El tenebrismo de Caravaggio

 

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), conocido como Caravaggio, fue un pintor  italiano, activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610. Caravaggio pintaba tras una detenida observación anatómica con un uso dramático del claroscuro que llegaría a ser conocido como tenebrismo.

 

El tenebrismo se convirtió en un elemento estilístico que llego a ejercer una influencia decisiva en la formación de la pintura del Barroco. La pintura de Caravaggio combinaba la observación realista de la figura humana, física y emocional, con un uso dramático de la luz oscureciendo las sombras y transfigurando objetos con la aparición de brillantes haces de luz. 

Caravaggio trabajaba muy rápido y utilizaba modelos del natural, prescindiendo de bocetos para trabajar pintando directamente sobre el lienzo. Así expresó vívidamente momentos y escenas cruciales, (https://tinyurl.com/mvsffrw4) a menudo con luchas violentas, tortura y muerte Su influencia fue profunda en el nuevo estilo barroco que emergió del manierismo de los grandes maestros como Pedro Pablo Rubens, José de Ribera, Rembrandt y Diego Velázquez. En la siguiente generación, al manifestar el profundo influjo que ejerció Caravaggio, fueron llamados “caravaggistas” o “tenebristas”.

Caravaggio “colocó la oscuridad (sombras) en el claroscuro”. El claroscuro había llegado a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue él quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Caracterizado por su rapidez para ejecutar obras marcando las líneas básicas directamente sobre el lienzo con el extremo del mango del pincel, Caravaggio pronto se convirtió en un anatema para los ortodoxos, pues se negaba a idealizar las figuras y tampoco hacía bocetos ni dibujos preparatorios.

Las novedades de la obra pictórica de Caravaggio inspiraron toda la pintura del Barroco, y se incorporó el drama del claroscuro de manera que así, la evolución estilística provocada por el pintor italiano con los años dejaría de ser tendencia, pero con el paso del tiempo, en el siglo XX, resurgiría el interés por la pintura de Caravaggio reconociéndose su importancia en el desarrollo del arte occidental. Se ha dicho que “la pintura moderna comienza con la obra de Caravaggio”​.

En lo personal, Caravaggio no era el icono gay que algunos han tratado de crear en estos tiempos, había tenido una vida carente de afectos familiares cuando joven con mala conducta y terminaría envuelto en reyertas asesinado a un conocido mafioso local apellidado Tomassoni. Existe una novela “Una vida sagrada y profana” (Taurus) de Graham Dickson quien lo define como “un omnisexual” y su novela ha sido considerada como “el mejor intento por acercarnos a su compleja personalidad y explicarnos su mundo”.

La utilización simbólica de la luz fue usada por Rembrandt t Harmenszoon van Rijn quien fue quizás su mejor exponente (https://bit.ly/2QYihyv), Él usaba un estilo cercano al tenebrismo, pero más difuminado y sin los marcados contrastes de luz y sombras de los caravaggistas se puede decir que “Rembrandt inventó la luz, no como calor, sino como valor.” En sus imágenes predomina la oscuridad, iluminada en ciertas partes por un rayo de luz cenital de connotación divina. La luz rembrandtiana es reflejo de una fuerza exterior, que incide en los objetos haciendo que irradien energía. En Rembrandt la luz pasa a ser algo estructural, integrada en forma, color y espacio, y así se desmaterializa los cuerpos y juega con la textura de los objetos.

Hemos recientemente conversado sobre la tradición lumínica de la escuela veneciana, destacando su importancia en el compatriota de Rembrandt Johannes Vermeer (https://bit.ly/3CG9vOz) (1632-1675) quien imprimía a sus obras -en espacios interiores- una luminosidad pálida en unos ambientes plácidos y sosegados.​ Con una serie de puntos de pigmento realzaba los objetos, sobre los que aplicaba una luminosidad que hacía que las superficies reflejasen la luz de una forma especial (https://tinyurl.com/56ucb4xm). La luz de Vermeer suaviza los contornos sin perder la solidez de las formas, en una combinación de suavidad y precisión que pocos artistas más han logrado. Vermeer fue apodado “el pintor de la luz”.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851) (https://bit.ly/3VcNq13) fue otro pintor, en este caso un inglés quien plasmaría los efectos de luz en la naturaleza, con cambios atmosféricos de gran dramatismo, como tormentas, marejadas, niebla, lluvia, nieve, o bien fuego y espectáculos de destrucción en paisajes en los que realizó numerosos experimentos sobre cromatismo y luminosidad, los cuales otorgaron a sus obras un aspecto de gran realismo visual. Regresando al Tenebrismo, este fue como una "nueva luz" que nació sobre temas muy diferentes, en ocasiones de forma simbólica y Caravaggio, representaría este fenómeno luminoso muy asociado a figuras humanas.

En este sentido de combinar la luz de la naturaleza con personajes de la vida real, destacaría varios siglos más tarde la obra de Joaquin Sorolla (1863-1923) (https://tinyurl.com/4jnyrbyj) en España, donde la pintura va a crear fuertes haces de luz incidiendo sobre los cuerpos de sus lienzos. La obra pictórica de Joaquín Sorolla ha pasado a la historia, por la captación de la luz en sus pinturas, por atrapar en sus lienzos las diferencias entre la luminosidad mediterránea y la cantábrica en instantes banales de la cotidianidad. Sorolla se mostraría como un pintor del ser humano en su esencia, lo que provoca la especial conmoción del espectador, por lo que se convertiría en referente de la cultura española de su época.

A diferencia de la luz del Tenebrismo, la luz del neoclasicismo vino a darnos idea de otro tipo de iluminación, particularmente en escenas exteriores, pero esta luz del neoclasicismo es una luz clara, fría y difusa, que baña las escenas con uniformidad, sin contrastes violentos; la luz delimita los contornos y el espacio, y otorga una apariencia de solemnidad a la imagen, en consonancia con los temas tratados. Jacques-Louis David (1758-1825) un artista neoclásico sobrio que subordinó completamente el color al dibujo. Estas características se notan en “El rapto de las sabinas”. Otros pintores como Johann Heinrich Füssli, (1741-1825) pintor contemporáneo con W. Blake, conocido por sus imágenes oníricas (https://bit.ly/3Mft8v) que mostrarían un estilo influido por el manierismo italiano con un tipo de iluminación de carácter teatral.​

El Tenebrismo tuvo gran influencia en movimientos posteriores, siendo la semilla más influyente en dar lugar a unos de los movimientos más relevantes en la historia del arte. Como mencionamos, es posible encontrar sus reverberaciones desde el Barroco hasta el impresionismo y se ha dicho que, las obras de Rembrandt habrían sido imposibles de no haber sido por el interés por la luz que introdujo el Tenebrismo en la pintura, lo que explica con facilidad la relevancia de este movimiento en la historia de la pintura como la conocemos hoy.

En Maracaibo el domingo 22 de septiembre del año 2024