era pianista de concierto, falleció de tuberculosis cuando Marina tenía 14 años. A los 18 años, Tsvetaeva publicó su primer poemario, Álbum vespertino. A lo largo de su vida escribió poemas, obras de teatro en verso y textos en prosa; se la considera una de las poetisas más renombradas de la Rusia del siglo XX.

Marina nació en una familia acomodada, era hija del fundador del Museo Pushkin de Moscú, Iván Tsvetáiev. Todavía muy joven publicó con gran éxito Álbum vespertino. Siguió trabajando en literatura y conoció y trató a los grandes escritores. Se la sitúa a la altura de Borís Pasternak, Anna Ajmátova y Ósip Mandelshtam. La vida de Tsvetaeva coincidió con años turbulentos de la historia rusa. Al padecer la reprobación oficial, Tsvetáyeva no pudo encontrar vivienda ni trabajo. Se casó con Sergei Efron en 1912; tuvieron dos hijas y, posteriormente, un hijo. Efron se unió al Ejército Blanco, y Tsvetaeva se separó de él durante la Guerra Civil. Tsvetaeva tuvo un breve romance con Osip Mandelstam y una relación más duradera con Sofia Parnok. Durante la hambruna de Moscú, Tsvetaeva se vio obligada a internar a sus hijas en un orfanato estatal, donde la menor, Irina, murió de hambre en 1919.

 

En 1922 emigró con su familia a Berlín, luego a Praga, y finalmente en 1925, se estableció en París, donde la familia vivió en la pobreza. Sergei Efron trabajaba para la policía secreta soviética, y Tsvetaeva expatriada en París, fue marginada por la comunidad rusa. A lo largo de los años de privaciones y exilio, la poesía y el contacto con poetas fueron el sustento de Tsvetaeva. Mantuvo correspondencia con Rainer Maria Rilke y Boris Pasternak, y dedicó una obra a Anna Akhmatova.

 

Tsvetaeva fue testigo de la quiebra del intimidante imperio zarista y del advenimiento del gobierno de los soviets, un mundo de esperanzas que prontamente se convertiria en un asfixiante amordazamiento de la sociedad. Marina, al igual que una pléyade de escritores y artistas de la entonces Unión Soviética, se negaron a plegarse al régimen y a prostituirse.

 

Los críticos y traductores de la obra de Tsvetaeva suelen destacar la pasión de sus poemas, sus rápidos cambios de ritmo y su sintaxis inusual, así como la influencia de las canciones populares. También es conocida por su retrato de las experiencias de una mujer durante los «años terribles» (como Aleksandr Blok describió este periodo de la historia rusa).

Después de la revolución rusa, tuvo que exiliarse en Berlín, Praga (1922) y luego en Francia (1925) con su marido, antes oficial blanco en activo, que se desengañó poco a poco con la actitud de los emigrados. Vivió 14 años en Francia, a disgusto y deprimida. Tenía dos hijas, Irina y Ariadna, y un hijo, Gueorgui.

 

Al fin, en 1939, regresó a la Unión Soviética con su hijo Gueorgui (Mur) para reunirse con su marido Serguéi Efrón, quien había regresado a Rusia con su hija Ariadna en 1937, como un responsable del contraespionaje soviético. Marina escribió al jefe del NKVD, Lavrenti Beria, pidiendo información y defendiendo a su marido, tras una desgraciada misión oficial. En 1941, Serguéi Efrón y Ariadna fueron arrestados. Su marido, Serguéi, fue fusilado el 16 de octubre de 1941.  

 

Ariadna tuvo que autoacusarse como era habitual, pero tras permanecer ocho años en el Gulag, fue arrestada de nuevo en 1949 y enviada al destierro en el raión de Turujansk. En 1939, Tsvetaeva regresó a la Unión Soviética. Efron habia sido ejecutado y su hija, la única superviviente, había sido enviada a un campo de trabajo. Cuando comenzó la Gran Guerra Patria, con la ocupación nazi, Tsvetáyeva fue evacuada a Yelábuga, Tartaristán. El ejército alemán invadió la URSS, Tsvetaeva evacuada a Yelabuga junto con su hijo, se suicidó ahorcándose el 31 de agosto de 1941.

 

Pese a todas esas desdichas (y de la conciencia escrita de ellas) dejó unas obras muy vivas, de impresionante calor, intransigente y llenas de valentía, donde está el recuerdo de toda una serie de escritores y artistas de su época, así como el retrato de sus propias obsesiones, con una lengua entrecortada y agudísima. Su correspondencia cruzada con Pasternak y Rilke (sólo publicables desde 1979) nos da la media de su personalidad, su fuerza especial y la atracción de todo tipo que ella ejerció.

La obra de Marina Tsvetaeva se salvó de la destrucción y del olvido gracias a su hija Ariadna Efrón. En la Unión Soviética permaneció casi inédita hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando se la empezó a conocer a través de la publicación de literatura en hojas clandestinas. "Nabókov rectificó sus prejuicios sobre la difícil Tsvietáyeva ('leerla solamente causa estupor y dolor de cabeza'), pero se negó a encabezar su rehabilitación, que no ha llegado del todo hasta hace unos días cuando se ha publicado en Rusia su obra completa", según escribió Enrique Vila-Matas.

La obra poética de Tsvetáyeva ha sido traducida al español por la eslavista Selma Ancira, mexicana residente en Barcelona. Aunque empezó mucho antes en la editorial Siglo XXI, desde 1990 «otras editoriales, atrapadas en la amorosa red fanática de Ancira, continuaron la labor». Para Tzvetan Todorov fue una de las escritoras más grandes del siglo XX.

Su poesía no solo influyó en la literatura, sino también en otras ramas del arte. Por ejemplo, la gran compositora soviética Sofiya Gubaidúlina le dedicó obras como Stunde der Seele (en español: Hora del alma, 1976), para mezzosoprano y orquesta de vientos; y Homenaje a Marina Tsvetáyeva (1982), suite en cinco movimientos para coro a cappella. Ambas, con textos de Tsvetáyeva.

 LIBROS DE VERSOS: Álbum de la tarde, 1910; Linterna mágica, 1912; De dos libros, 1913; Bandada de cisnes, 1917-1921; Leguas,edición 1, 1922;Fin de Casanova, 1922¸Separación, 1922¸Versos a Blok, 1916-1921; Psique, 1923; Profesión, 1923; Después de Rusia, 1922-1925; Versos a Chequia, 1938-1939. POEMAS:"Hechicero",1914 ;"Don Juan",1917 ;"Doncella reina",1920 ;"Un bravo",1922 ;"Poema de la montaña",1926; "Poema del fin",1926 ;"Poema de Escalera",1926 ;"Сazador de ratas",1926 ;"Siberia",1930.

Maracaibo, sábado 15 de agosto del año 2026

De Cervantes y Flaubert

¿Existe alguna conexión entre Don Quijote y Madame Bovary? Una respuesta a esta interrogante nos la ofrecería el escritor y diplomático español José María Ridao Domínguez, quien en “El País de Don Quijote”(2005) señalaba que las ideas del hidalgo manchego y la “inflamación amorosa” de Emma Bovary eran producto de una “intoxicación literaria” siendo inequívoco el origen libresco de sus respectivas ambiciones.

Flaubert continuaría la empresa literaria de Cervantes confirmando que “el ideal”, es tan solo eso: “un ideal”. Pero este, puede ser capaz de sabotear la paz y felicidad de quien lo abraza, y el autor, así compara el ideal caballeresco de Don Quijote con la inflamación amorosa de la señora Bovary. Cuando un ideal se vuelve ofuscación, puede llegar a sabotear la mente, aunque tan solo él o ella guarden las mejores intenciones, tan sanas como perseguir un ideal caballeresco o atreverse a valorar el matrimonio en la Francia del siglo XIX. 

Flaubert aprovechando los recursos de Cervantes y apropiándose de ellos destacará “las imperfecciones de la vida” y en su último manuscrito, Bouvard el Péuchet (1881), resumirá en estos dos personajes, “caballeros andantes del saber”, quienes, como ya lo vivirían Don Quijote y la señora Bovary se dirgen al fracaso, siguiendo fieles al modelo cervantino con ese tono paródico que nos regresa obligadamente a Miguel de Cervantes y a su Don Quijote de la Mancha. 

La documentación requerida por Gustavo Flaubert para escribir “la historia de una pareja de copistas” redactando “una enciclopedia de la estupidez”, le tomo varios años… Ridao Dominguez destaca como ya en 1869, Julio Verne había publicado en Francia con gran éxito su novela “Veintemil leguas de viaje submarino” y la literatura que manejaba con gran éxito aquella especie de cierto “desencanto por las imperfecciones de la vida” como las padecidas por don Alonso Quijano y por la señora Emma Bovary, mostraba otras opciones.

Todas estas reflexiones nos obligan a recordar a Isaiah Berlin quien escribiría sobre las doctrinas fanáticas del siglo XIX y de la necesidad de preservar un cierto equilibrio, aunque sea imperfecto pues estará referido a las cuestiones humanas, sobre infelicidades individuales o colectivas, lo cual siempre es una responsabilidad que, como seres humanos, nos corresponde enteramente.

 

Maracaibo, viernes 14 de agosto del año 2026

 

Johann Baptist Strauss II

Johann Baptist Strauss II (1825-1899) fue un compositor austriaco muy conocido especialmente por sus valses, tan populares como El Danubio azul. Era hijo del compositor Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. En realidad, Johann Baptist Strauss II es el músico más famoso de la familia Strauss.

Johann Baptist Strauss nació en St. Ulrich, cerca de Viena, Austria, el 25 de octubre de 1825. Su padre era el compositor Johann Strauss I y su madre fue la primera esposa del compositor, de nombre Maria Anna Streim. El bisabuelo paterno de Johann Baptist era judío húngaro, un hecho que los nazis, quienes ensalzaban la música de Strauss como "tan alemana", intentaron ocultar posteriormente. Su padre no quería que su hijo Johann Baptist se convirtiera en músico; quería que fuese en banquero. Sin embargo, Johann Baptist Strauss Jr. en secreto desde niño estudió violín con Franz Amon quien era el primer violinista de la orquesta de su padre.

Cuando un día su padre descubrió a su hijo practicando el violín a escondidas, le dio una fuerte paliza, diciendo que iba a sacarle la música a golpes. Parece que en lugar de intentar evitar una rivalidad, el mayor de los Strauss, Johann Strauss I, decía que “solo quería que su hijo escapase de los rigores de la vida de músico”, un planteamiento teórico poco comprensible, pero lo cierto fue que cuando se disgustó con su hijo, se fue de su casa a vivir con una amante la Sra Anna Trampusch la pareja de Johann Strauss I, el compositor de la famosa Marcha Radetzky y padre del denominado rey del vals, su hijo Johann Strauss. Su relación había comenzado cuando este aún estaba casado con Maria Anna Streim y la Sra  Anna Trampusch tuvo con el compositor Johan Strauss I, ocho hijos ilegítimos, que nacieron entre 1835 y 1846.

Al ser descubierto por su padre, aprendiendo violín, Johann siempre recordaría la desagradable y violenta escena cuando su padre que no quería saber nada de “sus planes musicales” pues al parecer, quería “evitar que Strauss se convirtiera en su rival” ( ? ), el padre que deseaba apartar a su hijo de “los rigores de la vida de músico”, fue entonces ante aquel disgusto cuando Strauss padre abandonó a su familia y encontró una amante muy “activa y prolífica” la señora Trampusch. Toda esta situación ocurriría cuando Johann de quien nos ocupamos en este recuento, tenía 17 años y con la ayuda de su madre Maria Anna Streim había decidido concentrarse plenamente en la carrera de compositor…

Todos estos detalles con una situación familiar comprometida fueron producto del trabajo del compositor padre Johann Baptist y sus constantes ausencias de Viena durante muchas giras sosteniendo su voluntad expresa de que Anna no les acompañase que fueron haciendo mella en el matrimonio, hasta el  momento cuando quizas encontraba a su esposa carente de atractivo, recordándole que no era el amor lo que les había unido, sino la llegada inminente del pequeño Johann Baptist, de modo que el compositor buscó refugio en brazos de otra mujer, una hermosa joven llamada Emilie Trampusch, de muy modesta condición…

Los años felices en la querida Viena de los Strauss, solo iban a verse oscurecidos por los comienzos para Johann hijo ya que la demanda judicial de Anna, que reclamaba una manutención que no satisfacía convenientemente y que, finalmente los tribunales resolvieron a favor del padre, quien con respecto al hijo, y receloso de que quisiera hacerle la competencia, no le prestó ningún tipo de ayuda. De tal modo que el joven Strauss tuvo que fundar su propia orquesta sin apenas fondos, apoyándose en el gran número de músicos en paro existentes en la ciudad.

La primera función le vino de la mano de Ferdinand Dommayer, que llevaba años suplicando a Johann padre que tocase en sus salones. A modo de desquite contrató al hijo, consiguiendo una gran afluencia de público que acudió tan solo por el placer morboso de asistir al nacimiento de una rivalidad. Como era de suponer, el progenitor, sumamente inquieto, no apareció y mandó a varios amigos para que le informasen sobre el estreno. Deseoso de honrarle, el joven dirigió el vals más célebre del ausente, Los sones del Rín en Lorelei, y después presentó oficialmente su primer vals propio, que a petición del público fue bisado ¡hasta veinte veces!

Sin embargo, los dueños de los grandes salones y una buena parte del público siguieron inclinándose por el Strauss original, quizás pensando de que su hijo pretendía sacar partido de su nombre. En 1843, el patriarca fue nombrado director de la Banda del Primer Regimiento Imperial, alegría que se vio empañada al fallecer Lanner, director de la Banda del Segundo Regimiento, y su puesto le fue concedido al solicitante Johann Strauss hijo. La rivalidad pronto se haría patente en el tipo de composiciones: mientras que el padre ponía su talento al servicio del poder establecido, con homenajes a los adalides militares, el hijo simpatizaría con la causa revolucionaria componiendo canciones de barricada y hasta piezas alusivas a las distintas nacionalidades no germánicas del Imperio Austro-Húngaro. En ese tiempo se produjo la cruel Revolución del 48, con varios cientos de muertos en Viena, entre estudiantes y obreros sublevados contra el poder imperial.

Para entonces, las relaciones entre ambos, padre e hijo, parecían haberse relajado bastante, gracias, a la buena voluntad del hijo, que incluiría obras paternas en todos sus conciertos. Sin saberlo esa reconciliación fue providencial, ya que no le quedaba mucha vida al «Rey del vals». El mismo año de la revolución Johann Baptist padre, emprendió su última gira, visitando Belgrado y Bucarest, el año cuando compone varias marchas de fuerte carácter nacionalista, que alcanzan su cenit con la célebre Marcha Radetzky, en honor al general Joseph Graf Radetzky, que acababa de triunfar en Italia con una sangrienta campaña. Poco después acomete un encargo de Isabel II de España, dos marchas militares, una para la Guardia Real y otra para la Infantería Española y ya en el año 1849 nuevos festejos en honor de Radetzky imponen otra creación musical en su honor para el 22 de septiembre, pero nunca verá la luz. Un brote de escarlatina surge de repente en el hogar del músico y una de sus hijas le contagia. Su agonía no durará ni un día. Inquietos por su ausencia en los festejos, la familia mandó a Joseph Baptist que fue el que descubrió, no solo la muerte de su padre, sino también que Emilie Trampusch había huido llevándose a sus hijos, sin dejar ni rastro, acaso por miedo a que se vengasen de ella por haber sido la causante del abandono de Anna. Nunca más se supo de ellos.

Tras relatar esta convulsionada historia de la familia creadora de tan importantes valses que hacen de Viena una ciudad muical, recordemos que “El Danubio azul” el famoso vals, fue compuesto por Johann Baptiste Strauss II  en 1866 y su significado principal habría de de ser un símbolo de esperanza, alegría y paz para Austria tras una dura derrota militar, convirtiéndose además en un himno cultural de Viena y de la música occidental.

Maracaibo, jueves 13 de agosto del año 2026